berita

한어Русский языкEnglishFrançaisIndonesianSanskrit日本語DeutschPortuguêsΕλληνικάespañolItalianoSuomalainenLatina

Satu volume terjemahan bahasa Jerman dari Vasari's Lives of the Arts memperkenalkan karya Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli dan Alesso Baldovinetti Life, teks yang diterjemahkan oleh Victoria Lorini, dengan catatan tentang Botticelli yang ditulis oleh Dombrowski.

Savonarola adalah seorang biarawan Dominika yang mengambil alih Florence setelah kematian Lorenzo Medici, yang meninggal pada tahun 1492, sementara Savonarola mengambil alih kekuasaan pada tahun 1494 dan membangun kembali Republik. (Catatan: Pada tahun 1494, Raja Prancis Charles VIII menginvasi Florence, keluarga Medici yang berkuasa digulingkan, dan Savonarola menjadi pemimpin spiritual dan sekuler baru di Florence. Ia mulai membuat berbagai peraturan dan ketentuan menjadi undang-undang. Prestasinya yang paling terkenal adalah " Fire of the Vanities" menyala di Alun-Alun Balai Kota Florence pada tahun 1497. Di tahun-tahun terakhir hidupnya, Botticelli menuruti khotbah Savonarola dan secara pribadi melemparkan banyak karyanya yang terakhir ke dalam api. Namun kekerasan Savonarola menjerumuskan Florence yang berorientasi bisnis ke dalam kemiskinan. Pada bulan Mei 4, 1497, sekelompok orang membuat masalah ketika Savonarola sedang berkhotbah, dan itu segera berubah menjadi perang saudara. Pada tanggal 23 Mei 1498, dia dan dua biksu lainnya dibakar di tiang pancang Tak lama setelah kematiannya, Medici keluarga berkuasa lagi, menggulingkan Republik, dan menyatakan diri mereka sebagai Adipati Agung Tuscany).

Botticelli, Giuliano Medici, 1478

Namun ini pasti merupakan saat yang mengerikan bagi Vasari karena Medici kehilangan kekuasaan, jadi ia mencoba untuk merefleksikan melalui Botticelli periode dari "Zaman Kejayaan" Lorenzo hingga Abad Kegelapan Savonarola" hingga perubahan yang menyebabkan munculnya kembali keluarga Medici . Namun, tidak ada perbedaan yang jelas antara periode Medici dan Savonarola dalam seni.

Botticelli, The Libel of Apelles, sekitar tahun 1494–95, Koleksi Uffizi

Savonarola umumnya diyakini sebagai seorang fanatik agama yang menghancurkan banyak karya seni karena tidak cukup murni atau terlalu liberal. Namun, hal ini tidak terjadi. Para sejarawan kini memberi tahu kita bahwa apa yang disebut "Api Kesombongan" tidak melibatkan lukisan atau patung, dan api tersebut terutama ditujukan pada barang-barang rumah tangga seperti cermin dan kosmetik, bukan lukisan.

Botticelli, "The Adoration of the Three Kings", sekitar tahun 1475, di Galeri Uffizi, yang di sebelah kiri umumnya dianggap sebagai potret diri Botticelli sendiri.

Kembali ke pemahaman Vasari tentang Botticelli. Faktanya, Vasari tidak terlalu keras terhadap Botticelli. Ia bahkan melihat ciri-ciri berwawasan ke depan dalam karya Botticelli, seperti altarpiece "The Adoration of the Three Kings" yang dipamerkan di Shanghai. Vasari memberikan gambaran yang sangat tepat dan mendalam tentang lukisan ini, Ia melihat nilai seni dan kualitas kenabiannya lukisan itu. Itu adalah karya seni yang luar biasa, memiliki karakteristik tertentu dari Renaisans Tinggi. Namun pada saat yang sama, dia tidak melihat seniman ini sebagai jembatan antara Renaisans Awal dan Renaisans Tinggi. Menurut saya, dan ini bagian dari penelitian saya, Botticelli sebenarnya membuka jalan bagi High Renaissance, misalnya Raphael memiliki banyak kemiripan dengan Botticelli, yang sama sekali diabaikan oleh Vasari. Ia enggan melihat hal ini karena ia membutuhkan karya-karya baik Botticelli untuk ditulis sebelum "masa kelam" Savonarola, yang sebenarnya tidak terlalu kelam, namun bagi keluarga Medici itu pasti saat yang mengerikan bagi penulisnya.

