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Un volumen de la traducción alemana de Vidas de las artes de Vasari presenta las obras de Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli y Alesso Baldovinetti La vida, texto traducido por Victoria Lorini, con notas sobre Botticelli escritas por Dombrowski.

Savonarola fue un fraile dominico que se hizo cargo de Florencia tras la muerte de Lorenzo Medici, fallecido en 1492, mientras que Savonarola tomó el poder en 1494 y prácticamente reconstruyó la república. (Nota: En 1494, el rey Carlos VIII de Francia invadió Florencia, la poderosa familia Medici fue derrocada y Savonarola se convirtió en el nuevo líder espiritual y secular de Florencia. Comenzó a convertir en ley varias normas y reglamentos. Su logro más famoso fue la El "fuego de las vanidades" se encendió en la plaza del Ayuntamiento de Florencia en 1497. En sus últimos años, Botticelli se entregó a los sermones de Savonarola y personalmente arrojó al fuego muchas de sus últimas obras, pero la dureza de Savonarola sumió a la Florencia orientada a los negocios. El 4 de mayo de 1497, un grupo de personas causó problemas mientras Savonarola estaba predicando, y pronto se convirtió en una guerra civil. El 23 de mayo de 1498, él y otros dos monjes fueron quemados en la hoguera. La familia Medici volvió al poder, derrocó la República y se proclamó Gran Duque de Toscana).

Botticelli, Giuliano Medici, 1478

Pero esta debe haber sido una época terrible para Vasari, ya que los Medici perdieron el poder, por lo que trató de reflejar a través de Botticelli el período que va desde la "Edad Gloriosa" de Lorenzo hasta la Edad Media de Savonarola y los cambios que llevaron al resurgimiento de la familia Medici. . Sin embargo, no existe una distinción clara entre los períodos Medici y Savonarola en el arte.

Botticelli, La difamación de Apeles, alrededor de 1494-1495, Colección de los Uffizi

En general, se cree que Savonarola fue un fanático religioso que destruyó muchas obras de arte porque no eran lo suficientemente puras o demasiado liberales. Sin embargo, este no es el caso. Los historiadores nos dicen ahora que los llamados "Fuegos de las Vanidades" no involucraron pinturas ni esculturas, y que estaban dirigidos principalmente a artículos domésticos como espejos y cosméticos, más que a pinturas.

Botticelli, "La Adoración de los Tres Reyes", alrededor de 1475, en la Galería de los Uffizi, el de la izquierda generalmente se considera un autorretrato del propio Botticelli.

Volvamos a la comprensión que Vasari tenía de Botticelli. De hecho, Vasari no fue tan duro con Botticelli. Incluso vio rasgos de futuro en las obras de Botticelli, como el retablo "La Adoración de los Tres Reyes" expuesto en Shanghai. Vasari dio una descripción muy apropiada y profunda de esta pintura. Vio el valor artístico y las cualidades proféticas de la pintura. Fue una obra de arte destacada, que poseía ciertas características del Alto Renacimiento. Pero al mismo tiempo, no vio a este artista como un puente entre el Renacimiento Temprano y el Alto Renacimiento. Creo, y esto es parte de mi investigación, que Botticelli en realidad allanó el camino para el Alto Renacimiento; por ejemplo, Rafael tiene muchas similitudes con Botticelli, algo que Vasari pasó completamente por alto. No estaba dispuesto a ver esto porque necesitaba que las buenas obras de Botticelli se escribieran antes del "período oscuro" de Savonarola, que en realidad no fue tan oscuro, pero para la familia Medici sí. Debe haber sido un momento terrible para el autor.

Botticelli, Virgen y Santos (Retablo de San Bernabé), 1487/1488, Colección Uffizi

Rafael, Virgen de la Baldachina, hacia 1507/1508, Colección Uffizi

En cuanto a "Botticelli ha sido parcialmente malinterpretado", creo que Botticelli es un artista más conocido de lo que se entiende. Esto se refleja principalmente en sus logros en la pintura religiosa, y esto no ha sido plenamente reconocido por los historiadores del arte. . Miles de personas se encuentran cada día frente a "Primavera" y "El nacimiento de Venus" en la Galería de los Uffizi. Tal vez algunos echen un vistazo al cuadro "Palas y Centauro", que también estuvo expuesto en Shanghai. Al mismo tiempo, casi nadie prestaba atención a sus retablos, pero en realidad era famoso por sus obras religiosas. Por ejemplo, en 1481 Lorenzo Medici lo envió a Roma para unirse a otros pintores florentinos en la decoración de las paredes de la Capilla Sixtina.

