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Un volume de la traduction allemande des Vies des arts de Vasari présente les œuvres de Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli et Alesso Baldovinetti Life, texte traduit par Victoria Lorini, avec des notes sur Botticelli écrites par Dombrowski.

Savonarole était un frère dominicain qui reprit Florence après la mort de Laurent Médicis, décédé en 1492, tandis que Savonarole prenait le pouvoir en 1494 et reconstruisait pratiquement la République. (Remarque : en 1494, le roi de France Charles VIII envahit Florence, la puissante famille Médicis fut renversée et Savonarole devint le nouveau chef spirituel et laïc de Florence. Il commença à promulguer diverses règles et réglementations. Sa réalisation la plus célèbre fut le " "Le feu des vanités" allumé sur la place de l'hôtel de ville de Florence en 1497. Dans ses dernières années, Botticelli se livra aux sermons de Savonarole et jeta personnellement au feu plusieurs de ses dernières œuvres. Mais la dureté de Savonarole plongea Florence, orientée vers les affaires, dans la pauvreté. Le 4 novembre 1497, un groupe de personnes créa des troubles alors que Savonarole prêchait, et cela se transforma bientôt en guerre civile. Le 23 mai 1498, lui et deux autres moines furent brûlés vifs. (la famille revint au pouvoir, renversa la République et se proclama Grand-Duc de Toscane).

Botticelli, Giuliano Médicis, 1478

Mais cela a dû être une période terrible pour Vasari car les Médicis ont perdu le pouvoir, alors il a essayé de refléter à travers Botticelli la période allant de « l'âge glorieux » de Lorenzo à l'âge des ténèbres de Savonarole » jusqu'aux changements qui ont conduit à la réémergence de la famille Médicis. . Cependant, il n'y a pas de distinction claire entre les périodes Médicis et Savonarole dans l'art.

Botticelli, La Libel d'Apelles, vers 1494-1495, Collection des Offices

On pense généralement que Savonarole était un fanatique religieux qui détruisit de nombreuses œuvres d'art parce qu'elles n'étaient pas assez pures ou trop libérales. Cependant, ce n’est pas le cas. Les historiens nous disent maintenant que les soi-disant « feux des vanités » ne concernaient ni des peintures ni des sculptures, et qu'ils visaient principalement des articles ménagers tels que des miroirs et des produits de beauté plutôt que des peintures.

Botticelli, "L'Adoration des Trois Rois", vers 1475, dans la Galerie des Offices, celui de gauche est généralement considéré comme un autoportrait de Botticelli lui-même.

Revenons à la compréhension de Botticelli par Vasari. En fait, Vasari n’a pas été si dur envers Botticelli. Il a même vu des caractéristiques tournées vers l'avenir dans les œuvres de Botticelli, comme le retable "L'Adoration des Trois Rois" exposé à Shanghai. Vasari a donné une description très appropriée et profonde de ce tableau. Il a vu la valeur artistique et les qualités prophétiques de ce tableau. le tableau. C’était une œuvre d’art exceptionnelle, possédant certaines caractéristiques de la Haute Renaissance. Mais en même temps, il ne considérait pas cet artiste comme un pont entre la Première Renaissance et la Haute Renaissance. Je pense, et cela fait partie de mes recherches, que Botticelli a en fait ouvert la voie à la Haute Renaissance. Par exemple, Raphaël présente de nombreuses similitudes avec Botticelli, qui a été complètement négligé par Vasari. Il ne voulait pas voir cela parce qu'il avait besoin que les bonnes œuvres de Botticelli soient écrites avant la « période sombre » de Savonarole, qui en fait n'était pas si sombre, mais pour la famille Médicis, cela a dû être une période terrible pour l'auteur.

Botticelli, Madonna and Saints (Retable de Saint Barnabas), 1487/1488, Collection des Offices

Raphaël, Madone à la Baldaquin, vers 1507/1508, Collection des Offices

Quant à « Botticelli a été partiellement incompris », je crois que Botticelli est un artiste plus connu qu'il n'est compris. Cela se reflète principalement dans ses réalisations en matière de peintures religieuses, et cela n'a pas été pleinement reconnu par les historiens de l'art. . Des milliers de personnes se tiennent chaque jour devant "La Primavera" et "La Naissance de Vénus" dans la Galerie des Offices. Peut-être que certains jetteront un coup d'œil au tableau "Pallas et le Centaure", qui était également exposé à Shanghai. Dans le même temps, presque personne ne prêtait attention à ses retables, mais en réalité il était célèbre pour ses œuvres religieuses. Par exemple, en 1481 Lorenzo Médicis l'envoya à Rome pour rejoindre d'autres peintres florentins dans la décoration des murs de la Chapelle Sixtine.