Botticelli, Madonna dan Saints (Saint Barnabas Altarpiece), 1487/1488, Koleksi Uffizi

Raphael, Madonna dari Baldacchina, sekitar tahun 1507/1508, Koleksi Uffizi

Mengenai "Botticelli sebagian disalahpahami", saya yakin Botticelli adalah seniman yang dikenal lebih dari yang dipahaminya. Hal ini terutama tercermin dalam prestasinya dalam lukisan religi, dan hal ini belum sepenuhnya diakui oleh para sejarawan seni . Ribuan orang berdiri di depan "Primavera" dan "The Birth of Venus" di Galeri Uffizi setiap hari. Mungkin sebagian orang akan melihat lukisan "Pallas dan Centaur" yang juga dipajang di Shanghai. Pada saat yang sama, hampir tidak ada yang memperhatikan altarnya, namun nyatanya ia terkenal dengan karya keagamaannya. Misalnya, pada tahun 1481 Lorenzo Medici mengirimnya ke Roma untuk bergabung dengan pelukis Florentine lainnya dalam mendekorasi dinding Kapel Sistina.

Botticelli, Pallas dan Centaur, sekitar tahun 1482/1483, Koleksi Uffizi

Sebagian besar mural yang dilukis Botticelli dan asistennya untuk Kapel Sistina diliput oleh Michelangelo, dengan hanya sebagian yang terlihat, seperti "Musa di Masa Mudanya"

Tapi karena lukisan religi tidak terlihat begitu modern. Tidak ada ketelanjangan dalam lukisan itu (generasi selanjutnya berpendapat bahwa semakin banyak figur telanjang yang dilukis seorang seniman, semakin modern ia), namun ini bukanlah cara berpikir Renaisans. Perhatian utama dari High Renaissance adalah komposisi, yang berfokus pada bagaimana setiap bagian dari sebuah karya seni berhubungan satu sama lain untuk membentuk keseluruhan. Jadi ini bukan soal ketelanjangan atau mitologi, tapi soal komposisi dan nilai artistik. Jadi menurut saya orang harus lebih memperhatikan karya Botticelli lainnya. Ada ruang pameran besar di Galeri Uffizi yang memajang sekitar 17 lukisan Botticelli, namun orang hanya melihat dua di antaranya. Tentu saja keduanya sangat modern, tapi menurut saya prestasinya yang lebih besar ada pada lukisan religiusnya, karena disitulah kemajuannya bisa dilihat, karena ditugaskan untuk membuat sebuah altarpiece adalah pengakuan tertinggi bagi seorang pelukis, jadi, Sang seniman mengerahkan upaya terbaiknya ke dalamnya.

Botticelli, Cantata, sekitar tahun 1485, Koleksi Uffizi

Michelangelo, "Keluarga Suci", sekitar tahun 1506, Koleksi Uffizi

Faktanya, masyarakat Florentine pada masa itu belajar membandingkan karya Botticelli dengan seniman lain, dan mereka bisa melihat betapa modernnya ia. Jadi, lukisan religinya menjadi jembatan menuju High Renaissance, tidak hanya itu, tapi juga "The Birth of Venus". Saya juga merasa telah disalahpahami, dan hanya sisi kreasi artistiknya yang diapresiasi.

Botticelli, Kelahiran Venus (detail pohon), sekitar tahun 1485-1487, Koleksi Uffizi

Makalah: Secara umum diyakini bahwa kemiskinan Botticelli di tahun-tahun terakhir hidupnya berkaitan dengan “api kesombongan”. Namun baru setelah tahun 1492 Botticelli secara bertahap beralih dari penekanan pada kecantikan fisik dan keakuratan anatomi. Mungkinkah gaya karyanya yang membingungkan kemudian disebabkan oleh ketergantungannya yang besar pada studio dan penggunaan sketsa formula yang berulang-ulang, sehingga menyebabkan penurunan apresiasi terhadap karyanya? Menurut Anda, apa yang lebih bertanggung jawab atas menurunnya reputasinya di paruh kedua hidupnya? Mengapa ada kesenjangan besar antara karya-karyanya yang terakhir dan awal?

