소식

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Vasari의 Lives of the Arts 독일어 번역본 중 한 권은 Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli 및 Alesso Baldovinetti Life의 작품을 소개하고 있으며 텍스트는 Victoria Lorini가 번역했으며 Dombrowski가 작성한 Botticelli에 대한 메모도 포함되어 있습니다.

사보나롤라는 1492년 사망한 로렌초 메디치의 죽음 이후 피렌체를 점령한 도미니크회 수도사였고, 사보나롤라는 1494년 권력을 장악해 사실상 공화국을 재건했다. (참고: 1494년 프랑스 국왕 샤를 8세가 피렌체를 침공하여 강력한 메디치 가문이 몰락하고 사보나롤라는 피렌체의 새로운 정신적, 세속적 지도자가 되었습니다. 그는 다양한 규칙과 규정을 법으로 제정하기 시작했습니다. 그의 가장 유명한 업적은 " 1497년 피렌체 시청 광장에 '허영의 불'이 켜졌다. 보티첼리는 말년에 사보나롤라의 설교에 빠져 그의 후기 작품 다수를 직접 불 속에 던졌다. 그러나 사보나롤라의 가혹함은 사업 중심의 피렌체를 빈곤에 빠뜨렸다. 1497년 5월 4일, 사보나롤라가 설교할 때 한 무리의 사람들이 문제를 일으켰고 그것은 곧 내전으로 바뀌었습니다. 1498년 5월 23일, 그와 다른 두 수도사가 화형에 처해졌습니다. 가문이 다시 권력을 잡았고 공화국을 전복시켰으며 스스로를 토스카나 대공으로 선포했습니다.

보티첼리, 줄리아노 메디치, 1478

그러나 이는 메디치 가문이 권력을 잃은 바사리에게는 끔찍한 시기였을 것이므로 그는 보티첼리를 통해 로렌초의 '영광의 시대'부터 사보나롤라의 암흑기'까지의 시기와 메디치 가문의 재출현으로 이어진 변화를 반추하고자 했다. . 그러나 예술에서는 메디치 시대와 사보나롤라 시대 사이에 명확한 구분이 없습니다.

보티첼리, 아펠레스의 명예훼손, 1494~95년경, 우피치 컬렉션

사보나롤라는 일반적으로 순수하지 않거나 너무 진보적이지 않다는 이유로 많은 예술 작품을 파괴한 종교적 광신자로 여겨집니다. 그러나 이는 사실이 아니다. 역사가들은 이제 소위 "허영의 불"이 그림이나 조각품과 관련이 없으며 그림보다는 주로 거울, ​​화장품과 같은 가정 용품을 대상으로 했다고 말합니다.

보티첼리의 "세 왕의 숭배"(1475년경) 우피치 미술관에 전시된 왼쪽 그림은 일반적으로 보티첼리 자신의 자화상으로 간주됩니다.

보티첼리에 대한 바사리의 이해로 돌아가 보겠습니다. 사실, 바사리는 보티첼리에게 그다지 가혹하지 않았습니다. 그는 심지어 상하이에 전시된 제단화 "세 왕의 숭배"와 같은 보티첼리의 작품에서 미래지향적인 특징을 보았고, 바사리는 이 그림에 대해 매우 적절하고 심오한 묘사를 했습니다. 그는 보티첼리의 예술적 가치와 예언적 특성을 보았습니다. 이 그림은 전성기 르네상스의 특징을 지닌 뛰어난 예술 작품이었습니다. 그러나 동시에 그는 이 예술가를 초기 르네상스와 전성기 르네상스 사이의 가교로 보지 않았습니다. 내 생각에 이것은 내 연구의 일부입니다. Botticelli는 실제로 전성기 르네상스의 길을 닦았습니다. 예를 들어 Raphael은 Botticelli와 많은 유사점을 가지고 있는데 Vasari는 이를 완전히 간과했습니다. 그는 사보나롤라의 "암흑기" 이전에 쓰여진 보티첼리의 좋은 작품이 필요했기 때문에 이것을 보고 싶어하지 않았습니다. 실제로는 그다지 암울하지 않았지만 메디치 가문에게는 그것은 작가에게 끔찍한 시간이었을 것입니다.

