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Un volume della traduzione tedesca delle Vite delle Arti del Vasari introduce le opere di Sandro Botticelli, Filippino Lippi, Cosimo Rosselli e Alesso Baldovinetti La Vita, testo tradotto da Victoria Lorini, con note su Botticelli scritte da Dombrowski.

Savonarola era un frate domenicano che subentrò a Firenze dopo la morte di Lorenzo Medici, morto nel 1492, mentre Savonarola prese il potere nel 1494 e ricostruì virtualmente la Repubblica. (Nota: nel 1494, il re francese Carlo VIII invase Firenze, la potente famiglia dei Medici fu rovesciata e Savonarola divenne il nuovo leader spirituale e secolare di Firenze. Iniziò a trasformare in legge varie norme e regolamenti. La sua impresa più famosa fu la " Fuoco delle Vanità" acceso nella Piazza del Municipio di Firenze nel 1497. Negli ultimi anni, Botticelli si abbandonò ai sermoni di Savonarola e gettò personalmente nel fuoco molte delle sue ultime opere. Ma la durezza di Savonarola fece precipitare nella povertà la Firenze orientata agli affari. 4, 1497, un gruppo di persone creò disordini mentre Savonarola predicava, e presto si trasformò in una guerra civile. Il 23 maggio 1498, lui e altri due monaci furono bruciati sul rogo tornò al potere, rovesciò la Repubblica e si autoproclamò Granduca di Toscana).

Botticelli, Giuliano Medici, 1478

Ma questo deve essere stato un periodo terribile per Vasari poiché i Medici persero il potere, quindi cercò di riflettere attraverso Botticelli il periodo che va dall'"Età gloriosa" di Lorenzo ai Secoli bui di Savonarola" fino ai cambiamenti che portarono al riemergere della famiglia Medici. . Tuttavia, nell’arte non esiste una chiara distinzione tra il periodo dei Medici e quello di Savonarola.

Botticelli, La diffamazione di Apelle, 1494–95 circa, Collezione degli Uffizi

Si ritiene generalmente che Savonarola fosse un fanatico religioso che distrusse molte opere d'arte perché non erano abbastanza pure o troppo liberali. Tuttavia, non è così. Gli storici ora ci dicono che i cosiddetti “Fuochi delle Vanità” non coinvolgevano dipinti o sculture, e che erano diretti principalmente ad oggetti domestici come specchi e cosmetici piuttosto che a dipinti.

Botticelli, "L'Adorazione dei Re Magi", 1475 circa, Galleria degli Uffizi, quello a sinistra è generalmente considerato un autoritratto dello stesso Botticelli.

Torniamo alla comprensione di Vasari di Botticelli. In effetti Vasari non fu così duro con Botticelli. Nelle opere di Botticelli vide anche aspetti lungimiranti, come la pala d'altare "L'Adorazione dei Re Magi" esposta a Shanghai. Vasari diede una descrizione molto appropriata e profonda di questo dipinto, ne vide il valore artistico e le qualità profetiche il dipinto Era un'opera d'arte eccezionale, che possedeva alcune caratteristiche dell'Alto Rinascimento. Ma allo stesso tempo non vedeva in questo artista un ponte tra il primo Rinascimento e l’alto Rinascimento. Penso, e questo fa parte della mia ricerca, che Botticelli abbia effettivamente aperto la strada all'Alto Rinascimento, ad esempio Raffaello ha molte somiglianze con Botticelli, che fu completamente trascurato da Vasari. Non voleva vederlo perché aveva bisogno che le buone opere di Botticelli fossero scritte prima del "periodo buio" di Savonarola, che in realtà non fu così buio, ma per la famiglia Medici lo fu. Doveva essere stato un periodo terribile per l'autore.

Botticelli, Madonna e santi (Pala di San Barnaba), 1487/1488, Collezione degli Uffizi

Raffaello, Madonna della Baldacchina, 1507/1508 circa, Collezione degli Uffizi

Per quanto riguarda "Botticelli è stato parzialmente frainteso", credo che Botticelli sia un artista conosciuto più di quanto non sia compreso. Ciò si riflette principalmente nei suoi successi nei dipinti religiosi, e questo non è stato pienamente riconosciuto dagli storici dell'arte . Migliaia di persone stanno ogni giorno davanti alla "Primavera" e alla "Nascita di Venere" nella Galleria degli Uffizi. Forse qualcuno darà un'occhiata al dipinto "Pallade e il Centauro", anch'esso esposto a Shanghai. Allo stesso tempo, quasi nessuno prestava attenzione alle sue pale d'altare, ma in realtà era famoso per le sue opere religiose. Ad esempio, nel 1481 Lorenzo Medici lo mandò a Roma per unirsi ad altri pittori fiorentini nella decorazione delle pareti della Cappella Sistina.