Dombrowski: Saya rasa reputasi Botticelli tidak menurun. Faktanya, kita kini mengetahui bahwa studio Botticelli adalah satu-satunya studio yang makmur dan produktif sepanjang tahun 1490-an hingga awal tahun 1500-an. Ia terus berkarya selama bertahun-tahun, sedangkan beberapa seniman harus berhenti karena tidak dapat menemukan pelindung, namun Botticelli tidak, yang bertentangan dengan uraian Vasari.

Botticelli, Kisah Lucretia, sekitar tahun 1500, Museum Isabella Stewart Gardner, Boston, Massachusetts

Sebagian besar mural yang dilukis Botticelli dan asistennya untuk Kapel Sistina diliput oleh Michelangelo, dan hanya sebagian yang terlihat. Gambar tersebut menunjukkan salah satu lukisan yang masih ada, "Hukuman Putra Korah", yang menunjukkan kecintaan Botticelli pada lukisan tersebut. musik klasik. Reproduksi, dengan Lengkungan Konstantinus di Roma sebagai latar belakang. Sekitar tahun 1500, dia melukis Arc de Triomphe lagi dalam The Story of Lucretia.

Kami masih dipengaruhi oleh Vasari dan masih percaya bahwa Botticelli berhenti berkreasi di tahun-tahun terakhirnya dan menjadi miskin, namun kenyataannya tidak demikian. Botticelli akan menjadi salah satu pelukis terkaya pada saat kematiannya, karena ia tidak hanya menghasilkan karya-karya besar untuk ruang publik tetapi juga karya-karya kecil untuk kolektor pribadi, yang memungkinkannya lebih bebas mencoba hal-hal baru di tahun-tahun berikutnya. menjadi seniman yang sangat bebas, sejenis seniman modern yang baru muncul pada akhir abad ke-16.

Meskipun karya-karyanya selanjutnya mungkin terlihat berbeda dari karya-karya sebelumnya, saya berpendapat bahwa karya-karya tersebut sebagian besar diproduksi oleh studio, siswa, atau kolaboratornya yang berusaha meniru gayanya. Botticelli mendapat begitu banyak komisi pada saat itu sehingga banyak pekerjaan yang diberikan kepada kolaboratornya.

Botticelli dan Studio, "Perawan dan Anak bersama Santo Yohanes Pembaptis", Koleksi Institut Seni Clark, AS

Saya memahami keraguan Anda, namun nyatanya, bahkan dalam "The Birth of Venus" di akhir tahun 1480-an, saya melihat penyimpangannya dari norma estetika yang ia tetapkan. Misalnya kaki, leher, dan wajah menjadi lebih panjang, serta lengan menjadi lebih kurus. Perubahan-perubahan ini sebenarnya dimulai pada tahun 1480-an, yang biasanya disebut sebagai "periode klasik" Botticelli, namun pada periode inilah semua perubahan ini mulai terlihat.

Kiri: Botticelli, "Primavera" (detail), sekitar tahun 1482/1483, Koleksi Uffizi; Kanan: Botticelli, "Madonna and Saints" (Saint Barnabas Altarpiece, detail tubuh bagian atas Perawan) ), 1487/1488, Koleksi Uffizi

Botticelli, Venus dan Ares, sekitar tahun 1485, Koleksi Galeri Nasional

Karena ia bekerja untuk klien pribadi, ia mampu mengembangkan gaya individu, yang berarti gaya pribadinya mungkin tampak eksentrik, namun dalam teori seni Barok, "eksentrik" adalah konotasi yang sangat positif dan merupakan ekspresi sebenarnya dari karya seni sang seniman. Perwujudan suatu visi dan bukannya menyesuaikan diri dengan apa yang orang lain anggap sebagai norma atau standar. Oleh karena itu, menurut saya Botticelli lebih mampu menunjukkan gaya artistik uniknya di tahun-tahun berikutnya.

Botticelli, The Mysterious Nativity, 1500, Galeri Nasional, Inggris

Makalah: Bagaimana pemahaman generasi selanjutnya tentang Botticelli berubah? Apa pendapat Anda tentang Botticelli sekarang?