보티첼리, 마돈나와 성인(성 바나바 제단화), 1487/1488, 우피치 컬렉션

라파엘로, 발다키나의 마돈나, 1507/1508년경, 우피치 컬렉션

"보티첼리는 부분적으로 오해를 받았습니다"에 관해서는 보티첼리는 자신이 이해하는 것보다 더 많이 알려진 예술가라고 믿습니다. 이는 주로 종교화에서의 업적에 반영되어 있으며 미술사학자들은 이를 완전히 인식하지 못하고 있습니다. . 매일 수천 명의 사람들이 우피치 미술관의 '프리마베라'와 '비너스의 탄생' 앞에 서 있고, 어쩌면 상하이에도 전시된 '팔라스와 켄타우로스' 그림을 구경하는 사람도 있을 것이다. 동시에 그의 제단화에 관심을 기울이는 사람은 거의 없었지만 실제로 그는 종교적인 작품으로 유명했습니다. 예를 들어, 1481년에 로렌초 메디치(Lorenzo Medici)는 그를 로마로 보내 다른 피렌체 화가들과 함께 시스티나 성당의 벽을 장식하게 했습니다.

보티첼리, 팔라스와 켄타우로스, 1482/1483년경, 우피치 컬렉션

시스티나 성당을 위해 보티첼리와 그의 조수들이 그린 대부분의 벽화는 미켈란젤로의 작품으로, "젊은 시절의 모세"와 같은 부분만 보입니다.

하지만 종교 그림은 그다지 현대적으로 보이지 않기 때문이죠. 그림에는 누드가 없습니다(나중에 세대에서는 예술가가 누드 인물을 많이 그릴수록 그가 더 현대적이라고 주장합니다). 그러나 이것은 르네상스 사고 방식이 아니었습니다. 전성기 르네상스의 주요 관심사는 구성으로, 예술 작품의 각 부분이 어떻게 서로 연관되어 전체를 형성하는지에 초점을 맞췄습니다. 그래서 그것은 과도한 노출이나 신화의 문제가 아니라 구성과 예술적 가치의 문제입니다. 그래서 사람들은 보티첼리의 다른 작품들에 좀 더 관심을 기울여야 한다고 생각합니다. 우피치 미술관에는 보티첼리의 그림 17점 정도가 전시된 대형 전시장이 있지만 사람들은 그 중 두 점만 본다. 물론 이 두 가지는 매우 현대적이지만 그의 더 큰 업적은 그의 종교화에 있다고 생각합니다. 왜냐하면 그곳에서 그의 발전을 볼 수 있기 때문입니다. 왜냐하면 제단화 제작을 의뢰받는 것은 화가로서 최고의 인정을 받기 때문입니다. 그것에 최선의 노력을 기울이십시오.

보티첼리, 칸타타, 1485년경, 우피치 컬렉션

미켈란젤로, "성가족", 1506년경, 우피치 컬렉션

실제로 그 시대의 피렌체 사람들은 보티첼리의 작품을 다른 예술가들과 비교하는 법을 배웠고, 그가 얼마나 현대적인지 볼 수 있었습니다. 그래서 그의 종교화는 전성기 르네상스로 가는 다리를 놓았고, 그뿐만 아니라 『비너스의 탄생』도 오해를 받아 예술적 창작 측면만 높이 평가됐다고 느낀다.

보티첼리, 비너스의 탄생(나무 세부 묘사), 1485-1487년경, 우피치 컬렉션

The Paper: 일반적으로 보티첼리의 말년 빈곤은 "허영의 불"과 관련이 있다고 믿어집니다. 그러나 보티첼리가 육체적 아름다움과 해부학적 정확성에 대한 강조에서 점차 멀어진 것도 1492년 이후였습니다. 그의 후기 작품의 혼란스러운 스타일은 스튜디오에 대한 과도한 의존과 정형화된 스케치의 반복적인 사용으로 인해 그의 작품에 대한 감상이 하락한 것이 아닐까? 그의 인생 후반기에 그의 명성이 하락한 데에는 무엇이 더 책임이 있다고 생각합니까? 그의 후기 작품과 초기 작품 사이에 왜 그렇게 큰 간격이 있는 걸까요?

