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Um volume da tradução alemã de Lives of the Arts de Vasari apresenta as obras de Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli e Alesso Baldovinetti Life, texto traduzido por Victoria Lorini, com notas sobre Botticelli escritas por Dombrowski.

Savonarola foi um frade dominicano que assumiu Florença após a morte de Lorenzo Medici, falecido em 1492, enquanto Savonarola assumiu o poder em 1494 e praticamente reconstruiu a República. (Nota: Em 1494, o rei francês Carlos VIII invadiu Florença, a poderosa família Medici foi derrubada e Savonarola tornou-se o novo líder espiritual e secular de Florença. Ele começou a transformar várias regras e regulamentos em lei. Sua conquista mais famosa foi o " Fogo das Vaidades "acendeu na Praça da Câmara Municipal de Florença em 1497. Em seus últimos anos, Botticelli entregou-se aos sermões de Savonarola e pessoalmente jogou no fogo muitas de suas últimas obras. Mas a dureza de Savonarola mergulhou a Florença voltada para os negócios na pobreza. Em maio Em 4 de maio de 1497, um grupo de pessoas causou problemas quando Savonarola estava pregando, e isso logo se transformou em uma guerra civil. Em 23 de maio de 1498, ele e dois outros monges foram queimados na fogueira. família voltou ao poder, derrubou a República e proclamou-se Grão-Duque da Toscana).

Botticelli, Giuliano Médici, 1478

Mas esta deve ter sido uma época terrível para Vasari, pois os Médici perderam o poder, então ele tentou refletir através de Botticelli o período desde a “Idade Gloriosa” de Lorenzo até a Idade das Trevas de Savonarola” até as mudanças que levaram ao ressurgimento da família Médici. . No entanto, não há uma distinção clara entre os períodos Medici e Savonarola na arte.

Botticelli, The Libel of Apeles, por volta de 1494 a 1495, Coleção Uffizi

Geralmente, acredita-se que Savonarola tenha sido um fanático religioso que destruiu muitas obras de arte porque não eram puras o suficiente ou eram muito liberais. No entanto, este não é o caso. Os historiadores dizem-nos agora que os chamados "Fogos das Vaidades" não envolviam pinturas ou esculturas e que se dirigiam principalmente a utensílios domésticos, como espelhos e cosméticos, e não a pinturas.

Botticelli, "A Adoração dos Três Reis", por volta de 1475, na Galeria Uffizi, o da esquerda é geralmente considerado um autorretrato do próprio Botticelli.

Voltemos à compreensão de Vasari sobre Botticelli. Na verdade, Vasari não foi tão duro com Botticelli. Ele até viu características inovadoras nas obras de Botticelli, como o retábulo "A Adoração dos Três Reis" que foi exibido em Xangai. Vasari deu uma descrição muito apropriada e profunda desta pintura. Ele viu o valor artístico e as qualidades proféticas desta pintura. a pintura foi uma obra de arte notável, possuindo certas características da Alta Renascença. Mas, ao mesmo tempo, ele não via este artista como uma ponte entre o início da Renascença e a Alta Renascença. Eu acho, e isso faz parte da minha pesquisa, que Botticelli realmente abriu o caminho para a Alta Renascença, por exemplo, Rafael tem muitas semelhanças com Botticelli, o que foi completamente esquecido por Vasari. Ele não estava disposto a ver isso porque precisava que as boas obras de Botticelli fossem escritas antes do "período negro" de Savonarola, que na verdade não foi tão sombrio, mas para a família Medici foi. Deve ter sido uma época terrível para o autor.

Botticelli, Madonna e Santos (Retábulo de São Barnabé), 1487/1488, Coleção Uffizi

Rafael, Madonna da Baldacchina, por volta de 1507/1508, Coleção Uffizi

Quanto a “Botticelli foi parcialmente mal compreendido”, acredito que Botticelli é um artista que é mais conhecido do que compreendido. Isso se reflete principalmente em suas realizações na pintura religiosa, e isso não foi totalmente reconhecido pelos historiadores da arte. . Milhares de pessoas ficam em frente a "Primavera" e "O Nascimento de Vênus" na Galeria Uffizi todos os dias. Talvez algumas pessoas dêem uma olhada na pintura "Pallas e Centauro", que também estava em exibição em Xangai. Ao mesmo tempo, quase ninguém prestava atenção aos seus retábulos, mas na verdade ele era famoso pelas suas obras religiosas. Por exemplo, em 1481, Lorenzo Medici enviou-o a Roma para se juntar a outros pintores florentinos na decoração das paredes da Capela Sistina.