Botticelli, Palas y los centauros, hacia 1482/1483, Colección Uffizi

La mayoría de los murales que Botticelli y sus asistentes pintaron para la Capilla Sixtina fueron cubiertos por Miguel Ángel, con solo partes visibles, como "Moisés en su juventud".

Sino porque las pinturas religiosas no parecen tan modernas. No hay desnudez en la pintura (las generaciones posteriores dirían que cuantas más figuras desnudas pintaba un artista, más moderno era), pero ésta no era la forma de pensar del Renacimiento. La principal preocupación del Alto Renacimiento fue la composición, centrándose en cómo cada parte de una obra de arte se relacionaba entre sí para formar un todo. Entonces no es una cuestión de desnudez o mitología, sino de composición y mérito artístico. Por eso creo que la gente debería prestar más atención a las otras obras de Botticelli. Hay una gran sala de exposiciones en la Galería de los Uffizi que muestra alrededor de 17 pinturas de Botticelli, pero la gente sólo mira dos de ellas. Por supuesto, estos dos son muy modernos, pero creo que sus mayores logros están en sus pinturas religiosas, porque ahí es donde se ve su progreso, porque recibir el encargo de crear un retablo es el mayor reconocimiento para un pintor, entonces, el artista puso su mejor esfuerzo en ello.

Botticelli, Cantata, alrededor de 1485, Colección Uffizi

Miguel Ángel, "Sagrada Familia", alrededor de 1506, Colección Uffizi

De hecho, los florentinos de esa época aprendieron a comparar el trabajo de Botticelli con el de otros artistas y pudieron ver cuán moderno era. Entonces, sus pinturas religiosas construyeron un puente hacia el Alto Renacimiento, no sólo eso, sino que también "El Nacimiento de Venus" también siento que ha sido mal entendido, y sólo se ha apreciado el lado de creación artística.

Botticelli, El nacimiento de Venus (detalle del árbol), alrededor de 1485-1487, Colección Uffizi

The Paper: Generalmente se cree que la pobreza de Botticelli en sus últimos años estaba relacionada con el “fuego de la vanidad”. Pero también fue después de 1492 cuando Botticelli se alejó gradualmente del énfasis en la belleza física y la precisión anatómica. ¿Fue el estilo desconcertante de su último trabajo el resultado de su gran dependencia del estudio y el uso repetitivo de bocetos formulados, lo que llevó a una disminución en la apreciación de su trabajo? En su opinión, ¿qué es más responsable de su deterioro de reputación en la segunda mitad de su vida? ¿Por qué existe una brecha tan grande entre sus últimos y primeros trabajos?

Dombrowski: No creo que la reputación de Botticelli haya decaído. De hecho, ahora sabemos que el estudio de Botticelli fue el único que fue próspero y productivo durante la década de 1490 y principios del siglo XVI. Continuó creando obras a lo largo de estos años, mientras que algunos artistas tuvieron que dejar de hacerlo porque no pudieron encontrar un mecenas, pero Botticelli no, lo que contradice la descripción de Vasari.

Botticelli, La historia de Lucrecia, alrededor de 1500, Museo Isabella Stewart Gardner, Boston, Massachusetts

La mayoría de los murales que Botticelli y sus asistentes pintaron para la Capilla Sixtina fueron cubiertos por Miguel Ángel, y sólo una parte de ellos es visible. La imagen muestra una de las pinturas supervivientes, "El castigo de los hijos de Coré", que muestra el amor de Botticelli por. Reproducción de música clásica, con el Arco de Constantino en Roma al fondo. Hacia 1500, volvió a pintar el Arco de Triunfo en La historia de Lucrecia.