Dombrowski: 보티첼리의 명성이 하락했다고는 생각하지 않습니다. 사실, 이제 우리는 보티첼리의 작업실이 1490년대부터 1500년대 초반까지 번영하고 생산적이었던 유일한 작업실이었다는 것을 알고 있습니다. 그는 수년 동안 계속해서 작품을 창작했지만 일부 예술가는 후원자를 찾을 수 없어 중단해야 했지만 보티첼리는 그렇지 않았으며 이는 Vasari의 설명과 모순됩니다.

보티첼리, 루크레티아 이야기, 1500년경, 이사벨라 스튜어트 가드너 박물관, 매사추세츠 주 보스턴

시스티나 성당을 위해 보티첼리와 그의 조수들이 그린 대부분의 벽화는 미켈란젤로가 그린 것 중 일부만 볼 수 있습니다. 이 그림은 보티첼리의 사랑을 보여주는 현존하는 그림 중 하나인 "고라의 아들들의 형벌"을 보여줍니다. 클래식 음악. 배경 중앙에 로마의 콘스탄티누스 개선문이 있는 재현. 1500년경 그는 『루크레티아 이야기』에서 개선문을 다시 그렸습니다.

우리는 여전히 바사리(Vasari)의 영향을 받고 있으며 보티첼리는 말년에 창작을 중단하고 가난해졌다고 믿고 있지만 사실은 그렇지 않습니다. 보티첼리는 공공 장소를 위한 거대한 작품뿐만 아니라 개인 수집가를 위한 작은 작품도 제작하여 말년에 더 자유롭게 새로운 것을 시도할 수 있었으므로 사망 당시 가장 부유한 화가 중 한 명이었을 것입니다. 매우 자유로운 예술가, 즉 16세기 후반까지 나타나지 않았던 현대 예술가의 한 유형이 되었습니다.

그의 후기 작품은 이전 작품과 다르게 보일 수 있지만, 주로 그의 스타일을 모방하려는 그의 작업실, 학생 또는 협력자에 의해 제작되었다고 주장하고 싶습니다. 당시 보티첼리는 의뢰를 너무 많이 받았기 때문에 협력자들에게 많은 작업이 할당되었습니다.

보티첼리와 스튜디오, "세례자 성 요한과 함께 있는 성모와 아기", 미국 클라크 미술관 소장

나는 당신의 의심을 이해하지만, 사실 1480년대 후반의 "비너스의 탄생"에서도 그가 확립한 미적 규범에서 벗어나는 것을 보았습니다. 예를 들어 다리, 목, 얼굴은 길어지고 팔은 가늘어집니다. 이러한 변화는 실제로 일반적으로 보티첼리의 "고전 시대"로 정의되는 1480년대에 시작되었지만 모든 변화가 나타나기 시작한 것은 바로 이 기간이었습니다.

왼쪽: 보티첼리, "프리마베라"(세부 사항), 1482/1483년경, 우피치 컬렉션 오른쪽: 보티첼리, "마돈나와 성인들"(성 바나바 제단화, 성모상 상체 세부 사항), 1487/1488, 우피치 컬렉션

보티첼리, 비너스와 아레스, 1485년경, 내셔널 갤러리 컬렉션

그는 개인 고객을 위해 일했기 때문에 개인적인 스타일을 개발할 수 있었고 이는 그의 개인적인 스타일이 기이해 보일 수 있음을 의미했지만 바로크 미술 이론에서 "기이함"은 매우 긍정적인 의미였으며 예술가의 진정한 예술 표현이었습니다. 다른 사람들이 표준이나 표준으로 보는 것을 따르기보다는 비전을 구현하는 것입니다. 그래서 보티첼리는 말년에 자신만의 독특한 예술적 스타일을 더욱 보여줄 수 있었던 것 같습니다.

보티첼리, 신비한 탄생, 1500, 내셔널 갤러리, 영국

The Paper: 보티첼리에 대한 후대의 이해는 어떻게 바뀌었나요? 지금 보티첼리에 대해 어떻게 생각하시나요?