Botticelli, Pallas e os Centauros, por volta de 1482/1483, Coleção Uffizi

A maioria dos murais que Botticelli e seus assistentes pintaram para a Capela Sistina foram cobertos por Michelangelo, com apenas partes visíveis, como "Moisés em sua Juventude"

Mas porque as pinturas religiosas não parecem tão modernas. Não há nudez na pintura (as gerações posteriores argumentariam que quanto mais figuras nuas um artista pintava, mais moderno ele era), mas esta não era a forma de pensar da Renascença. A principal preocupação da Alta Renascença era a composição, concentrando-se em como cada parte de uma obra de arte se relacionava entre si para formar um todo. Portanto não se trata de nudez ou mitologia, mas de composição e mérito artístico. Então acho que as pessoas deveriam prestar mais atenção aos outros trabalhos de Botticelli. Há uma grande sala de exposições na Galeria Uffizi que exibe cerca de 17 pinturas de Botticelli, mas as pessoas só olham para duas delas. Claro que estes dois são muito modernos, mas penso que os seus maiores feitos estão nas pinturas religiosas, porque é aí que se vê o seu progresso, porque ser contratado para criar um retábulo é o maior reconhecimento para um pintor, então, o artista coloque seu melhor esforço nisso.

Botticelli, Cantata, cerca de 1485, Coleção Uffizi

Michelangelo, "Sagrada Família", por volta de 1506, Coleção Uffizi

Na verdade, os florentinos daquela época aprenderam a comparar a obra de Botticelli com a de outros artistas e puderam ver o quão moderno ele era. Assim, as suas pinturas religiosas construíram uma ponte para a Alta Renascença, não só isso, mas também “O Nascimento de Vénus”. Também sinto que foi mal compreendido e apenas o lado da criação artística foi apreciado.

Botticelli, O Nascimento de Vênus (detalhe da árvore), cerca de 1485-1487, Coleção Uffizi

O Artigo: Acredita-se geralmente que a pobreza de Botticelli nos seus últimos anos estava relacionada com o “fogo da vaidade”. Mas foi também depois de 1492 que Botticelli gradualmente se afastou da ênfase na beleza física e na precisão anatômica. Poderia o estilo intrigante de seu trabalho posterior ser devido à sua forte dependência do estúdio e ao uso repetitivo de esboços estereotipados, levando a um declínio na apreciação de seu trabalho? Na sua opinião, o que é mais responsável pelo declínio da reputação dele na segunda metade da vida? Por que existe uma lacuna tão grande entre seus últimos e primeiros trabalhos?

Dombrowski: Não creio que a reputação de Botticelli tenha diminuído. Na verdade, sabemos agora que o estúdio de Botticelli foi o único que foi próspero e produtivo durante toda a década de 1490 e início de 1500. Ele continuou a criar obras ao longo desses anos, enquanto alguns artistas tiveram que parar porque não conseguiram encontrar um patrono, mas Botticelli não, o que contradiz a descrição de Vasari.

Botticelli, The Story of Lucretia, por volta de 1500, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, Massachusetts

A maioria dos murais que Botticelli e seus assistentes pintaram para a Capela Sistina foram cobertos por Michelangelo, e apenas parte deles é visível. A imagem mostra uma das pinturas sobreviventes, "O Castigo dos Filhos de Corá", que mostra o amor de Botticelli por. Reprodução de música clássica, com o Arco de Constantino em Roma ao centro. Por volta de 1500, ele pintou novamente o Arco do Triunfo em A História de Lucretia.