Botticelli, Pallade e i centauri, 1482/1483 circa, Collezione degli Uffizi

La maggior parte dei murali che Botticelli e i suoi assistenti dipinsero per la Cappella Sistina furono coperti da Michelangelo, con solo parti visibili, come "Mosè nella sua giovinezza"

Ma perché i dipinti religiosi non sembrano così moderni. Non c'è nudità nel dipinto (le generazioni successive avrebbero sostenuto che più figure nude dipingeva un artista, più era moderno), ma questo non era il modo di pensare del Rinascimento. La preoccupazione principale dell'Alto Rinascimento era la composizione, concentrandosi su come ciascuna parte di un'opera d'arte si relazionava tra loro per formare un tutto. Quindi non è una questione di nudità o di mitologia, ma di composizione e di merito artistico. Quindi penso che le persone dovrebbero prestare maggiore attenzione alle altre opere di Botticelli. C'è una grande sala espositiva nella Galleria degli Uffizi che espone circa 17 dipinti di Botticelli, ma la gente ne guarda solo due. Naturalmente, questi due sono molto moderni, ma penso che i suoi maggiori successi siano nei dipinti religiosi, perché è lì che si possono vedere i suoi progressi, perché essere incaricato di creare una pala d'altare è il più alto riconoscimento per un pittore, quindi, L'artista metterci il massimo impegno.

Botticelli, Cantata, 1485 circa, Collezione degli Uffizi

Michelangelo, "Sacra Famiglia", 1506 circa, Collezione degli Uffizi

I fiorentini di quell'epoca, infatti, impararono a confrontare l'opera di Botticelli con quella di altri artisti, e poterono constatare quanto fosse moderno. Quindi, i suoi dipinti religiosi hanno costruito un ponte verso l'Alto Rinascimento, non solo, ma anche "La nascita di Venere" mi sembra che sia stato frainteso, e solo il lato della creazione artistica è stato apprezzato.

Botticelli, La Nascita di Venere (particolare dell'albero), 1485-1487 circa, Collezione degli Uffizi

Il documento: Si ritiene generalmente che la povertà di Botticelli nei suoi ultimi anni fosse legata al “fuoco della vanità”. Ma fu anche dopo il 1492 che Botticelli si allontanò gradualmente dall'enfasi sulla bellezza fisica e sulla precisione anatomica. Lo stile sconcertante del suo lavoro successivo potrebbe essere dovuto alla sua forte dipendenza dallo studio e all'uso ripetitivo di schizzi stereotipati, che hanno portato a un calo dell'apprezzamento del suo lavoro? Secondo te, cosa è più responsabile del declino della sua reputazione nella seconda metà della sua vita? Perché c'è un divario così grande tra i suoi ultimi e i primi lavori?

Dombrowski: Non credo che la reputazione di Botticelli sia diminuita. Infatti, ora sappiamo che lo studio di Botticelli fu l'unico prospero e produttivo per tutti gli anni Novanta del Quattrocento e fino agli inizi del Cinquecento. Continuò a creare opere in questi anni, mentre alcuni artisti dovettero fermarsi perché non trovarono un mecenate, ma Botticelli no, il che è in contraddizione con la descrizione di Vasari.

Botticelli, La storia di Lucrezia, 1500 circa, Isabella Stewart Gardner Museum, Boston, Massachusetts

La maggior parte dei murali che Botticelli e i suoi assistenti dipinsero per la Cappella Sistina furono coperti da Michelangelo, e solo una parte di essi è visibile. L'immagine mostra uno dei dipinti sopravvissuti, "La punizione dei figli di Cora", che mostra l'amore di Botticelli per. Riproduzione di musica classica, con l'Arco di Costantino a Roma al centro dello sfondo. Intorno al 1500 dipinge nuovamente l'Arco di Trionfo nella Storia di Lucrezia.

Siamo ancora influenzati da Vasari e crediamo ancora che Botticelli abbia smesso di creare nei suoi ultimi anni e sia diventato povero, ma non è così. Botticelli sarebbe stato uno dei pittori più ricchi al momento della sua morte, poiché produsse non solo grandi opere per spazi pubblici ma anche opere più piccole per collezionisti privati, che gli permisero di essere più libero di provare cose nuove nei suoi ultimi anni. divenne un artista molto libero, un tipo di artista moderno che apparve solo alla fine del XVI secolo.

Sebbene i suoi lavori successivi possano sembrare diversi da quelli precedenti, direi che furono prodotti principalmente dal suo studio, dai suoi studenti o dai suoi collaboratori che tentarono di imitare il suo stile. Botticelli aveva così tante commissioni all'epoca che molto lavoro fu affidato ai suoi collaboratori.