돔브로스키: 보티첼리는 완전히 잊힌 것은 아니지만, 19세기 후반 라파엘 전파에 의해 재발견될 때까지 전성기 르네상스 시대부터 그의 영향력은 거의 사라졌습니다. 최초의 예술가들과 얼마 지나지 않아 미술사가들이 주목하기 시작했습니다. 그러나 이들 미술사학자들은 예술가들로부터 큰 영향을 받았다. 당시 사람들은 보티첼리를 향한 낭만적인 감정을 갖고 있었는데 이를 '보티첼리 마니아'라고 불렀다. 19세기 말에는 모든 사람이 보티첼리(Botticelli)에 집착했습니다(참고: 이 단락은 Dombrowski의 연구가 아니라 단지 그의 미술사에 대한 설명입니다).

보티첼리, 여인의 초상, 1475

로제티, "백일몽", 1880

그러나 그들에게 보티첼리는 바사리(Vasari)가 묘사한 것처럼 한때 호평을 받고 성공했으며 부유했지만 나중에는 가난하게 살았던 낭만주의 인물이었습니다. 이 중 어느 것도 사실이 아니지만 당시 사람들은 진실을 알고 싶어하지 않았습니다. 그들은 시대에 대한 완전한 적응력에 대한 Botticelli의 설명을 좋아했습니다. 그는 Lorenzo의 생애 동안 Medici 가족을 전적으로 지원했으며 Savonarola의 통치 6년 동안 Savonarola를 전적으로 지원했습니다. 이 진술은 낭만적인 관점에서 보티첼리에 완벽하게 들어맞습니다. 따라서 모든 초기 미술사가들은 이러한 사고방식을 따랐습니다.

이후 다른 작가들도 그 뒤를 따랐습니다. 하지만 거기서 끝나지 않습니다. 유명한 독일 학자 ​​Warburg(1866-1929)는 "Primavera"와 "The Birth of Venus"에 대한 박사 학위 논문을 썼지만 실제로는 보티첼리의 예술에 대해 논의하지 않고 이 그림의 양식화된 내용만 논의했습니다. 이는 보티첼리의 그림에 대한 엄격한 도상학적인 접근 방식의 시작을 의미했습니다. 그림은 더 이상 예술적 장점(예: 색상, 구성, 선 및 그림)을 조사하지 않고 대신 도상학을 기반으로 탐구합니다. (참고: 20세기 보티첼리에 대한 주요 연구 방식은 이미지가 아닌 텍스트로 시작되어 보티첼리의 업적을 모두 다 드러낼 수는 없다. 작가의 입장에서는 색과 선이 평면에 어떻게 배분되는지가 위대함을 만들어낼 수 있다. 예술의 방법, 그 다음에는 프로그램).

보티첼리, "프리마베라", 1482/1483년경, 우피치 컬렉션

어떤 사람들은 다른 시도를 했지만, 지금까지 기본적으로 무시되었습니다(프로그래밍이나 도상학이 먼저임). 보티첼리의 작품은 도상학의 전쟁터가 되었습니다. 이것이 바로 제가 '오해'라고 부르는 것입니다. 사람들은 실제로 예술의 범주에 속하지 않는 것을 연구하고 있습니다. 프로그램은 예술적이지 않습니다. 단지 예술가가 프로그램을 사용하고 변형하는 방식만이 예술적입니다. 프로그램이나 도상학은 실제로 매우 흥미롭지만 예술을 창조하는 과정은 아닙니다.

이것이 바로 보티첼리가 오해를 받거나 부분적으로 오해를 받고 있다고 생각하는 이유이다. 나는 그의 예술과 그가 예술가로서 사용한 창의적인 방법과 과정에 정말로 주목해야 한다고 생각합니다. 보티첼리는 글로 남긴 기록이 거의 없지만, 그의 사고방식이 그림을 통해 표현되었기 때문에 여전히 그가 위대한 사상가라고 생각합니다.

신곡(The Divine Comedy)에 대한 보티첼리의 삽화

The Paper: 보티첼리의 "비너스의 탄생"이 도식으로 현대 예술가들에 의해 차용되고 활용되고 있다고 생각하시나요?