Ainda somos influenciados por Vasari e ainda acreditamos que Botticelli parou de criar nos últimos anos e ficou pobre, mas não é o caso. Botticelli teria sido um dos pintores mais ricos à época de sua morte, pois produziu não apenas grandes obras para espaços públicos, mas também obras menores para colecionadores particulares, o que lhe permitiu ter mais liberdade para experimentar coisas novas em seus últimos anos. tornou-se um artista muito livre, um tipo de artista moderno que só apareceu no final do século XVI.

Embora seus trabalhos posteriores possam parecer diferentes dos anteriores, eu diria que foram produzidos principalmente por seu estúdio, estudantes ou colaboradores que tentaram imitar seu estilo. Botticelli tinha tantas encomendas na época que muito trabalho foi atribuído aos seus colaboradores.

Botticelli e Studio, "A Virgem e o Menino com São João Batista", Coleção do Clark Art Institute, EUA

Entendo suas dúvidas, mas na verdade, mesmo em "O Nascimento de Vênus", no final da década de 1480, vi seu desvio das normas estéticas que estabeleceu. Por exemplo, as pernas, o pescoço e o rosto ficam mais longos e os braços ficam mais finos. Na verdade, essas mudanças começaram na década de 1480, o que geralmente é definido como o “período clássico” de Botticelli, mas foi nesse período que todas essas mudanças começaram a aparecer.

Esquerda: Botticelli, "Primavera" (detalhe), cerca de 1482/1483, Coleção Uffizi; Direita: Botticelli, "Madona e os Santos" (Retábulo de São Barnabé, detalhe da parte superior do corpo da Virgem), 1487/1488, Coleção Uffizi

Botticelli, Vênus e Ares, por volta de 1485, Coleção da Galeria Nacional

Como trabalhava para clientes particulares, conseguiu desenvolver um estilo individual, o que fazia com que o seu estilo pessoal pudesse parecer excêntrico, mas na teoria da arte barroca, "excêntrico" era uma conotação muito positiva e era a verdadeira expressão da sua arte pelo artista. A personificação de uma visão, em vez de se conformar ao que os outros veem como norma ou padrão. Portanto, acho que Botticelli foi mais capaz de mostrar seu estilo artístico único em seus últimos anos.

Botticelli, A Misteriosa Natividade, 1500, Galeria Nacional, Reino Unido

The Paper: Como mudou a compreensão de Botticelli pelas gerações posteriores? O que você acha de Botticelli agora?

Dombrowski: Botticelli não foi completamente esquecido, mas sua influência quase desapareceu desde a Alta Renascença até ser redescoberto pelos pré-rafaelitas na segunda metade do século XIX. Primeiro os artistas, e logo depois os historiadores da arte, começaram a notar. No entanto, esses historiadores da arte foram muito influenciados pelos artistas. Naquela época, as pessoas tinham sentimentos românticos por Botticelli, o que era chamado de "Botticelli mania". No final do século XIX, todos estavam obcecados por Botticelli (nota: este parágrafo não é uma pesquisa de Dombrowski, apenas a sua descrição da história da arte).

Botticelli, Retrato de uma Mulher, 1475

Rossetti, "Devaneio", 1880

Mas para eles, Botticelli era uma figura romântica que, como retrata Vasari, já foi aclamada, bem-sucedida e rica, mas mais tarde viveu na pobreza. Embora nada disso seja verdade, as pessoas daquela época não queriam saber a verdade. Eles gostaram da descrição de Botticelli de sua total adaptabilidade à época: ele apoiou totalmente a família Medici durante a vida de Lorenzo e apoiou totalmente Savonarola durante os seis anos do reinado de Savonarola. Esta afirmação se encaixa perfeitamente em Botticelli de uma perspectiva romântica. Assim, todos os primeiros historiadores da arte seguiram esta forma de pensar.