Todavía estamos influenciados por Vasari y todavía creemos que Botticelli dejó de crear en sus últimos años y se volvió pobre, pero no es así. Botticelli habría sido uno de los pintores más ricos en el momento de su muerte, ya que no solo produjo grandes obras para espacios públicos sino también obras más pequeñas para coleccionistas privados, lo que le permitió tener más libertad para probar cosas nuevas en sus últimos años. Se convirtió en un artista muy libre, un tipo de artista moderno que no apareció hasta finales del siglo XVI.

Aunque sus obras posteriores pueden parecer diferentes de las anteriores, yo diría que fueron producidas principalmente por su estudio, estudiantes o colaboradores que intentaron imitar su estilo. Botticelli tenía tantos encargos en ese momento que mucho trabajo fue asignado a sus colaboradores.

Botticelli y Studio, "La Virgen y el Niño con San Juan Bautista", Colección del Clark Art Institute, EE.UU.

Entiendo sus dudas, pero de hecho, incluso en "El nacimiento de Venus", a finales de la década de 1480, vi su desviación de las normas estéticas que había establecido. Por ejemplo, las piernas, el cuello y la cara se alargan y los brazos se adelgazan. En realidad, estos cambios comenzaron en la década de 1480, lo que generalmente se define como el "período clásico" de Botticelli, pero fue durante este período cuando todos estos cambios comenzaron a aparecer.

Izquierda: Botticelli, "Primavera" (detalle), hacia 1482/1483, Colección Uffizi Derecha: Botticelli, "Madonna and Saints" (Retablo de San Bernabé, detalle de la parte superior del cuerpo de la Virgen), 1487/1488, Colección Uffizi

Botticelli, Venus y Ares, alrededor de 1485, Colección de la Galería Nacional

Como trabajaba para clientes privados, pudo desarrollar un estilo individual, lo que significaba que su estilo personal podía parecer excéntrico, pero en la teoría del arte barroco, "excéntrico" tenía una connotación muy positiva y era la verdadera expresión de su arte. encarnar una visión en lugar de conformarse a lo que otros ven como norma o estándar. Por lo tanto, creo que Botticelli fue más capaz de mostrar su propio estilo artístico único en sus últimos años.

Botticelli, La Natividad Misteriosa, 1500, Galería Nacional, Reino Unido

The Paper: ¿Cómo cambió la comprensión de Botticelli por parte de las generaciones posteriores? ¿Qué piensas de Botticelli ahora?

Dombrowski: Botticelli no fue olvidado por completo, pero su influencia casi desapareció desde el Alto Renacimiento hasta que fue redescubierto por los prerrafaelitas en la segunda mitad del siglo XIX. Primero los artistas, y poco después los historiadores del arte empezaron a tomar nota. Sin embargo, estos historiadores del arte estuvieron muy influenciados por los artistas. En aquella época, la gente tenía sentimientos románticos hacia Botticelli, lo que se llamaba "Botticelli manía". A finales del siglo XIX, todo el mundo estaba obsesionado con Botticelli (nota: este párrafo no es la investigación de Dombrowski, sólo su descripción de la historia del arte).

Botticelli, Retrato de una mujer, 1475

Rossetti, "Sueño despierto", 1880

Pero para ellos, Botticelli era una figura romántica que, como lo pintó Vasari, alguna vez fue aclamado, exitoso y rico, pero luego vivió en la pobreza. Aunque nada de esto es cierto, la gente de aquella época no quería saber la verdad. Les gustó la descripción que hizo Botticelli de su total adaptabilidad a los tiempos: apoyó plenamente a la familia Medici durante la vida de Lorenzo y apoyó plenamente a Savonarola durante los seis años de su reinado. Esta afirmación encaja perfectamente con Botticelli desde una perspectiva romántica. Por tanto, todos los primeros historiadores del arte siguieron esta forma de pensar.