Dombrowski: 저는 미술사가이고 현대 예술가들이 보티첼리의 "비너스의 탄생"을 재해석한 것에 대해 별로 익숙하지 않습니다. 그러나 나는 그림이 그림 그 자체를 넘어 상징이 되는 무엇인가를 표상하고 있음을 보았다. 이 현상은 보티첼리의 소비 행위인 상업화를 포함하기 때문에 미술사가의 전문적인 범위에 속하지 않습니다. 예를 들어, 2022년 프랑스 디자이너 브랜드가 '비너스의 탄생' 이미지를 사용한 의류 시리즈를 '승인' 없이 출시하자 장기간의 소송이 촉발됐고 결국 우크라이나 피츠미술관을 상대로 소송을 제기해야 했다. 상당한 보상금을 지급했습니다.

앤디 워홀, "르네상스 회화의 세부 묘사", 1984

이러한 소비주의 행위는 심오한 것을 의미하지 않습니다. 이는 개인적으로 동의하지 않는 방식이고, 보티첼리의 『비너스의 탄생』을 현대인들이 보는 방식도 적절하지 않다고 생각한다. 나는 개인적으로 현대 대중 문화에서 보티첼리의 "비너스의 탄생"을 사용하는 것에 매우 혐오감을 느낍니다. 예를 들어 약 15년 ​​전 미국 사진 작가 David LaChapelle의 사진에서 비너스는 ​​공격적이고 섹시한 여성으로 묘사됩니다. 이 그림은 섹스에 관한 것이 아니라 아름다움의 표현에 관한 것이기 때문에 보티첼리의 비너스 이미지와는 완전히 다릅니다.

보티첼리의 비너스는 ​​당신이 상상할 수 있는 가장 순수한 이미지입니다. 그게 제가 말할 수 있는 전부입니다. 저는 미술 평론가도 아니고 현대 미술을 전문으로 하지도 않습니다.

세계화의 관점에서 본 '비교예술'

더 페이퍼: 당신이 편집한 책으로는 중국을 비롯한 미술계에서 눈과 시선의 표현과 상징적 의미를 탐구한 『눈과 응시: 고대 이집트 회화에서 현대 회화까지의 “보기”』가 있습니다. 이번 중국 방문을 통해 세계 미술사 연구에서 새로운 관점을 발견하셨나요?

Dombrowski: "Eye and Gaze"는 학생들과 함께 완성한 프로젝트였으며 책은 2014년에 출판되었습니다. 다양한 국가와 시대(유럽 르네상스, 중국 당나라, 고대 이집트 등)에서 시각이 어떻게 표현되는지 주목하고, 눈 묘사에 어떤 중요성이 부여됩니까? 이를 활용하여 문화가 겹치는 방식을 배우고 연구하세요. 10년 전의 프로젝트임에도 불구하고 글로벌 미술사 분야의 비교분석을 위한 출발점이 될 수 있을 것이다.

중국에 있는 2주 동안 나는 중국 전통 회화의 일부 패턴이 후기 바로크 시대에 나타난다는 사실에 놀랐습니다. 명시적으로는 아니지만 이미지를 구성하는 방식을 장식 방식이라고 부르는데, 중국화의 구성 방식은 로코코 양식의 장식과 밀접한 관련이 있다. 중국화는 일정한 장식 법칙을 따르지만, 이 장식 자체는 명나라 중국화의 소나무 윤곽과 같은 형태학적 유사성을 갖고 있는 것이지, 주제가 아니라 추상적인 문양의 구조적 유사성을 가리킨다.

Dong Qichang, 상하이 박물관 소장 "연과 오의 팔경"

다음 연구 프로젝트는 "티에폴로와 고대 중국 예술" 또는 "동양의 티에폴로"가 될 것으로 예상됩니다. 베니스는 아마도 당시 지중해에서 가장 국제적인 도시였으며 마르코 폴로는 베네치아 사람이었습니다. 베니스는 확실히 유럽의 관점에서 볼 때 항상 동양(중동뿐만 아니라 극동)을 매우 동경해 왔으며, 중국이나 동아시아의 다른 지역에서 많은 공예품이 베니스로 옮겨졌습니다. 나는 이러한 것들을 바라보는 티에폴로의 경험이 그가 자신의 예술을 창조하는 방식에 영향을 미쳤을 것이라고 생각합니다.