Desde então, outros escritores seguiram o exemplo. Mas não para por aí. O famoso estudioso alemão Warburg (1866-1929) escreveu sua tese de doutorado sobre "Primavera" e "O Nascimento de Vênus", mas não discutiu realmente a arte de Botticelli, apenas discutiu o conteúdo estilizado dessas pinturas. Isto marcou o início de uma abordagem iconográfica rigorosa das pinturas de Botticelli. As pinturas já não são examinadas pelo seu mérito artístico (como cor, composição, linha e desenho), mas são exploradas com base na iconografia. (Nota: O principal método de pesquisa sobre Botticelli no século 20 começou com texto, e não com imagens, e não pode exibir totalmente todas as realizações de Botticelli. Do ponto de vista do artista, a forma como as cores e as linhas são distribuídas em um plano pode criar grandeza. método da arte, seguido do programa).

Botticelli, "Primavera", cerca de 1482/1483, Coleção Uffizi

Embora algumas pessoas tenham feito tentativas diferentes, elas foram basicamente ignoradas até agora (a programação ou a iconografia vêm em primeiro lugar). As obras de Botticelli tornaram-se um campo de batalha para a iconografia. Isso é o que chamo de “incompreendido”. As pessoas estão estudando algo que na verdade não pertence à categoria de arte. Os programas não são artísticos, apenas a forma como os artistas os utilizam e transformam é artística. Embora o programa ou a iconografia sejam realmente muito interessantes, não se trata do processo de criação de arte.

É por isso que penso que Botticelli é mal compreendido ou parcialmente mal compreendido. Acho que devemos realmente prestar atenção à sua arte e aos métodos e processos criativos que ele utilizou como artista. Embora Botticelli quase não tenha deixado registros escritos, ainda acho que ele foi um grande pensador porque sua forma de pensar foi expressa através de pinturas.

Ilustrações de Botticelli para A Divina Comédia

O Artigo: “O Nascimento de Vênus” de Botticelli como esquema foi emprestado e apropriado por artistas contemporâneos. Como você acha que eles deveriam ser interpretados no mundo contemporâneo?

Dombrowski: Sou historiador da arte e não estou muito familiarizado com as reinterpretações de "O Nascimento de Vênus" de Botticelli, feitas por artistas contemporâneos. Porém, vi que a pintura representava algo que transcendia a própria pintura e se tornava um símbolo. Esse fenômeno não cabe no âmbito profissional dos historiadores da arte, pois envolve a comercialização, ato de consumo de Botticelli. Por exemplo, em 2022, quando uma marca de estilista francesa lançou uma série de roupas usando a imagem de “O Nascimento de Vênus” sem “autorização”, desencadeou um longo processo e acabou tendo que abrir uma ação judicial contra o Museu de Arte Fitz. pagou uma compensação substancial.

Andy Warhol, "Detalhe da pintura renascentista", 1984

Este ato de consumismo não significa nada de profundo. Esta é uma forma com a qual pessoalmente não concordo, e não creio que a forma como as pessoas contemporâneas olham para “O Nascimento de Vénus” de Botticelli seja apropriada. Pessoalmente, estou muito enojado com o uso de "O Nascimento de Vênus" de Botticelli na cultura pop moderna. Por exemplo, há cerca de 15 anos, em uma fotografia do fotógrafo americano David LaChapelle, Vênus é retratada como uma mulher agressiva e sexy. Isto é completamente diferente da imagem de Vénus de Botticelli, pois esta pintura não trata de sexo, mas sim da expressão da beleza.

A Vênus de Botticelli é a imagem mais pura que você pode imaginar. É tudo o que posso dizer, não sou crítico de arte e não sou especialista em arte contemporânea.

“Arte Comparada” na Perspectiva da Globalização

O Artigo: Os livros que você editou incluem "Olhos e Olhar: "Visão" da Arte Pictórica Egípcia Antiga à Arte Pictórica Moderna", que explora a expressão e o significado simbólico dos olhos e do olhar na arte, incluindo a China. Desta vez, durante a sua visita à China, você descobriu novas perspectivas em sua pesquisa sobre a história da arte global?

Dombrowski: “Eye and Gaze” foi um projeto realizado com alunos, e o livro foi publicado em 2014. Preste atenção em como a visão é representada em diferentes países e períodos (como a Europa renascentista, a dinastia Tang na China e até mesmo no antigo Egito) e que importância é dada à representação dos olhos? Use isso para aprender e estudar as maneiras pelas quais as culturas se sobrepõem. Embora este seja um projeto de há 10 anos, pode ser um ponto de partida para uma análise comparativa no campo da história da arte global.