Botticelli, Pallas et les Centaures, vers 1482/1483, Collection des Offices

La plupart des peintures murales que Botticelli et ses assistants ont peintes pour la Chapelle Sixtine ont été recouvertes par Michel-Ange, seules certaines parties étant visibles, comme "Moïse dans sa jeunesse".

Mais parce que les peintures religieuses n’ont pas l’air si modernes. Il n’y a pas de nudité dans la peinture (les générations ultérieures diraient que plus un artiste peignait de figures nues, plus il était moderne), mais ce n’était pas la façon de penser de la Renaissance. La principale préoccupation de la Haute Renaissance était la composition, centrée sur la façon dont chaque partie d’une œuvre d’art était liée les unes aux autres pour former un tout. Il ne s'agit donc pas de nudité ou de mythologie, mais de composition et de valeur artistique. Je pense donc que les gens devraient prêter davantage attention aux autres œuvres de Botticelli. Il y a une grande salle d'exposition dans la Galerie des Offices présentant environ 17 tableaux de Botticelli, mais les gens n'en regardent que deux. Bien sûr, ces deux-là sont très modernes, mais je pense que ses plus grandes réalisations sont dans ses peintures religieuses, parce que c'est là que l'on peut voir ses progrès, parce que recevoir la commande de créer un retable est la plus haute reconnaissance pour un peintre, donc, L'artiste y mettre tous ses efforts.

Botticelli, Cantate, vers 1485, Collection des Offices

Michel-Ange, "Sainte Famille", vers 1506, Collection des Offices

En fait, les Florentins de cette époque ont appris à comparer le travail de Botticelli avec celui d'autres artistes et ont pu constater à quel point il était moderne. Ainsi, ses peintures religieuses ont construit un pont vers la Haute Renaissance, non seulement cela, mais aussi "La Naissance de Vénus". J'ai aussi l'impression qu'il a été mal compris, et que seul le côté création artistique a été apprécié.

Botticelli, La Naissance de Vénus (détail de l'arbre), vers 1485-1487, Collection des Offices

The Paper : On pense généralement que la pauvreté de Botticelli dans ses dernières années était liée au « feu de la vanité ». Mais c’est aussi après 1492 que Botticelli s’éloigna progressivement de l’accent mis sur la beauté physique et l’exactitude anatomique. Le style déroutant de son travail ultérieur pourrait-il être dû à sa forte dépendance à l'égard du studio et à l'utilisation répétitive de croquis formels, conduisant à un déclin de l'appréciation de son travail ? Selon vous, qu’est-ce qui est le plus responsable du déclin de sa réputation dans la seconde moitié de sa vie ? Pourquoi y a-t-il un si grand écart entre ses dernières œuvres et ses premières œuvres ?

Dombrowski : Je ne pense pas que la réputation de Botticelli ait décliné. En fait, nous savons maintenant que l'atelier de Botticelli fut le seul à être prospère et productif tout au long des années 1490 et jusqu'au début des années 1500. Il a continué à créer des œuvres tout au long de ces années, alors que certains artistes ont dû s'arrêter faute de trouver de mécène, mais pas Botticelli, ce qui est en contradiction avec la description de Vasari.

Botticelli, L'histoire de Lucrèce, vers 1500, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, Massachusetts

La plupart des peintures murales peintes par Botticelli et ses assistants pour la Chapelle Sixtine ont été couvertes par Michel-Ange, et seule une partie d'entre elles est visible. La photo montre l'une des peintures survivantes, "Le Châtiment des Fils de Coré", qui montre l'amour de Botticelli pour musique classique. Reproduction, avec l'Arc de Constantin à Rome au centre du fond. Vers 1500, il peint à nouveau l'Arc de Triomphe dans L'Histoire de Lucrèce.