이번이 처음으로 중국에 와서 중국의 풍부하고 다양한 예술 형태에 대해 새로운 이해를 얻었고, 중국의 '미술' 개념이 내가 익숙했던 유럽의 개념과 매우 다르다는 것을 깨달았습니다. 상하이 박물관에서 청동, 옥 조각, 도자기 및 기타 예술 형태를 볼 때 중국 문화에서 '예술'로 간주되는 범위가 훨씬 더 넓다는 것을 느꼈습니다. 유럽에서는 일부 예술 형식이 전통적으로 응용 예술(또는 예술 및 공예)로 분류되지만 중국에서는 동등한 존중을 받습니다. 이러한 관점의 차이는 나에게 새로운 이해를 열어주는 것 같았습니다. 나는 이들에 대한 이해를 더 깊게 하고 싶었지만, 또한 형태학적(도상학적이 아닌) 수준에서 이러한 유사점을 추적하고 싶었습니다.

Damian Dombrowski는 베이징에서 중국 그림을 존경합니다.

물론 유사점을 지나치게 강조할 필요는 없습니다. 왜냐하면 이 2주 동안 저는 이전에 잘 몰랐던 것들을 많이 배웠기 때문입니다. 예를 들어, 중국과 유럽은 예술을 이해하는 방식이 매우 다릅니다. 유럽의 문화 전통에는 "시, 서예 및 그림 인장"이라는 개념이 없습니다.

그러나 중국과 서유럽의 공통점 중 하나는 둘 다 예술 체계와 예술에 대한 명확한 이해, 이론과 학계, 교육에 대한 성찰을 갖고 있다는 점이다. 그래서 예술은 단지 문화유적을 창조하는 것뿐만 아니라 단순히 종교적, 희생적 목적을 갖는 것이 아니라 자율적인 표현 형태인데, 이는 중국과 서유럽 예술에서 가장 뚜렷하게 나타난다고 생각합니다. 예술은 인간 사고의 표현이며, 이는 나의 확고한 믿음입니다.

물론 아프리카 예술을 보는 것은 멋진 일이지만, 그들은 이런 시스템을 갖고 있지 않습니다. 예술은 아프리카에서 다양한 용도로 사용되며 예술 형식도 매우 다릅니다(예를 들어 춤은 가면 조각보다 더 예술로 간주됩니다). 그러나 중국과 서유럽 사이에는 비록 항상 동시에 발생하지는 않았지만 두 지역을 다소 비교할 수 있게 만드는 몇 가지 일반적인 유사점이 존재합니다.

The Paper: 당신의 연구에서는 '글로벌 관점의 비교예술'을 주장하고 있는데, 유럽의 관점에서 다른 지역의 문화를 어떻게 보는가?

Dombrowski: 약 15년 ​​전에 비교미술을 소개하려 했으나 시기가 맞지 않아서 실패한 것 같아요. 저는 주로 중국과 서유럽의 다양한 예술 문명을 비교하는 일을 전담하는 교수직에 지원했습니다. 그러나 그 직위는 승인되지 않았습니다. 나는 거의 현장을 떠났다.

2008년에 나는 "Süddeutsche Zeitung"(독일의 두 주요 신문 중 하나)에 "지금 비교하세요!"를 게재했습니다. "라는 글이 학술지에 실리지 않았기 때문에 더 주목을 받았고, 어느 정도 명성도 얻었습니다. 나는 항상 이 분야를 더 깊이 탐구하고 싶었지만 아마도 중국에서의 경험 이후에야 실제로 시작될 것입니다.

2008년 Dombrowski는 "Süddeutsche Zeitung"에 "지금 비교하세요!"를 출판했습니다. 》

막상 시작해보니 제가 15~16년 전에 주창했던 것들이 이미 세계미술사연구소(WAI)에서 실현되고 있었습니다. 중국 미술 아카데미의 세미나에서 두 명의 학생이 중국과 서양의 미술에 대한 서로 다른 접근 방식을 비교했습니다. 비록 제가 참여하지는 않았지만 마치 꿈이 이루어진 것 같았고, 그때 언급한 방법들이 지금 개발되고 있어서 매우 기쁘지만, 나 자신은 이 분야에 별로 기여하지 못했습니다.

Damian Dombrowski가 상하이 동이 미술관을 방문합니다.