Durante as minhas duas semanas na China, fiquei surpreso ao ver que alguns dos padrões das pinturas tradicionais chinesas apareceram no final do período barroco. Embora não explicitamente, chamo a forma de compor uma imagem de método de decoração, e a forma como as pinturas chinesas são compostas tem uma forte ligação com a decoração de estilo rococó. Embora as pinturas chinesas sigam certas leis decorativas, esta decoração em si tem semelhanças morfológicas, como o contorno dos pinheiros nas pinturas chinesas da Dinastia Ming. Refiro-me à semelhança estrutural dos padrões abstratos, não ao tema.

Dong Qichang, "Oito Cenas de Yan e Wu" coletadas pelo Museu de Xangai

Prevejo que meu próximo projeto de pesquisa será “Tiepolo e a Arte Chinesa Antiga” ou “Tiepolo no Oriente”. Veneza era provavelmente a cidade mais cosmopolita do Mediterrâneo na época, e Marco Polo era veneziano. Veneza sempre desejou muito o Oriente (não apenas o Médio Oriente, mas o Extremo Oriente), certamente de uma perspectiva europeia, e muito artesanato da China ou de outras partes da Ásia Oriental foi trazido para Veneza. Acho que a experiência de Tiepolo ao olhar para estas coisas pode ter influenciado a forma como ele criou a sua arte.

Esta foi a minha primeira vez na China e ganhei uma nova compreensão das ricas e diversas formas de arte da China e percebi que o conceito de "Belas Artes" na China era muito diferente daquele europeu com o qual estava familiarizado. Quando vi bronzes, esculturas em jade, cerâmicas e outras formas de arte no Museu de Xangai, senti que o âmbito do que é considerado “arte” na cultura chinesa é muito mais amplo. Na Europa, algumas formas de arte são tradicionalmente classificadas como artes aplicadas (ou artes e ofícios), mas na China gozam de igual respeito. Essa diferença de perspectiva pareceu abrir uma nova compreensão para mim. Queria aprofundar a minha compreensão destes, mas também queria traçar estas semelhanças a um nível morfológico (não iconográfico).

Damian Dombrowski admira pinturas chinesas em Pequim.

Claro, não precisamos enfatizar demais as semelhanças. Porque nessas duas semanas aprendi muitas coisas que antes não sabia muito. Por exemplo, a China e a Europa têm formas muito diferentes de compreender a arte. As tradições culturais europeias não têm o conceito de “poesia, caligrafia e pintura de sinetes”.

No entanto, uma coisa semelhante entre a China e a Europa Ocidental é que ambas têm sistemas artísticos, uma compreensão clara da arte e reflexão sobre a teoria, a academia e o ensino. Portanto, a arte não se trata apenas de criar relíquias culturais, nem de ter fins religiosos ou sacrificiais, mas é uma forma autónoma de expressão, e penso que isto é mais evidente na arte chinesa e da Europa Ocidental. A arte é a expressão do pensamento humano, o que é uma crença muito firme minha.

Claro que é maravilhoso ver arte africana, mas eles não têm esse sistema. A arte serve propósitos diferentes em África e as formas de arte são muito diferentes (por exemplo, dançar é considerada mais arte do que esculpir máscaras). Mas existem algumas semelhanças gerais entre a China e a Europa Ocidental que tornam as duas regiões algo comparáveis, embora nem sempre tenham ocorrido ao mesmo tempo.

The Paper: Na sua investigação, defende a “arte comparada numa perspectiva global”. Que tipo de método de investigação é este? Como vê a cultura de outras regiões numa perspectiva europeia?

Dombrowski: Há cerca de 15 anos, tentei introduzir a arte comparada, mas falhou. Talvez o momento tenha sido errado. Candidatei-me a uma cátedra dedicada a comparar diferentes civilizações artísticas, principalmente entre a China e a Europa Ocidental. Mas a posição não foi aprovada. Quase saí de campo.