Nous sommes toujours influencés par Vasari et pensons toujours que Botticelli a arrêté de créer dans ses dernières années et est devenu pauvre, mais ce n'est pas le cas. Botticelli aurait été l'un des peintres les plus riches au moment de sa mort, car il a produit non seulement de grandes œuvres pour les espaces publics mais aussi des œuvres plus petites pour des collectionneurs privés, ce qui lui a permis d'être plus libre d'essayer de nouvelles choses dans ses dernières années. devient un artiste très libre, un type d'artiste moderne qui n'apparaît qu'à la fin du XVIe siècle.

Bien que ses œuvres ultérieures puissent paraître différentes de ses premières, je dirais qu’elles ont été principalement produites par son studio, ses étudiants ou ses collaborateurs qui tentaient d’imiter son style. Botticelli avait tellement de commandes à l'époque qu'une grande partie du travail était confiée à ses collaborateurs.

Botticelli et Studio, "La Vierge et l'Enfant avec Saint Jean-Baptiste", Collection du Clark Art Institute, États-Unis

Je comprends vos doutes, mais en fait, même dans « La Naissance de Vénus » à la fin des années 1480, j'ai vu son écart par rapport aux normes esthétiques qu'il avait établies. Par exemple, les jambes, le cou et le visage deviennent plus longs et les bras plus fins. Ces changements ont en réalité commencé dans les années 1480, ce qui est habituellement défini comme la « période classique » de Botticelli, mais c’est au cours de cette période que tous ces changements ont commencé à apparaître.

Gauche : Botticelli, "Primavera" (détail), vers 1482/1483, Collection des Offices ; Droite : Botticelli, "Madonna and Saints" (Retable de Saint Barnabé, détail du haut du corps de la Vierge), 1487/1488, Collection des Offices

Botticelli, Vénus et Ares, vers 1485, Collection de la National Gallery

Comme il travaillait pour des clients privés, il était capable de développer un style individuel, ce qui signifiait que son style personnel pouvait paraître excentrique, mais dans la théorie de l'art baroque, « excentrique » avait une connotation très positive et était la véritable expression de son art par l'artiste. L’incarnation d’une vision plutôt que de se conformer à ce que les autres considèrent comme la norme ou le standard. Par conséquent, je pense que Botticelli était plus à même de montrer son propre style artistique unique au cours de ses dernières années.

Botticelli, La mystérieuse Nativité, 1500, National Gallery, Royaume-Uni

The Paper : Comment la compréhension de Botticelli par les générations suivantes a-t-elle changé ? Que pensez-vous de Botticelli maintenant ?

Dombrowski : Botticelli n'a pas été complètement oublié, mais son influence a presque disparu de la Haute Renaissance jusqu'à ce qu'il soit redécouvert par les préraphaélites dans la seconde moitié du XIXe siècle. Les premiers artistes, et peu après, les historiens de l’art ont commencé à s’en rendre compte. Cependant, ces historiens de l’art ont été fortement influencés par les artistes. À cette époque, les gens avaient des sentiments amoureux envers Botticelli, que l'on appelait « la manie de Botticelli ». À la fin du XIXe siècle, tout le monde était obsédé par Botticelli (note : ce paragraphe n'est pas la recherche de Dombrowski, juste sa description de l'histoire de l'art).

Botticelli, Portrait de femme, 1475

Rossetti, "Rêve", 1880

Mais pour eux, Botticelli était une figure romantique qui, comme le décrit Vasari, était autrefois acclamée, prospère et riche, mais a ensuite vécu dans la pauvreté. Bien que rien de tout cela ne soit vrai, les gens à cette époque ne voulaient pas connaître la vérité. Ils ont aimé la description de Botticelli de sa totale adaptabilité à son époque : il a pleinement soutenu la famille Médicis du vivant de Lorenzo et a pleinement soutenu Savonarole pendant les six années de son règne. Cette affirmation correspond parfaitement à Botticelli d’un point de vue romantique. Ainsi, tous les premiers historiens de l’art ont suivi cette façon de penser.

Depuis, d’autres écrivains ont emboîté le pas. Mais cela ne s'arrête pas là. Le célèbre érudit allemand Warburg (1866-1929) a rédigé sa thèse de doctorat sur « Primavera » et « La Naissance de Vénus », mais il n'a pas vraiment discuté de l'art de Botticelli, mais a seulement discuté du contenu stylisé de ces peintures. Cela marque le début d'une approche iconographique rigoureuse des peintures de Botticelli. Les peintures ne sont plus examinées pour leur valeur artistique (telle que la couleur, la composition, le trait et le dessin), mais sont plutôt explorées sur la base de l'iconographie. (Remarque : la principale méthode de recherche sur Botticelli au 20e siècle a commencé avec du texte plutôt qu'avec des images, et ne peut pas afficher pleinement toutes les réalisations de Botticelli. Du point de vue de l'artiste, la façon dont les couleurs et les lignes sont réparties sur un plan peut créer de la grandeur. méthode artistique, suivie du programme).