Desde entonces, otros escritores han seguido su ejemplo. Pero la cosa no termina ahí. El famoso erudito alemán Warburg (1866-1929) escribió su tesis doctoral sobre "Primavera" y "El nacimiento de Venus", pero en realidad no habló del arte de Botticelli, sino sólo del contenido estilizado de estas pinturas. Esto marcó el comienzo de un enfoque iconográfico riguroso de las pinturas de Botticelli. Las pinturas ya no se examinan por sus méritos artísticos (como el color, la composición, la línea y el dibujo), sino que se exploran sobre la base de la iconografía. (Nota: El principal método de investigación sobre Botticelli en el siglo XX comenzó con texto en lugar de imágenes, y no puede mostrar completamente todos los logros de Botticelli. Desde la perspectiva de un artista, cómo se distribuyen los colores y las líneas en un plano puede crear grandeza. El método principal de arte, seguido del programa).

Botticelli, "Primavera", hacia 1482/1483, Colección Uffizi

Aunque algunas personas han hecho diferentes intentos, hasta ahora han sido básicamente ignorados (la programación o la iconografía es lo primero). Las obras de Botticelli se han convertido en un campo de batalla para la iconografía. Esto es lo que yo llamo "incomprendido". La gente estudia algo que en realidad no pertenece a la categoría de arte. Los programas no son artísticos, sólo es artístico cómo los artistas los usan y transforman. Si bien el programa o la iconografía son realmente muy interesantes, no es el proceso de creación de arte.

Por eso creo que a Botticelli se le malinterpreta o se le malinterpreta parcialmente. Creo que uno realmente debería prestar atención a su arte y a los métodos y procesos creativos que utilizó como artista. Aunque Botticelli casi no dejó registros escritos, sigo pensando que fue un gran pensador porque su forma de pensar se expresaba a través de la pintura.

Ilustraciones de Botticelli para La Divina Comedia

The Paper: "El nacimiento de Venus" de Botticelli como esquema ha sido tomado prestado y apropiado por artistas contemporáneos. ¿Cómo cree que deberían interpretarse en el mundo contemporáneo?

Dombrowski: Soy historiador del arte y no estoy muy familiarizado con las reinterpretaciones que los artistas contemporáneos hacen de "El nacimiento de Venus" de Botticelli. Sin embargo, vi que el cuadro representaba algo que trascendía el cuadro mismo y se convertía en un símbolo. Este fenómeno no está dentro del ámbito de los historiadores del arte, ya que implica comercialización, un acto de consumo de Botticelli. Por ejemplo, en 2022, cuando una marca de diseñador francés lanzó una serie de prendas de vestir utilizando la imagen de "El nacimiento de Venus" sin "autorización", desencadenó una larga demanda y finalmente tuvo que presentar una demanda contra el Museo de Arte Fitz. pagó una compensación sustancial.

Andy Warhol, "Detalle de pintura renacentista", 1984

Este acto de consumismo no significa nada profundo. Esta es una manera con la que personalmente no estoy de acuerdo, y no creo que la manera en que la gente contemporánea ve "El nacimiento de Venus" de Botticelli sea apropiada. Personalmente, estoy muy disgustado con el uso de "El nacimiento de Venus" de Botticelli en la cultura pop moderna. Por ejemplo, hace unos 15 años, en una fotografía del fotógrafo estadounidense David LaChapelle, Venus aparece como una mujer sexy y agresiva. Esto es completamente diferente de la imagen de Venus de Botticelli, ya que esta pintura no trata sobre el sexo, sino sobre la expresión de la belleza.

La Venus de Botticelli es la imagen más pura que puedas imaginar. Eso es todo lo que puedo decir, no soy crítico de arte y no me especializo en arte contemporáneo.

"Arte Comparado" desde la Perspectiva de la Globalización

The Paper: Los libros que usted editó incluyen "Ojos y mirada: "Vista" desde el arte pictórico del antiguo Egipto hasta el arte pictórico moderno", que explora la expresión y el significado simbólico de los ojos y la mirada en el arte, incluida China. Durante su visita a China esta vez, ¿descubrió nuevas perspectivas en su investigación sobre la historia del arte global?