Dombrowski: Botticelli tidak sepenuhnya dilupakan, namun pengaruhnya hampir hilang dari High Renaissance hingga ia ditemukan kembali oleh kaum Pra-Raphael pada paruh kedua abad ke-19. Seniman pertama, dan segera setelah itu, sejarawan seni mulai memperhatikannya. Namun, sejarawan seni ini sangat dipengaruhi oleh seniman. Saat itu, masyarakat mempunyai perasaan romantis terhadap Botticelli, yang disebut dengan "Botticelli mania". Di penghujung abad ke-19, semua orang terobsesi dengan Botticelli (catatan: paragraf ini bukan penelitian Dombrowski, hanya uraiannya tentang sejarah seni).

Botticelli, Potret Seorang Wanita, 1475

Rossetti, "Lamunan", 1880

Namun bagi mereka, Botticelli adalah sosok Romantis yang, seperti digambarkan Vasari, pernah terkenal, sukses dan kaya raya, namun kemudian hidup dalam kemiskinan. Meskipun semua ini tidak benar, orang-orang pada saat itu tidak ingin mengetahui kebenarannya. Mereka menyukai deskripsi Botticelli tentang kemampuan beradaptasinya yang lengkap terhadap zaman: dia sepenuhnya mendukung keluarga Medici selama masa hidup Lorenzo, dan sepenuhnya mendukung Savonarola selama enam tahun pemerintahan Savonarola. Pernyataan ini sangat cocok dengan Botticelli dari sudut pandang romantis. Oleh karena itu, semua sejarawan seni awal mengikuti cara berpikir ini.

Penulis lain pun mengikuti jejaknya. Tapi itu tidak berhenti di situ. Sarjana terkenal Jerman Warburg (1866-1929) menulis tesis doktoralnya tentang "Primavera" dan "The Birth of Venus", namun ia tidak terlalu membahas karya seni Botticelli, melainkan hanya membahas isi stilisasi dari lukisan-lukisan tersebut. Ini menandakan permulaan pendekatan ikonografi yang ketat terhadap lukisan Botticelli. Lukisan tidak lagi diperiksa nilai artistiknya (seperti warna, komposisi, garis dan gambar), namun dieksplorasi berdasarkan ikonografi. (Catatan: Metode utama penelitian Botticelli di abad ke-20 dimulai dengan teks, bukan gambar, dan tidak dapat sepenuhnya menampilkan semua pencapaian Botticelli. Dari sudut pandang seniman, bagaimana warna dan garis didistribusikan pada suatu bidang dapat menciptakan kehebatan. Utama metode seni, dilanjutkan dengan program).

Botticelli, "Primavera", sekitar tahun 1482/1483, Koleksi Uffizi

Meskipun beberapa orang telah melakukan upaya yang berbeda, hingga saat ini pada dasarnya upaya tersebut diabaikan (pemrograman atau ikonografi adalah yang utama). Karya Botticelli telah menjadi medan pertempuran ikonografi. Inilah yang saya sebut dengan “salah paham”. Orang mempelajari sesuatu yang sebenarnya tidak termasuk dalam kategori seni. Program tidak bersifat artistik, hanya cara seniman menggunakan dan mentransformasikannya yang bersifat artistik. Meskipun program atau ikonografinya memang sangat menarik, namun itu bukanlah proses penciptaan seni.

Inilah sebabnya menurut saya Botticelli disalahpahami atau disalahpahami sebagian. Saya pikir seseorang harus benar-benar memperhatikan seninya dan metode serta proses kreatif yang dia gunakan sebagai seorang seniman. Meskipun Botticelli hampir tidak meninggalkan catatan tertulis, saya tetap menganggap dia adalah seorang pemikir hebat karena cara berpikirnya diungkapkan melalui lukisan.

Ilustrasi Botticelli untuk The Divine Comedy

Makalah: "The Birth of Venus" karya Botticelli sebagai sebuah skema telah dipinjam dan diadaptasi oleh seniman kontemporer.