Botticelli, "Primavera", vers 1482/1483, Collection des Offices

Bien que certaines personnes aient fait différentes tentatives, elles ont été pratiquement ignorées jusqu'à présent (la programmation ou l'iconographie passent en premier). Les œuvres de Botticelli sont devenues un champ de bataille pour l'iconographie. C'est ce que j'appelle "l'incompris". Les gens étudient quelque chose qui n'appartient pas à la catégorie de l'art. Les programmes ne sont pas artistiques, seule la manière dont les artistes les utilisent et les transforment est artistique. Même si le programme ou l’iconographie est en effet très intéressant, il ne s’agit pas du processus de création artistique.

C’est pourquoi je pense que Botticelli est incompris ou partiellement incompris. Je pense qu’il faut vraiment prêter attention à son art et aux méthodes et processus créatifs qu’il a utilisés en tant qu’artiste. Même si Botticelli n’a laissé presque aucune trace écrite, je pense toujours qu’il était un grand penseur car sa façon de penser s’exprimait à travers la peinture.

Illustrations de Botticelli pour La Divine Comédie

The Paper : « La Naissance de Vénus » de Botticelli en tant que schéma a été emprunté et approprié par les artistes contemporains. Comment pensez-vous qu'ils devraient être interprétés dans le monde contemporain ?

Dombrowski : Je suis historien de l'art et je ne connais pas très bien les réinterprétations des artistes contemporains de « La Naissance de Vénus » de Botticelli. Cependant, j’ai vu que le tableau représentait quelque chose qui transcendait le tableau lui-même et devenait un symbole. Ce phénomène n’entre pas dans le cadre professionnel des historiens de l’art, car il s’agit d’une commercialisation, d’un acte de consommation de Botticelli. Par exemple, en 2022, lorsqu'une marque de créateurs française a lancé une série de vêtements utilisant l'image de « La Naissance de Vénus » sans « autorisation », elle a déclenché un long procès et a finalement dû intenter une action en justice contre l'Ukraine. versé une indemnité substantielle.

Andy Warhol, "Détail de la peinture de la Renaissance", 1984

Cet acte de consommation ne veut rien dire de profond. C’est une manière avec laquelle je ne suis personnellement pas d’accord, et je ne pense pas que la façon dont les gens contemporains regardent « La Naissance de Vénus » de Botticelli soit appropriée. Personnellement, je suis très dégoûté par l'utilisation de "La Naissance de Vénus" de Botticelli dans la culture pop moderne. Par exemple, il y a environ 15 ans, dans une photographie du photographe américain David LaChapelle, Vénus est représentée comme une femme agressive et sexy. C'est complètement différent de l'image de Vénus de Botticelli, car ce tableau ne parle pas de sexe, mais de l'expression de la beauté.

La Vénus de Botticelli est l’image la plus pure que vous puissiez imaginer. C’est tout ce que je peux dire, je ne suis pas critique d’art et je ne me spécialise pas dans l’art contemporain.

"L'art comparé" du point de vue de la mondialisation

The Paper : Les livres que vous avez édités incluent "Eyes and Gaze: "View" from Ancient Egypt Pictorial Art to Modern Pictorial Art", qui explore l'expression et la signification symbolique des yeux et du regard dans l'art, y compris en Chine. Lors de votre visite en Chine cette fois-ci, avez-vous découvert de nouvelles perspectives dans vos recherches sur l’histoire de l’art mondiale ?

Dombrowski : « Eye and Gaze » est un projet réalisé avec des étudiants et le livre a été publié en 2014. Faites attention à la manière dont la vision est représentée dans différents pays et périodes (comme la Renaissance européenne, la Chine de la dynastie Tang et même l'Égypte ancienne), et quelle importance est accordée à la représentation des yeux ? Utilisez-le pour apprendre et étudier les façons dont les cultures se chevauchent. Bien qu’il s’agisse d’un projet datant d’il y a 10 ans, il peut constituer un point de départ pour une analyse comparative dans le domaine de l’histoire de l’art mondiale.