Em 2008 publiquei "Compare Now!" no "Süddeutsche Zeitung" (um dos dois jornais mais sérios da Alemanha). ", talvez por não ter sido publicado em revista acadêmica, atraiu mais atenção e me trouxe alguma reputação. Sempre quis me aprofundar nesse campo, mas talvez só comece realmente depois dessa experiência na China.

Em 2008, Dombrowski publicou "Compare Now!" 》

Quando comecei a fazê-lo, descobri que as coisas que defendi há 15 ou 16 anos já tinham sido realizadas no World Art History Institute (WAI). Num seminário na Academia de Arte da China, dois estudantes compararam as diferentes abordagens da arte na China e no Ocidente. Embora eu não estivesse envolvido nisso, foi como se meu sonho se tornasse realidade, e os métodos então mencionados estão agora sendo desenvolvidos, e estou muito feliz, mas eu mesmo não contribuí muito para esta área.

Damian Dombrowski visita o Museu de Arte Dongyi de Xangai.

Sei muito bem que o estudo da arte puramente europeia chegou ao fim. Talvez seja porque estudamos certos períodos, especialmente o Renascimento, tão profundamente que a história da arte como disciplina existe há 150 anos e tem sido focada neste período, por isso não há muito a dizer sobre o Renascimento. Agora, o estudo da história da arte do século XIX atrai o interesse de cada vez mais jovens estudiosos. Penso que pode já não ser suficiente continuar os estudos tradicionais do Renascimento. É claro que o conhecimento sobre o Renascimento precisa de ser transmitido de geração em geração, mas talvez a perspectiva eurocêntrica deva ser quebrada.

Damian Dombrowski visitou "Começando em Xangai - Um Vislumbre de um Século de Pintura a Óleo Chinesa" no Museu de Arte Liu Haisu em Xangai

Portanto, acredito que a “arte comparada” representa uma direção de pesquisa futura. Pode não ser a nossa geração, mas a próxima geração que impulsionará o desenvolvimento deste campo. Estou bastante confiante sobre isso. Espero que a nova geração estude não apenas como críticos (críticos de arte) ou historiadores que só estudam cultura, mas como verdadeiros historiadores de arte, o que é muito importante.

The Paper: Você também é o diretor do Museu Martin von Wagner da Universidade de Würzburg (o museu é dividido em partes antigas e modernas, e Dombrowski é responsável pela parte moderna. As coleções do museu são famosas pelos vasos de cerâmica da Grécia Antiga). , e geralmente acreditamos que a Renascença seguiu a tradição da Grécia antiga, mas será que ela pode ser rastreada até o antigo Egito?

Dombrovski: Na verdade, o Museu Martin von Wagner é famoso não apenas por sua coleção de vasos gregos antigos e artefatos antigos, mas também por sua seção de pintura e sua coleção de gravuras e desenhos. Sou chefe do departamento de pintura, gravura e desenho e não é fácil responder à parte antiga.

O Museu Martin von Wagner, localizado na ala sul do Palácio de Würzburg desde 1963, é um dos maiores museus universitários da Europa.

Mas a pesquisa em museus aborda esses aspectos. A influência do antigo Egito na arte grega é uma questão histórica. Mesmo durante a Renascença, sabia-se que o antigo Egito teve alguma influência na arte grega, mas essa influência foi geralmente reconhecida num contexto mediterrânico. O Antigo Egito era considerado a nação mais antiga, por isso, naquela época, a antiguidade ainda era vista como um valor. A Grécia Antiga era considerada portadora da sabedoria antiga, mas foi somente no século XIX que essa visão começou a ser sistematizada.

Europa montando um touro, ânforas, início do século V aC, coleção do Museu Martin von Wagner

No início do século XIX, as pessoas perceberam pela primeira vez que a arte grega era mais do que apenas arte clássica e, à medida que artefatos recém-descobertos surgiam, as pessoas começaram a ver camadas mais antigas da arte grega que apresentavam semelhanças claras com a arte egípcia antiga. Assim, por volta de 1820 e 1830, as pessoas começaram a pensar na ligação entre a arte grega e a arte egípcia. Antes disso, havia pouca discussão desse tipo. Então essa influência pode ter tido alguma influência no acervo do nosso museu, já que o nosso museu foi fundado em 1832. Na verdade, sempre houve uma forte divisão entre arte moderna e antiga.