나는 순수 유럽 예술에 대한 연구가 끝났다는 것을 잘 알고 있습니다. 어쩌면 우리가 특정 시대, 특히 르네상스를 너무 깊이 연구했기 때문일 수도 있습니다. 학문으로서의 미술사는 150년 동안 이 시대에 집중되어 왔기 때문에 르네상스에 관해 새로 말할 것이 많지 않습니다. 이제 19세기 미술사 연구는 점점 더 많은 젊은 학자들의 관심을 끌고 있다. 전통적인 르네상스 연구를 계속하는 것만으로는 더 이상 충분하지 않을 수도 있다고 생각합니다. 물론 르네상스에 대한 지식은 대대로 전해져야 하지만, 아마도 유럽중심주의적 관점은 무너져야 할 것이다.

Damian Dombrowski는 상하이 Liu Haisu 미술관에서 "상하이에서 시작 - 중국 유화 세기의 일별"을 방문했습니다.

그러므로 나는 '비교예술'이 미래 연구 방향을 제시한다고 믿는다. 이 분야의 발전을 주도할 사람은 우리 세대가 아니라 다음 세대일 수도 있습니다. 나는 이것에 대해 꽤 확신합니다. 새로운 세대들이 단순히 문화만을 연구하는 평론가(미술평론가)나 역사가로서 공부하는 것이 아니라, 진정한 미술사가로서 공부하는 것이 매우 중요하기를 바랍니다.

The Paper: 당신은 뷔르츠부르크 대학의 마틴 폰 바그너 박물관의 관장이기도 합니다(박물관은 고대 부분과 현대 부분으로 나누어져 있으며, Dombrowski는 현대 부분을 담당합니다). 박물관의 컬렉션은 고대 그리스 도자기 꽃병으로 유명합니다. , 그리고 우리는 일반적으로 르네상스가 고대 그리스의 전통을 따랐다고 믿습니다. 그러나 그것이 고대 이집트까지 거슬러 올라갈 수 있습니까?

Dombrovski: 사실 마틴 폰 바그너 박물관은 고대 그리스 꽃병과 유물 컬렉션뿐만 아니라 회화 부문, 판화 및 드로잉 컬렉션으로도 유명합니다. 제가 회화, 판화, 드로잉 부서의 책임자인데, 고대 부분에 대해서는 답변하기가 쉽지 않습니다.

마틴 폰 바그너 박물관(Martin von Wagner Museum)은 1963년부터 뷔르츠부르크 궁전 남쪽 건물에 위치해 있으며, 유럽에서 가장 큰 대학 박물관 중 하나입니다.

그러나 박물관 연구는 이러한 측면을 다루고 있습니다. 고대 이집트가 그리스 예술에 미친 영향은 역사적 문제입니다. 르네상스 시대에도 고대 이집트는 그리스 예술에 어느 정도 영향을 미친 것으로 알려져 있지만, 이러한 영향은 일반적으로 지중해의 맥락에서 인식되었습니다. 고대 이집트는 가장 오래된 국가로 여겨졌기 때문에 그 시대에도 고대는 여전히 가치로 여겨졌다. 고대 그리스는 고대 지혜의 전달자로 여겨졌지만, 이 견해가 체계화되기 시작한 것은 19세기가 되어서였습니다.

황소를 타고 있는 유로파, 암포라, 기원전 5세기 초, 마틴 폰 바그너 박물관 소장품

19세기 초에 사람들은 그리스 예술이 단순한 고전 예술 그 이상이라는 것을 처음으로 깨달았고, 새로 발견된 유물이 눈에 들어오면서 사람들은 고대 이집트 예술과 분명한 유사성을 지닌 그리스 예술의 오래된 층을 보기 시작했습니다. 그래서 1820년과 1830년경에 사람들은 그리스 미술과 이집트 미술의 연관성에 대해 생각하기 시작했습니다. 이전에는 이런 종류의 논의가 거의 없었습니다. 따라서 이러한 영향은 우리 박물관이 1832년에 설립된 이래로 우리 박물관의 컬렉션에 어느 정도 영향을 미쳤을 수 있습니다. 사실, 현대 미술과 고대 미술 사이에는 항상 강력한 구분이 있어 왔습니다.