Dombrowski: Saya seorang sejarawan seni dan saya tidak begitu paham dengan penafsiran ulang seniman kontemporer terhadap "The Birth of Venus" karya Botticelli. Namun saya melihat lukisan itu mewakili sesuatu yang melampaui lukisan itu sendiri dan menjadi simbol. Fenomena ini tidak berada dalam lingkup profesional sejarawan seni, karena melibatkan komersialisasi, suatu tindakan konsumsi Botticelli. Misalnya, pada tahun 2022, ketika sebuah merek desainer Perancis meluncurkan serangkaian pakaian dengan gambar "The Birth of Venus" tanpa "izin", hal itu memicu tuntutan hukum yang panjang dan akhirnya harus mengajukan gugatan terhadap The Fitz Art Museum membayar kompensasi yang besar.

Andy Warhol, "Detail Lukisan Renaisans", 1984

Tindakan konsumerisme ini tidak berarti apa-apa. Ini adalah cara yang secara pribadi tidak saya setujui, dan menurut saya cara orang kontemporer memandang "The Birth of Venus" karya Botticelli tidak tepat. Saya pribadi sangat muak dengan penggunaan "The Birth of Venus" karya Botticelli dalam budaya pop modern, misalnya sekitar 15 tahun lalu, dalam foto fotografer Amerika David LaChapelle, Venus digambarkan sebagai wanita yang agresif dan seksi. Ini sangat berbeda dengan gambaran Botticelli tentang Venus, karena lukisan ini bukan tentang seks, melainkan tentang ekspresi keindahan.

Venus Botticelli adalah gambar paling murni yang dapat Anda bayangkan. Itu saja yang bisa saya katakan, saya bukan kritikus seni dan saya tidak mengkhususkan diri pada seni rupa kontemporer.

"Seni Komparatif" dari Perspektif Globalisasi

Makalah: Buku-buku yang Anda edit antara lain "Mata dan Tatapan: "Pemandangan" dari Seni Bergambar Mesir Kuno hingga Seni Bergambar Modern", yang mengeksplorasi ekspresi dan makna simbolis mata dan tatapan dalam seni, termasuk Tiongkok. Selama kunjungan Anda ke Tiongkok kali ini, apakah Anda menemukan perspektif baru dalam penelitian Anda tentang sejarah seni rupa global?

Dombrowski: "Eye and Gaze" adalah proyek yang diselesaikan bersama siswa, dan buku tersebut diterbitkan pada tahun 2014. Perhatikan bagaimana penglihatan direpresentasikan di berbagai negara dan periode (seperti Eropa Renaisans, Dinasti Tang Tiongkok, dan bahkan Mesir kuno), dan apa pentingnya penggambaran mata? Gunakan ini untuk mempelajari dan mempelajari cara-cara di mana budaya saling tumpang tindih. Meski merupakan proyek 10 tahun lalu, namun bisa jadi ini bisa menjadi titik tolak analisis komparatif dalam bidang sejarah seni rupa global.

Selama dua minggu saya di Tiongkok, saya terkejut bahwa beberapa pola dalam lukisan tradisional Tiongkok muncul pada akhir periode Barok. Meski tidak secara eksplisit, saya menyebut cara penyusunan gambar sebagai metode dekorasi, dan cara penyusunan lukisan Tiongkok memiliki kaitan yang kuat dengan dekorasi gaya Rococo. Meskipun lukisan Tiongkok akan mengikuti hukum dekoratif tertentu, dekorasi ini sendiri memiliki kesamaan morfologi, seperti garis besar pohon pinus pada lukisan Tiongkok Dinasti Ming. Saya mengacu pada kesamaan struktural pola abstrak, bukan subjeknya.

Dong Qichang, "Delapan Pemandangan Yan dan Wu" dikoleksi oleh Museum Shanghai

Saya memperkirakan proyek penelitian saya berikutnya adalah "Tiepolo dan Seni Tiongkok Kuno" atau "Tiepolo di Timur". Venesia mungkin adalah kota paling kosmopolitan di Mediterania pada saat itu, dan Marco Polo adalah seorang Venesia. Venesia selalu sangat merindukan Timur (bukan hanya Timur Tengah, tapi Timur Jauh), tentunya dari sudut pandang Eropa, dan banyak kerajinan tangan dari Tiongkok atau kawasan Asia Timur lainnya dibawa ke Venesia. Saya pikir pengalaman Tiepolo melihat hal-hal ini mungkin mempengaruhi cara dia menciptakan karya seninya.