Dombrowski: "Eye and Gaze" fue un proyecto realizado con estudiantes y el libro se publicó en 2014. ¿Preste atención a cómo se representa la visión en diferentes países y períodos (como la Europa del Renacimiento, la China de la dinastía Tang e incluso el antiguo Egipto) y qué importancia se le da a la representación de los ojos? Utilice esto para aprender y estudiar las formas en que las culturas se superponen. Aunque se trata de un proyecto de hace 10 años, puede ser un punto de partida para un análisis comparativo en el campo de la historia del arte global.

Durante mis dos semanas en China, me sorprendió que algunos de los patrones de las pinturas tradicionales chinas aparecieran a finales del período barroco. Aunque no explícitamente, llamo método de decoración a la forma de componer una imagen, y la composición de las pinturas chinas tiene una fuerte conexión con la decoración de estilo rococó. Aunque las pinturas chinas seguirán ciertas leyes de decoración, esta decoración en sí misma tiene similitudes morfológicas, como el contorno de los pinos en las pinturas chinas de la dinastía Ming. Me refiero a la similitud estructural de los patrones abstractos, no al tema.

Dong Qichang, "Ocho escenas de Yan y Wu" recopiladas por el Museo de Shanghai

Anticipo que mi próximo proyecto de investigación será "Tiepolo y el arte chino antiguo" o "Tiepolo en Oriente". Venecia era probablemente la ciudad más cosmopolita del Mediterráneo en aquella época, y Marco Polo era veneciano. Venecia siempre ha anhelado mucho Oriente (no sólo Oriente Medio, sino también el Lejano Oriente), ciertamente desde una perspectiva europea, y muchas artesanías de China u otras partes del Este de Asia fueron traídas a Venecia. Creo que la experiencia de Tiepolo al observar estas cosas puede haber influido en la forma en que creó su arte.

Esta fue mi primera vez en China, obtuve una nueva comprensión de las ricas y diversas formas de arte de China y me di cuenta de que el concepto de "Bellas Artes" en China era muy diferente del europeo con el que estaba familiarizado. Cuando vi bronces, tallas de jade, cerámicas y otras formas de arte en el Museo de Shanghai, sentí que el alcance de lo que se considera "arte" en la cultura china es mucho más amplio. En Europa, algunas formas de arte se clasifican tradicionalmente como artes aplicadas (o artes y oficios), pero en China gozan del mismo respeto. Esta diferencia de perspectiva pareció abrirme a una nueva comprensión. Quería profundizar mi comprensión de estos, pero también quería rastrear estas similitudes a nivel morfológico (no iconográfico).

Damian Dombrowski admira las pinturas chinas en Beijing.

Por supuesto, no debemos exagerar las similitudes. Porque en estas dos semanas aprendí muchas cosas que antes no sabía mucho. Por ejemplo, China y Europa tienen maneras muy diferentes de entender el arte. Las tradiciones culturales europeas no tienen el concepto de "sellos de poesía, caligrafía y pintura".

Sin embargo, la similitud entre China y Europa occidental es que ambos tienen sistemas artísticos, tienen una comprensión clara del arte y reflexionan sobre la teoría, las academias, la enseñanza, etc. Así que el arte no se trata sólo de crear reliquias culturales o tener un propósito religioso o de sacrificio, sino que es una forma autónoma de expresión, y creo que esto es más evidente en el arte chino y europeo occidental. El arte es la expresión del pensamiento humano, lo cual es una creencia muy firme en mí.

Por supuesto, es maravilloso ver arte africano, pero no tienen este sistema. El arte tiene diferentes propósitos en África y las formas de arte son muy diferentes (por ejemplo, bailar se considera más arte que tallar máscaras). Pero existen algunas similitudes generales entre China y Europa occidental que hacen que las dos regiones sean algo comparables, aunque no siempre ocurrieron al mismo tiempo.

The Paper: En su investigación, usted defiende el "arte comparado desde una perspectiva global". ¿Qué tipo de método de investigación es este? ¿Cómo ve la cultura de otras regiones desde una perspectiva europea?

Dombrowski: Hace unos 15 años intenté introducir el arte comparativo, pero fracasó. Quizás no fue el momento adecuado. Solicité una cátedra dedicada a comparar diferentes civilizaciones artísticas, principalmente entre China y Europa occidental. Pero el puesto no fue aprobado. Casi salgo del campo.