Botticelli e Studio, "La Vergine col Bambino e San Giovanni Battista", Collezione del Clark Art Institute, USA

Capisco i tuoi dubbi, ma in realtà, anche nella "Nascita di Venere" della fine degli anni Ottanta del Quattrocento, ho visto la sua deviazione dalle norme estetiche da lui stabilite. Ad esempio, le gambe, il collo e il viso si allungano e le braccia si assottigliano. Questi cambiamenti iniziarono in realtà negli anni Ottanta del Quattrocento, quello che viene solitamente definito il "periodo classico" di Botticelli, ma fu durante questo periodo che tutti questi cambiamenti cominciarono ad apparire.

A sinistra: Botticelli, "Primavera" (particolare), 1482/1483 circa, Collezione degli Uffizi A destra: Botticelli, "Madonna e Santi" (Pala di San Barnaba, particolare della parte superiore del corpo della Vergine), 1487/1488, Collezione degli Uffizi;

Botticelli, Venere e Ares, 1485 circa, Collezione della Galleria Nazionale

Poiché ha lavorato per clienti privati, è stato in grado di sviluppare uno stile individuale, il che significava che il suo stile personale poteva sembrare eccentrico, ma nella teoria dell'arte barocca "eccentrico" aveva una connotazione molto positiva ed era la vera espressione della sua arte da parte dell'artista. L'incarnazione di una visione piuttosto che conformarsi a ciò che gli altri vedono come norma o standard. Pertanto, penso che Botticelli sia stato maggiormente in grado di mostrare il proprio stile artistico unico nei suoi ultimi anni.

Botticelli, La misteriosa Natività, 1500, National Gallery, Regno Unito

The Paper: Come è cambiata la comprensione di Botticelli da parte delle generazioni successive? Cosa pensi adesso di Botticelli?

Dombrowski: Botticelli non fu completamente dimenticato, ma la sua influenza quasi scomparve dal Rinascimento fino a quando fu riscoperto dai Preraffaelliti nella seconda metà del XIX secolo. Cominciarono ad accorgersene prima gli artisti, e subito dopo, gli storici dell’arte. Tuttavia, questi storici dell’arte furono fortemente influenzati dagli artisti. A quel tempo, la gente provava sentimenti romantici nei confronti di Botticelli, che veniva chiamata "Botticelli mania". Alla fine del XIX secolo tutti erano ossessionati da Botticelli (nota: questo paragrafo non è la ricerca di Dombrowski, ma solo la sua descrizione della storia dell'arte).

Botticelli, Ritratto di donna, 1475

Rossetti, "Sogno ad occhi aperti", 1880

Ma per loro, Botticelli era una figura romantica che, come descrive Vasari, un tempo era acclamata, di successo e ricca, ma in seguito visse in povertà. Anche se nulla di tutto ciò è vero, le persone a quel tempo non volevano sapere la verità. A loro piaceva la descrizione di Botticelli della sua completa adattabilità ai tempi: sostenne pienamente la famiglia Medici durante la vita di Lorenzo e sostenne pienamente Savonarola durante i sei anni di regno di Savonarola. Questa affermazione si adatta perfettamente a Botticelli da una prospettiva romantica. Pertanto, tutti i primi storici dell’arte seguirono questo modo di pensare.

Da allora altri scrittori hanno seguito l'esempio. Ma non finisce qui. Il famoso studioso tedesco Warburg (1866-1929) scrisse la sua tesi di dottorato su "La Primavera" e "La nascita di Venere", ma non parlò realmente dell'arte di Botticelli, ma discusse solo del contenuto stilizzato di questi dipinti. Ciò segnò l'inizio di un rigoroso approccio iconografico ai dipinti di Botticelli. I dipinti non vengono più esaminati per il loro valore artistico (come colore, composizione, linea e disegno), ma vengono invece esplorati sulla base dell'iconografia. (Nota: il principale metodo di ricerca su Botticelli nel 20° secolo è iniziato con il testo anziché con le immagini e non è in grado di rappresentare completamente tutti i risultati di Botticelli. Dal punto di vista dell'artista, il modo in cui i colori e le linee sono distribuiti su un piano può creare grandezza. metodo artistico, seguito dal programma).

Botticelli, "Primavera", 1482/1483 circa, Collezione degli Uffizi

Anche se alcuni hanno fatto diversi tentativi, finora sono stati sostanzialmente ignorati (la programmazione o l'iconografia vengono prima di tutto). Le opere di Botticelli sono diventate un campo di battaglia per l'iconografia. Questo è ciò che io chiamo "incompreso". Le persone studiano qualcosa che in realtà non appartiene alla categoria dell'arte. I programmi non sono artistici, è artistico solo il modo in cui gli artisti li usano e li trasformano. Sebbene il programma o l’iconografia siano davvero molto interessanti, non sono il processo di creazione artistica.