Ini adalah pertama kalinya saya berada di Tiongkok, dan saya memperoleh pemahaman baru tentang kekayaan dan keragaman bentuk seni Tiongkok, dan menyadari bahwa konsep "Seni Rupa" di Tiongkok sangat berbeda dengan konsep Eropa yang saya kenal. Ketika saya melihat perunggu, ukiran batu giok, keramik, dan bentuk seni lainnya di Museum Shanghai, saya merasa bahwa cakupan dari apa yang dianggap sebagai "seni" dalam kebudayaan Tiongkok jauh lebih luas. Di Eropa, beberapa bentuk seni secara tradisional diklasifikasikan sebagai seni terapan (atau seni dan kerajinan), tetapi di Tiongkok bentuk seni tersebut mendapat penghormatan yang sama. Perbedaan cara pandang ini seolah membuka pemahaman baru bagi saya. Saya ingin memperdalam pemahaman saya mengenai hal ini, namun saya juga ingin menelusuri kesamaan-kesamaan ini pada tingkat morfologi (bukan ikonografis).

Damian Dombrowski mengagumi lukisan Tiongkok di Beijing.

Tentu saja, kita tidak perlu terlalu menekankan persamaannya. Karena dalam dua minggu ini, saya belajar banyak hal yang sebelumnya tidak banyak saya ketahui. Misalnya, Tiongkok dan Eropa memiliki cara yang sangat berbeda dalam memahami seni. Tradisi budaya Eropa tidak memiliki konsep "puisi, kaligrafi, dan lukisan segel".

Namun, satu hal yang serupa antara Tiongkok dan Eropa Barat adalah sama-sama memiliki sistem seni, pemahaman seni yang jelas, serta refleksi terhadap teori, akademisi, dan pengajaran. Jadi seni bukan sekadar menciptakan peninggalan budaya, juga bukan sekadar memiliki tujuan keagamaan atau pengorbanan, namun merupakan bentuk ekspresi yang otonom, dan menurut saya hal ini paling jelas terlihat dalam seni Tiongkok dan Eropa Barat. Seni adalah ekspresi pemikiran manusia, yang merupakan keyakinan saya yang sangat kuat.

Tentu saja menyenangkan melihat seni Afrika, tetapi mereka tidak memiliki sistem ini. Seni memiliki tujuan yang berbeda-beda di Afrika, dan bentuk seninya pun sangat berbeda (misalnya, menari dianggap lebih merupakan seni daripada mengukir topeng). Namun terdapat beberapa kesamaan umum antara Tiongkok dan Eropa Barat yang membuat kedua wilayah tersebut agak sebanding, meskipun keduanya tidak selalu terjadi pada waktu yang bersamaan.

Makalah: Dalam penelitian Anda, Anda menganjurkan "seni komparatif dari perspektif global." Metode penelitian macam apa yang Anda gunakan?

Dombrowski: Sekitar 15 tahun yang lalu, saya mencoba memperkenalkan seni komparatif, namun gagal. Saya melamar jabatan profesor yang didedikasikan untuk membandingkan peradaban artistik yang berbeda, terutama antara Tiongkok dan Eropa Barat. Namun posisi itu tidak disetujui. Saya hampir meninggalkan lapangan.

Pada tahun 2008 saya menerbitkan "Bandingkan Sekarang!" di "Süddeutsche Zeitung" (salah satu dari dua surat kabar serius di Jerman). ", mungkin karena tidak dipublikasikan di jurnal akademis, sehingga menarik lebih banyak perhatian dan memberi saya reputasi. Saya selalu ingin mempelajari lebih dalam bidang ini, tapi mungkin ini baru akan benar-benar dimulai setelah pengalaman di Tiongkok ini.

Pada tahun 2008, Dombrowski menerbitkan "Bandingkan Sekarang!" di "Süddeutsche Zeitung". 》

Ketika saya mulai melakukannya, saya menemukan bahwa hal-hal yang saya anjurkan 15 atau 16 tahun yang lalu telah terealisasi di World Art History Institute (WAI). Pada sebuah seminar di China Academy of Art, dua siswa membandingkan pendekatan yang berbeda terhadap seni di Tiongkok dan Barat. Walaupun saya tidak terlibat di dalamnya, mimpi saya seperti menjadi kenyataan, dan metode yang disebutkan kemudian sekarang sedang dikembangkan, dan saya sangat senang, tetapi saya sendiri belum banyak berkontribusi di bidang ini.