Au cours de mes deux semaines en Chine, j’ai été surpris de constater que certains motifs des peintures traditionnelles chinoises apparaissaient à la fin de la période baroque. Bien que cela ne soit pas explicite, j'appelle la manière de composer une image la méthode de décoration, et la manière dont les peintures chinoises sont composées a un lien étroit avec la décoration de style rococo. Bien que les peintures chinoises suivent certaines lois décoratives, cette décoration elle-même présente des similitudes morphologiques, comme le contour des pins dans les peintures chinoises de la dynastie Ming. Je fais référence à la similitude structurelle des motifs abstraits, et non au sujet.

Dong Qichang, « Huit scènes de Yan et Wu » collectionnées par le Musée de Shanghai

Je prévois que mon prochain projet de recherche sera « Tiepolo et l'art chinois ancien » ou « Tiepolo en Orient ». Venise était probablement la ville la plus cosmopolite de la Méditerranée à cette époque et Marco Polo était vénitien. Venise a toujours eu un grand désir d'Orient (pas seulement du Moyen-Orient, mais aussi d'Extrême-Orient), certainement d'un point de vue européen, et de nombreux objets artisanaux de Chine ou d'autres régions d'Asie de l'Est ont été amenés à Venise. Je pense que l'expérience de Tiepolo en regardant ces choses a peut-être influencé la façon dont il a créé son art.

C'était ma première fois en Chine, et j'ai acquis une nouvelle compréhension des formes d'art riches et diverses de la Chine, et j'ai réalisé que le concept des « Beaux-Arts » en Chine était très différent de celui européen que je connaissais. Lorsque j'ai vu des bronzes, des sculptures sur jade, des céramiques et d'autres formes d'art au Musée de Shanghai, j'ai senti que la portée de ce qui est considéré comme « l'art » dans la culture chinoise était beaucoup plus large. En Europe, certaines formes d’art sont traditionnellement classées comme arts appliqués (ou arts et métiers), mais en Chine, elles jouissent du même respect. Cette différence de perspective m’a semblé ouvrir une nouvelle compréhension. Je voulais approfondir ma compréhension de ceux-ci, mais je voulais aussi retracer ces similitudes sur un plan morphologique (et non iconographique).

Damian Dombrowski admire les peintures chinoises à Pékin.

Bien entendu, il ne faut pas exagérer les similitudes. Parce que pendant ces deux semaines, j’ai appris beaucoup de choses que je ne connaissais pas beaucoup auparavant. Par exemple, la Chine et l'Europe ont des manières très différentes de comprendre l'art. Les traditions culturelles européennes n'ont pas le concept de « sceaux de poésie, de calligraphie et de peinture ».

Cependant, une chose qui est similaire entre la Chine et l’Europe occidentale est qu’ils ont tous deux des systèmes artistiques, une compréhension claire de l’art et une réflexion sur la théorie, le monde universitaire et l’enseignement. L’art ne consiste donc pas seulement à créer des reliques culturelles, ni à poursuivre des objectifs religieux ou sacrificiels, mais c’est une forme d’expression autonome, et je pense que cela est particulièrement évident dans l’art chinois et d’Europe occidentale. L’art est l’expression de la pensée humaine, ce qui est pour moi une conviction très ferme.

Bien sûr, c'est merveilleux de voir de l'art africain, mais ils n'ont pas ce système. L’art répond à des objectifs différents en Afrique, et les formes d’art sont très différentes (par exemple, la danse est considérée comme plus un art que la sculpture de masques). Il existe cependant certaines similitudes générales entre la Chine et l’Europe occidentale qui rendent les deux régions quelque peu comparables, même si elles ne se sont pas toujours produites au même moment.

The Paper : Dans vos recherches, vous prônez « l’art comparé dans une perspective mondiale ». De quel type de méthode de recherche s’agit-il ? Comment voyez-vous la culture d’autres régions d’un point de vue européen ?

Dombrowski : Il y a environ 15 ans, j'ai essayé d'introduire l'art comparé, mais j'ai échoué. Peut-être que le moment était mal choisi. J'ai postulé pour une chaire dédiée à la comparaison de différentes civilisations artistiques, principalement entre la Chine et l'Europe occidentale. Mais le poste n'a pas été approuvé. J'ai failli quitter le terrain.