O Papel: Como diretor da parte moderna do museu (sala de pintura e departamento de impressão), se uma exposição estiver planejada na China sobre a "época de Giotto a Tiepolo" (ou um certo artista ou uma certa seção desta época) , o que acontecerá na China Sob a premissa de que obras clássicas não podem ser emprestadas, que ângulo você abordará?

Dombrowski: Em primeiro lugar, fico feliz que você tenha usado o termo “de Giotto a Tiepolo”; isso cobre aproximadamente o período que os chineses chamam de “Arte Renascentista”, enquanto Giotto e Tiepolo Polo, esses dois artistas criativos, realmente marcaram. o início e o fim deste período. A maior parte do meu trabalho acadêmico concentra-se nesses quinhentos anos criativos (cerca de 1300 a 1800).

Federico Barocchi, Estudo para o Retrato do Duque Federico Bonaventura, 1602, Museu Martin von Wagner

Se eu tivesse a oportunidade de ser curador de uma exposição na China, a minha escolha seria, sem dúvida, Tiepolo, o artista mais famoso do século XVIII na Europa. Ele tem sido objecto do meu estudo mais intensivo nos últimos dez anos, por isso sei que o seu trabalho resume as tradições da arte europeia do período em questão e que o seu exemplo pode ser usado para ilustrar as leis gerais da arte europeia.

Durante a palestra em Pequim, percebi que o público chinês não está muito familiarizado com o nome "Tiepolo" e espero dar alguma contribuição a este respeito, porque ele ilustrou "Tiepolo" melhor do que muitos outros artistas europeus modernos. de arte significa apenas a própria arte”.

Tiepolo pintou "Alegoria dos Planetas e Continentes" no grande teto do Palácio de Würzburg, que retrata o deus sol Apolo movendo-se no céu, rodeado por quatro direções que simbolizam os quatro continentes da Europa, Ásia, África e Estados Unidos.

Se eu pudesse aprofundar esta ideia, concentrar-me-ia na relação de Tiepolo com o Extremo Oriente, especialmente no que se refere à inspiração da China. Foi durante a minha estada na China que tomei consciência da possível existência desta relação inspiradora. Esta descoberta foi como um choque eléctrico para mim – de repente, descobri formas rococó nos artefactos chineses expostos no museu, que era o estilo decorativo dominante na Europa em meados do século XVIII, desde o bordado em seda até à pintura de paisagem. .

Tiepolo, Os Sátiros (Pan e Sua Família), por volta de 1743-1750, gravura

Espero continuar a explorar esta ligação, uma vez que o meu próximo grande projecto se concentrará na abertura de Tiepolo ao mundo (não europeu). Não esqueçamos: o pintor era originário e viveu a maior parte da sua vida em Veneza, com laços de longa data com a China. Deixar as pinturas e sobretudo os desenhos de Tiepolo dialogarem com as obras de arte chinesas para traçar os ritmos do mundo: este seria o sonho de uma exposição que fosse ao mesmo tempo educativa e poética.

Tiepolo, parte asiática do afresco nas escadas do Palácio de Würzburg, 1752/1753

Nota: Gostaríamos de agradecer a Lu Jia (candidato a doutorado na WAI), Wang Lianming (Professor Associado do Departamento de Chinês e História, Universidade da Cidade de Hong Kong) e ao Instituto de História da Arte Mundial da Universidade de Estudos Internacionais de Xangai (WAI). ) por sua grande ajuda neste artigo. As "Palestras para Acadêmicos de Destaque na História da Arte Mundial" serão lançadas em setembro de 2023. O tema de 2023-2024 é "Arte e Cultura do Renascimento". 12 acadêmicos de primeira classe de seis países serão convidados à China para compartilhar pesquisas. neste campo.