더 페이퍼(The Paper): 박물관 현대부(회화관, 판화부) 관장으로서 중국에서 '조토에서 티에폴로까지의 시대'(혹은 특정 예술가나 이 시대의 특정 구간)에 대한 전시를 기획한다면 , 중국에서는 어떤 일이 일어날 것인가? 고전 작품은 대출할 수 없다는 전제 하에 어떤 각도로 접근할 것인가?

Dombrowski: 우선, "Giotto에서 Tiepolo까지"라는 용어를 사용했다는 사실이 기쁩니다. 이는 중국인이 "르네상스 예술"이라고 부르는 시기를 대략적으로 다루고 있는 반면, 이 두 명의 창의적인 예술가인 Giotto와 Tiepolo Polo는 실제로 획기적인 성과를 거두었습니다. 이 기간의 시작과 끝. 내 학문적 작업의 대부분은 이 창조적인 500년(약 1300년에서 1800년)에 초점을 맞추고 있습니다.

페데리코 바로키, 페데리코 보나벤투라 공작의 초상화 연구, 1602, 마틴 폰 바그너 박물관

나에게 중국에서 전시회를 기획할 기회가 생긴다면, 나는 의심할 바 없이 18세기 유럽에서 가장 유명한 예술가 티에폴로를 선택할 것이다. 그는 지난 10년 동안 나의 가장 집중적인 연구의 대상이 되었기 때문에 나는 그의 작품이 문제의 시대 유럽 미술의 전통을 요약하고 있다는 것과 그의 예가 유럽 미술의 일반 법칙을 설명하는 데 사용될 수 있다는 것을 알고 있습니다.

베이징에서의 강의 중에 나는 중국 대중이 "티에폴로"라는 이름에 별로 익숙하지 않다는 것을 깨달았습니다. 그가 "티에폴로"를 다른 많은 초기 근대 유럽 예술가들보다 더 잘 묘사했기 때문에 나는 이 점에 대해 조금이라도 기여하고 싶습니다. 예술은 단지 예술 그 자체를 의미할 뿐이다."

티에폴로는 뷔르츠부르크 궁전의 큰 천장에 '행성과 대륙의 우화'를 그렸습니다. 이 그림은 유럽, 아시아, 아프리카, 미국의 4대륙을 상징하는 네 방향으로 둘러싸여 하늘을 움직이는 태양신 아폴로를 묘사한 것입니다.

이 아이디어를 더 깊이 추구할 수 있다면 티에폴로와 극동의 관계, 특히 중국으로부터의 영감과 관련된 것에 초점을 맞추고 싶습니다. 제가 이러한 영감을 주는 관계의 존재 가능성을 알게 된 것은 중국에 있는 동안이었습니다. 이 발견은 나에게 전율과도 같았다. 박물관에 전시된 중국 유물에서 갑자기 로코코 양식을 발견했는데, 이는 비단 자수부터 산수화까지 18세기 중반 유럽의 지배적인 장식 양식이었다. .

티에폴로, 사티로스(판과 그의 가족), 1743~1750년경, 에칭

나의 다음 주요 프로젝트는 티에폴로를 (비유럽) 세계에 개방하는 데 중점을 두기 때문에 나는 이러한 연관성을 계속 탐구하고 싶습니다. 잊지 말자. 이 화가는 중국과 오랜 인연을 맺은 베니스 출신으로 평생의 대부분을 베니스에서 살았다. 세계의 리듬을 추적하기 위해 티에폴로의 그림, 특히 드로잉이 중국 미술품과 대화하게 하십시오. 이것이 교육적이고 시적인 전시회의 꿈이 될 것입니다.

티에폴로(Tiepolo), 뷔르츠부르크 궁전 계단에 있는 프레스코화의 아시아 부분, 1752/1753

참고: Lu Jia(WAI 박사 과정), Wang Lianming(홍콩 시립대학교 중국어 및 역사학과 부교수), Shanghai International Studies University 세계 미술사 연구소(WAI)에게 감사의 말씀을 전하고 싶습니다. ) 이 기사에 많은 도움을 주셨습니다. 2023년 9월 '세계 미술사 우수 학자를 위한 강의'가 시작됩니다. 2023~2024년 주제는 '르네상스 예술과 문화'로 6개국 12명의 일류 학자를 중국에 초청해 연구를 공유할 예정입니다. 이 필드에.