Damian Dombrowski mengunjungi Museum Seni Shanghai Dongyi.

Saya tahu betul bahwa studi tentang seni murni Eropa telah berakhir. Mungkin karena kita telah mempelajari periode-periode tertentu, terutama Renaisans, secara mendalam. Sejarah seni sebagai suatu disiplin ilmu telah ada selama 150 tahun dan terfokus pada periode ini, sehingga tidak banyak hal baru yang bisa dikatakan tentang Renaisans. Kini, kajian sejarah seni abad ke-19 semakin menarik minat para sarjana muda. Saya pikir mungkin tidak cukup lagi melanjutkan studi Renaisans tradisional. Tentu saja, pengetahuan tentang Renaisans perlu diwariskan dari generasi ke generasi, namun mungkin perspektif Eurosentris harus dipecah.

Damian Dombrowski mengunjungi "Mulai dari Shanghai - Sekilas Satu Abad Lukisan Cat Minyak Tiongkok" di Museum Seni Liu Haisu di Shanghai

Oleh karena itu, saya yakin bahwa "seni komparatif" mewakili arah penelitian di masa depan. Mungkin bukan generasi kita, melainkan generasi penerus yang akan mendorong berkembangnya bidang ini. Saya cukup yakin tentang hal ini. Saya berharap generasi baru belajar bukan hanya sebagai kritikus (kritikus seni rupa) atau sejarawan yang hanya mengkaji kebudayaan saja, tapi sebagai sejarawan seni rupa sejati, itu sangat penting.

Makalah: Anda juga direktur Museum Martin von Wagner di Universitas Würzburg (museum ini dibagi menjadi bagian kuno dan modern, dan Dombrowski bertanggung jawab atas bagian modern). Koleksi museum adalah vas tembikar Yunani Kuno yang terkenal , dan secara umum kita percaya bahwa Renaisans mengikuti tradisi Yunani kuno, namun dapatkah hal ini ditelusuri kembali ke Mesir kuno?

Dombrovski: Faktanya, Museum Martin von Wagner terkenal tidak hanya karena koleksi vas Yunani kuno dan artefak kuno, tetapi juga karena bagian lukisan serta koleksi cetakan dan gambarnya. Saya kepala departemen seni lukis, seni grafis dan gambar, dan tidak mudah untuk menjawab bagian kuno.

Museum Martin von Wagner, yang terletak di sayap selatan Istana Würzburg sejak tahun 1963, merupakan salah satu museum universitas terbesar di Eropa.

Namun penelitian museum memang menyentuh aspek-aspek ini. Pengaruh Mesir kuno terhadap seni Yunani merupakan isu sejarah. Bahkan pada masa Renaisans, Mesir kuno diketahui mempunyai pengaruh terhadap seni Yunani, namun pengaruh ini secara umum diakui dalam konteks Mediterania. Mesir Kuno dianggap sebagai bangsa tertua, sehingga pada zaman itu jaman dahulu masih dipandang sebagai suatu nilai. Yunani kuno dianggap sebagai pembawa kebijaksanaan kuno, tetapi baru pada abad ke-19 pandangan ini mulai disistematisasikan.

Europa menunggangi banteng, amphorae, awal abad ke-5 SM, koleksi Museum Martin von Wagner

Pada awal abad ke-19, orang-orang pertama kali menyadari bahwa seni Yunani lebih dari sekadar seni klasik, dan ketika artefak-artefak yang baru ditemukan mulai terlihat, orang-orang mulai melihat lapisan-lapisan seni Yunani yang lebih tua yang memiliki kemiripan yang jelas dengan seni Mesir kuno. Jadi, sekitar tahun 1820 dan 1830, orang mulai memikirkan hubungan antara seni Yunani dan seni Mesir. Sebelumnya, diskusi semacam ini jarang sekali terjadi. Jadi pengaruh ini mungkin mempunyai pengaruh terhadap koleksi museum kami, sejak museum kami didirikan pada tahun 1832. Faktanya, selalu ada pemisahan yang kuat antara seni modern dan seni kuno.