En 2008 publiqué "Compare Now!" en el "Süddeutsche Zeitung" (uno de los dos periódicos serios de Alemania). ", tal vez porque no se publicó en una revista académica, atrajo más atención y me dio cierta reputación. Siempre he querido profundizar en este campo, pero tal vez no pueda empezar hasta después de esta experiencia en China.

En 2008, Dombrowski publicó "Compare Now!" en el "Süddeutsche Zeitung". 》

Cuando comencé a hacerlo, descubrí que las cosas que defendía hace 15 o 16 años ya se habían realizado en el Instituto Mundial de Historia del Arte (WAI). En un seminario en la Academia de Arte de China, dos estudiantes compararon los diferentes enfoques del arte en China y Occidente. Aunque no estuve involucrado en esto, fue como si mi sueño se hiciera realidad, y los métodos mencionados entonces ahora se están desarrollando, y estoy muy feliz, pero yo no he contribuido mucho en este campo.

Damian Dombrowski visita el Museo de Arte Dongyi de Shanghai.

Sé muy bien que el estudio del arte puramente europeo ha llegado a su fin. Tal vez sea porque hemos estudiado ciertos períodos, especialmente el Renacimiento, con tanta profundidad. La historia del arte como disciplina existe desde hace 150 años y se ha centrado en este período, por lo que no hay mucho nuevo que decir sobre el Renacimiento. Actualmente, el estudio de la historia del arte del siglo XIX está atrayendo el interés de cada vez más investigadores jóvenes. Creo que quizá ya no sea suficiente continuar con los estudios tradicionales del Renacimiento. Por supuesto, el conocimiento sobre el Renacimiento debe transmitirse de generación en generación, pero tal vez debería romperse la perspectiva eurocéntrica.

Damian Dombrowski visitó "A partir de Shanghai: un vistazo a un siglo de pintura al óleo china" en el Museo de Arte Liu Haisu de Shanghai

Por tanto, creo que el "arte comparado" representa una dirección de investigación futura. Puede que no sea nuestra generación, sino la próxima, la que impulse el desarrollo de este campo. Estoy bastante seguro de esto. Espero que la nueva generación estudie no sólo como críticos (críticos de arte) o historiadores que sólo estudian la cultura, sino como verdaderos historiadores del arte, lo cual es muy importante.

The Paper: Usted también es el director del Museo Martin von Wagner de la Universidad de Würzburg (el museo está dividido en partes antiguas y modernas, y Dombrowski es responsable de la parte moderna. Las colecciones del museo son famosas las vasijas de cerámica griega antigua). , y generalmente creemos que el Renacimiento siguió la tradición de la antigua Grecia, pero ¿se puede rastrear hasta el antiguo Egipto?

Dombrovski: De hecho, el Museo Martin von Wagner es famoso no sólo por su colección de jarrones y artefactos antiguos griegos, sino también por su sección de pintura y su colección de grabados y dibujos. Soy el jefe del departamento de pintura, grabado y dibujo, y no es fácil responder a la parte antigua.

El Museo Martin von Wagner, situado desde 1963 en el ala sur del Palacio de Würzburg, es uno de los museos universitarios más grandes de Europa.

Pero la investigación en los museos sí toca estos aspectos. La influencia del antiguo Egipto en el arte griego es una cuestión histórica. Incluso durante el Renacimiento, se sabía que el antiguo Egipto había tenido cierta influencia en el arte griego, pero esta influencia fue generalmente reconocida dentro del contexto mediterráneo. El antiguo Egipto era considerado la nación más antigua, por lo que en esa época la antigüedad todavía se consideraba un valor. La antigua Grecia era considerada portadora de la sabiduría antigua, pero no fue hasta el siglo XIX que esta visión comenzó a sistematizarse.