En 2008, j'ai publié "Comparez maintenant!" dans "Süddeutsche Zeitung" (l'un des deux journaux allemands les plus sérieux). ", peut-être parce qu'il n'a pas été publié dans une revue académique, il a attiré davantage d'attention et m'a valu une certaine réputation. J’ai toujours voulu approfondir ce domaine, mais peut-être que cela ne commencera vraiment qu’après cette expérience en Chine.

En 2008, Dombrowski a publié "Comparez maintenant!" dans "Süddeutsche Zeitung". 》

Quand j’ai commencé à le faire, j’ai découvert que les choses que je préconisais il y a 15 ou 16 ans avaient déjà été réalisées à l’Institut mondial d’histoire de l’art (WAI). Lors d'un séminaire à l'Académie chinoise des arts, deux étudiants ont comparé les différentes approches de l'art en Chine et en Occident. Même si je n'y étais pas impliqué, c'était comme si mon rêve était devenu réalité, et les méthodes mentionnées à l'époque sont maintenant en cours de développement, et j'en suis très heureux, mais je n'ai pas moi-même beaucoup contribué à ce domaine.

Damian Dombrowski visite le musée d'art Dongyi de Shanghai.

Je sais bien que l'étude de l'art purement européen est terminée. C’est peut-être parce que nous avons étudié si profondément certaines périodes, en particulier la Renaissance. L’histoire de l’art en tant que discipline existe depuis 150 ans et s’est concentrée sur cette période, il n’y a donc pas grand-chose de nouveau à dire sur la Renaissance. Aujourd’hui, l’étude de l’histoire de l’art du XIXe siècle suscite l’intérêt de plus en plus de jeunes chercheurs. Je pense qu'il ne suffit peut-être plus de poursuivre les études traditionnelles de la Renaissance. Bien sûr, les connaissances sur la Renaissance doivent être transmises de génération en génération, mais peut-être faudrait-il briser la perspective eurocentrique.

Damian Dombrowski a visité « À partir de Shanghai – Un aperçu d'un siècle de peinture à l'huile chinoise » au Musée d'art Liu Haisu à Shanghai

Je crois donc que « l’art comparé » représente une direction de recherche future. Ce n’est peut-être pas notre génération mais la prochaine génération qui pilotera le développement de ce domaine. Je suis assez confiant à ce sujet. J'espère que la nouvelle génération étudiera non seulement comme des critiques (critiques d'art) ou des historiens qui étudient uniquement la culture, mais comme de véritables historiens de l'art, ce qui est très important.

The Paper : Vous êtes également directeur du musée Martin von Wagner à l'Université de Würzburg (le musée est divisé en parties anciennes et modernes, et Dombrowski est responsable de la partie moderne. Les collections du musée sont des vases en poterie grecque antique sont célèbres). , et nous pensons généralement que la Renaissance a suivi la tradition de la Grèce antique, mais peut-elle remonter à l’Égypte ancienne ?

Dombrovski : En fait, le musée Martin von Wagner est célèbre non seulement pour sa collection de vases grecs anciens et d'objets anciens, mais aussi pour sa section de peinture et sa collection de gravures et de dessins. Je suis responsable du département peinture, gravure et dessin, et il n'est pas facile de répondre à la partie ancienne.

Le musée Martin von Wagner, situé depuis 1963 dans l'aile sud du château de Würzburg, est l'un des plus grands musées universitaires d'Europe.

Mais la recherche muséale touche à ces aspects. L’influence de l’Égypte ancienne sur l’art grec est une question historique. Même à la Renaissance, l’Égypte ancienne était connue pour avoir eu une certaine influence sur l’art grec, mais cette influence était généralement reconnue dans un contexte méditerranéen. L’Égypte ancienne était considérée comme la nation la plus ancienne, c’est pourquoi à cette époque, l’antiquité était encore considérée comme une valeur. La Grèce antique était considérée comme détentrice de la sagesse antique, mais ce n’est qu’au XIXe siècle que cette vision a commencé à se systématiser.