Makalah: Sebagai direktur bagian modern museum (ruang lukis dan departemen percetakan), jika sebuah pameran direncanakan di Tiongkok tentang "era dari Giotto hingga Tiepolo" (atau seniman tertentu atau bagian tertentu dari era ini) , apa yang akan terjadi di Tiongkok? Dengan premis bahwa karya klasik tidak dapat dipinjamkan, sudut pandang apa yang akan Anda dekati?

Dombrowski: Pertama-tama, saya senang Anda menggunakan istilah "dari Giotto hingga Tiepolo"; istilah ini secara kasar mencakup periode yang oleh orang Cina disebut sebagai "Seni Renaisans", sementara Giotto dan Tiepolo Polo, dua seniman kreatif ini, sangat menonjol. awal dan akhir periode ini. Sebagian besar karya ilmiah saya berfokus pada lima ratus tahun kreatif ini (sekitar tahun 1300 hingga 1800).

Federico Barocchi, Studi untuk Potret Duke Federico Bonaventura, 1602, Museum Martin von Wagner

Jika saya berkesempatan menjadi kurator sebuah pameran di Tiongkok, pilihan saya pasti adalah Tiepolo, seniman paling terkenal abad ke-18 di Eropa. Dia telah menjadi subjek studi saya yang paling intensif selama sepuluh tahun terakhir, jadi saya tahu bahwa karyanya merangkum tradisi seni rupa Eropa pada periode tersebut, dan contohnya dapat digunakan untuk menggambarkan hukum umum seni Eropa.

Selama ceramah di Beijing, saya menyadari bahwa masyarakat Tiongkok tidak terlalu mengenal nama "Tiepolo"; Saya berharap dapat memberikan kontribusi dalam hal ini, karena ia mengilustrasikan "Tiepolo" lebih baik daripada banyak seniman kebebasan Eropa modern awal lainnya seni hanya berarti seni itu sendiri".

Tiepolo melukis "Alegori Planet dan Benua" di langit-langit besar Istana Würzburg, yang menggambarkan dewa matahari Apollo bergerak di langit, dikelilingi empat arah yang melambangkan empat benua Eropa, Asia, Afrika, dan Amerika Serikat.

Jika saya bisa mengejar ide ini lebih dalam, saya akan fokus pada hubungan Tiepolo dengan Timur Jauh, terutama yang berkaitan dengan inspirasi dari Tiongkok. Selama berada di Tiongkok, saya menyadari kemungkinan adanya hubungan yang menginspirasi ini. Penemuan ini bagaikan sengatan listrik bagi saya—tiba-tiba saya menemukan bentuk-bentuk Rococo pada artefak Tiongkok yang dipajang di museum, yang merupakan gaya dekoratif dominan di Eropa pada pertengahan abad ke-18, mulai dari sulaman sutra hingga lukisan pemandangan .

Tiepolo, The Satyrs (Pan dan Keluarganya), sekitar tahun 1743-1750, etsa

Saya berharap untuk terus mengeksplorasi hubungan ini, karena proyek besar saya berikutnya akan fokus pada pembukaan Tiepolo ke dunia (non-Eropa). Janganlah kita lupa: sang pelukis berasal dan menjalani sebagian besar hidupnya di Venesia, yang memiliki ikatan lama dengan Tiongkok. Biarkan lukisan-lukisan Tiepolo, khususnya gambar, berdialog dengan karya seni Tiongkok untuk menelusuri ritme dunia: inilah impian sebuah pameran yang mendidik sekaligus puitis.

Tiepolo, lukisan dinding bagian Asia di tangga Istana Würzburg, 1752/1753

Catatan: Kami ingin mengucapkan terima kasih kepada Lu Jia (kandidat Ph.D. di WAI), Wang Lianming (Associate Professor di Departemen Tiongkok dan Sejarah, City University of Hong Kong), dan Shanghai International Studies University World Art History Institute (WAI ) atas bantuannya yang luar biasa dalam artikel ini. "Kuliah untuk Cendekiawan Berprestasi dalam Sejarah Seni Dunia" akan diluncurkan pada September 2023. Tema tahun 2023-2024 adalah "Seni dan Budaya Renaisans". 12 sarjana kelas satu dari enam negara akan diundang ke Tiongkok untuk berbagi penelitian di bidang ini.