Europa montando un toro, ánforas, principios del siglo V a. C., colección del Museo Martin von Wagner

A principios del siglo XIX, la gente se dio cuenta por primera vez de que el arte griego era más que arte clásico y, a medida que aparecieron artefactos recién descubiertos, la gente comenzó a ver capas más antiguas de arte griego que tenían claras similitudes con el arte egipcio antiguo. Entonces, alrededor de 1820 y 1830, la gente empezó a pensar en la conexión entre el arte griego y el arte egipcio. Antes de esto, había habido pocas discusiones de este tipo. Entonces esta influencia puede haber tenido alguna influencia en la colección de nuestro museo, ya que nuestro museo fue fundado en 1832. De hecho, siempre ha existido una fuerte división entre el arte moderno y el antiguo.

The Paper: Como director de la parte moderna del museo (Sala de Pintura y Departamento de Grabado), si se planea una exposición en China sobre la "era de Giotto a Tiepolo" (o sobre un determinado artista o una determinada sección de esta época) , en Bajo la premisa de que no se pueden prestar obras clásicas, ¿qué ángulo abordará?

Dombrowski: En primer lugar, me alegro de que haya utilizado el término "de Giotto a Tiepolo", que abarca aproximadamente el período de lo que los chinos llaman "arte renacentista", mientras que Giotto y Tiepolo Polo, estos dos artistas creativos, realmente marcaron; el comienzo y el final de este período. La mayor parte de mi trabajo académico se centra en estos quinientos años creativos (alrededor de 1300 a 1800).

Federico Barocchi, Estudio para el retrato del duque Federico Buenaventura, 1602, Museo Martin von Wagner

Si tuviera la oportunidad de comisariar una exposición en China, mi elección sería sin duda Tiepolo, el artista más famoso del siglo XVIII en Europa. Ha sido objeto de mi estudio más intensivo durante los últimos diez años, por lo que sé que su obra resume las tradiciones del arte europeo del período en cuestión y que su ejemplo puede usarse para ilustrar las leyes generales del arte europeo.

Durante la conferencia en Beijing, me di cuenta de que el público chino no estaba muy familiarizado con el nombre "Tiepolo"; esperaba hacer alguna contribución en este sentido, porque ilustraba "Tiepolo" mejor que muchos otros artistas europeos modernos. del arte sólo significa el arte mismo".

Tiepolo pintó en el gran techo del Palacio de Würzburg la "Alegoría de los planetas y continentes", que representa al dios sol Apolo moviéndose en el cielo, rodeado por cuatro direcciones que simbolizan los cuatro continentes: Europa, Asia, África y Estados Unidos.

Si pudiera profundizar más en esta idea, me centraría en la relación de Tiepolo con el Lejano Oriente, especialmente en lo que se refiere a la inspiración de China. Fue durante mi estancia en China que tomé conciencia de la posible existencia de esta relación inspiradora. Este descubrimiento fue como una descarga eléctrica para mí: de repente, descubrí formas rococó en los artefactos chinos expuestos en el museo. Este estilo era el estilo decorativo dominante en Europa a mediados del siglo XVIII, desde los bordados en seda hasta la pintura de paisajes. Nada menos.

Tiepolo, Los sátiros (Pan y su familia), circa 1743-1750, grabado

Espero seguir explorando esta conexión, ya que mi próximo gran proyecto se centrará en la apertura de Tiepolo al mundo (no europeo). No lo olvidemos: el pintor era originario de Venecia y vivió la mayor parte de su vida en Venecia, con vínculos de larga data con China. Dejar que las pinturas y especialmente los dibujos de Tiepolo entren en diálogo con las obras de arte chinas para rastrear los ritmos del mundo: este sería el sueño de una exposición que fuera a la vez educativa y poética.

Tiepolo, parte asiática del fresco de las escaleras del Palacio de Würzburg, 1752/1753

Nota: Nos gustaría agradecer a Lu Jia (candidato a doctorado en WAI), Wang Lianming (profesor asociado del Departamento de Historia y Chino, Universidad de la ciudad de Hong Kong) y al Instituto de Historia del Arte Mundial de la Universidad de Estudios Internacionales de Shanghai (WAI). ) por su gran ayuda en este artículo. Las "Conferencias para académicos destacados en historia del arte mundial" se lanzarán en septiembre de 2023. El tema de 2023-2024 es "Arte y cultura del Renacimiento". Se invitará a 12 académicos de primer nivel de seis países a China para compartir investigaciones. en este campo.