Europe chevauchant un taureau, amphores, début du Ve siècle avant JC, collection du musée Martin von Wagner

Au début du XIXe siècle, les gens ont réalisé pour la première fois que l’art grec était plus que de l’art classique, et à mesure que de nouveaux artefacts découverts sont apparus, les gens ont commencé à voir des couches plus anciennes de l’art grec qui présentaient de nettes similitudes avec l’art égyptien ancien. Ainsi, vers 1820 et 1830, on commença à réfléchir au lien entre l’art grec et l’art égyptien. Avant cela, il y avait peu de discussions de ce genre. Cette influence a donc peut-être eu une certaine influence sur la collection de notre musée, puisque notre musée a été fondé en 1832. En fait, il y a toujours eu une forte division entre l’art moderne et l’art ancien.

The Paper : En tant que directeur de la partie moderne du musée (salle de peinture et département d'impression), si une exposition est prévue en Chine sur « l'époque de Giotto à Tiepolo » (ou sur un certain artiste ou une certaine partie de cette époque) , que se passera-t-il en Chine ? Partant du principe que les œuvres classiques ne peuvent pas être prêtées, quel angle allez-vous aborder ?

Dombrowski : Tout d'abord, je suis heureux que vous ayez utilisé le terme « de Giotto à Tiepolo » ; cela couvre à peu près la période de ce que les Chinois appellent « l'art de la Renaissance », alors que Giotto et Tiepolo Polo, ces deux créateurs, ont vraiment marqué le début et la fin de cette période. La plupart de mes travaux scientifiques se concentrent sur ces cinq cents années de création (environ 1300 à 1800).

Federico Barocchi, Étude pour le portrait du duc Federico Bonaventura, 1602, Musée Martin von Wagner

Si j’avais l’opportunité de réaliser une exposition en Chine, mon choix se porterait sans aucun doute sur Tiepolo, l’artiste le plus célèbre du XVIIIe siècle en Europe. Il fait l'objet de mon étude la plus intensive depuis dix ans, je sais donc que son œuvre résume les traditions de l'art européen de la période en question, et que son exemple peut être utilisé pour illustrer les lois générales de l'art européen.

Lors de la conférence à Pékin, j'ai réalisé que le public chinois n'est pas très familier avec le nom « Tiepolo » ; j'espère apporter ma contribution à cet égard, car il illustre mieux « Tiepolo » que beaucoup d'autres artistes européens modernes. de l'art ne signifie que l'art lui-même".

Tiepolo a peint "Allégorie des planètes et des continents" sur le grand plafond du palais de Würzburg, qui représente le dieu solaire Apollon se déplaçant dans le ciel, entouré de quatre directions symbolisant les quatre continents d'Europe, d'Asie, d'Afrique et des États-Unis.

Si je pouvais approfondir cette idée, je me concentrerais sur la relation de Tiepolo avec l'Extrême-Orient, notamment en ce qui concerne l'inspiration chinoise. C’est lors de mon séjour en Chine que j’ai pris conscience de l’existence possible de cette relation inspirante. Cette découverte a été comme un choc électrique pour moi : tout à coup, j'ai découvert des formes rococo sur les objets chinois exposés dans le musée, qui était le style décoratif dominant en Europe au milieu du XVIIIe siècle, de la broderie sur soie à la peinture de paysage, rien de moins. .

Tiepolo, Les Satyres (Pan et sa famille), vers 1743-1750, eau-forte

J'espère continuer à explorer cette connexion, car mon prochain grand projet se concentrera sur l'ouverture de Tiepolo au monde (non européen). N'oublions pas que le peintre est originaire et a vécu la majeure partie de sa vie à Venise, avec des liens anciens avec la Chine. Laisser les peintures et surtout les dessins de Tiepolo entrer en dialogue avec les œuvres d'art chinoises afin de tracer les rythmes du monde : tel serait le rêve d'une exposition à la fois pédagogique et poétique.

Tiepolo, partie asiatique de la fresque de l'escalier du château de Würzburg, 1752/1753

Remarque : Nous tenons à remercier Lu Jia (candidat au doctorat à WAI), Wang Lianming (professeur agrégé au département de chinois et d'histoire, City University of Hong Kong) et l'Institut d'histoire de l'art mondial de l'Université des études internationales de Shanghai (WAI). ) pour leur grande aide dans cet article. Les « Conférences pour les chercheurs exceptionnels en histoire mondiale de l'art » seront lancées en septembre 2023. Le thème de l'année 2023-2024 est « Art et culture de la Renaissance ». 12 chercheurs de premier ordre de six pays seront invités en Chine pour partager leurs recherches. dans ce domaine.