Ecco perché penso che Botticelli sia frainteso o parzialmente frainteso. Penso che si dovrebbe davvero prestare attenzione alla sua arte e ai metodi e processi creativi che ha utilizzato come artista. Anche se Botticelli non ha lasciato quasi nessuna documentazione scritta, continuo a pensare che fosse un grande pensatore perché il suo modo di pensare si esprimeva attraverso i dipinti.

Le illustrazioni di Botticelli per La Divina Commedia

L'articolo: La "Nascita di Venere" di Botticelli come schema è stato preso in prestito e fatto proprio da artisti contemporanei. Come pensi che dovrebbero essere interpretati nel mondo contemporaneo?

Dombrowski: Sono uno storico dell'arte e non ho molta familiarità con le reinterpretazioni degli artisti contemporanei della "Nascita di Venere" di Botticelli. Tuttavia, ho visto che il dipinto rappresentava qualcosa che trascendeva il dipinto stesso e diventava un simbolo. Questo fenomeno non rientra nell'ambito professionale degli storici dell'arte, poiché riguarda la commercializzazione, un atto di consumo di Botticelli. Ad esempio, nel 2022, quando un marchio di stilisti francese ha lanciato una serie di abiti utilizzando l'immagine della "Nascita di Venere" senza "autorizzazione", ha avviato una lunga causa e alla fine ha dovuto intentare una causa contro l'Ucraina pagato un ingente compenso.

Andy Warhol, "Dettaglio del dipinto rinascimentale", 1984

Questo atto di consumismo non significa nulla di profondo. Questo è un modo che personalmente non condivido, e non credo che il modo in cui i contemporanei guardano alla "Nascita di Venere" di Botticelli sia appropriato. Personalmente sono molto disgustato dall'uso della "Nascita di Venere" di Botticelli nella cultura pop moderna. Ad esempio, circa 15 anni fa, in una fotografia del fotografo americano David LaChapelle, Venere è raffigurata come una donna aggressiva e sexy. Questo è completamente diverso dall'immagine di Venere di Botticelli, poiché questo dipinto non riguarda il sesso, ma l'espressione della bellezza.

La Venere di Botticelli è l'immagine più pura che si possa immaginare. Questo è tutto quello che posso dire, non sono un critico d’arte e non sono specializzato in arte contemporanea.

"Arte comparata" dalla prospettiva della globalizzazione

L'articolo: I libri che hai curato includono "Eyes and Gaze:" View "from Ancient Egyptian Pictorial Art to Modern Pictorial Art", che esplora l'espressione e il significato simbolico degli occhi e dello sguardo nell'arte, inclusa la Cina. Durante la tua visita in Cina, questa volta, hai scoperto nuove prospettive nella tua ricerca sulla storia dell’arte globale?

Dombrowski: "Eye and Gaze" è stato un progetto portato a termine con gli studenti e il libro è stato pubblicato nel 2014. Presta attenzione a come viene rappresentata la visione in diversi paesi e periodi (come l'Europa rinascimentale, la Cina della dinastia Tang e persino l'antico Egitto) e quale importanza viene data alla raffigurazione degli occhi? Usalo per apprendere e studiare i modi in cui le culture si sovrappongono. Sebbene si tratti di un progetto di 10 anni fa, potrebbe essere un punto di partenza per un'analisi comparativa nel campo della storia dell'arte globale.

Durante le mie due settimane in Cina, sono rimasto sorpreso dal fatto che alcuni dei motivi dei dipinti tradizionali cinesi siano apparsi nel tardo periodo barocco. Anche se non esplicitamente, chiamo il modo di comporre un'immagine metodo di decorazione, e il modo in cui sono composti i dipinti cinesi ha una forte connessione con la decorazione in stile rococò. Sebbene i dipinti cinesi seguano determinate leggi decorative, questa decorazione stessa presenta somiglianze morfologiche, come il contorno dei pini nei dipinti cinesi della dinastia Ming. Mi riferisco alla somiglianza strutturale dei motivi astratti, non all'argomento.

Dong Qichang, "Otto scene di Yan e Wu" raccolte dal Museo di Shanghai

Prevedo che il mio prossimo progetto di ricerca sarà "Tiepolo e l'arte antica cinese" o "Tiepolo in Oriente". All'epoca Venezia era probabilmente la città più cosmopolita del Mediterraneo e Marco Polo era veneziano. Venezia ha sempre avuto una grande nostalgia dell'Oriente (non solo del Medio Oriente, ma dell'Estremo Oriente), certamente dal punto di vista europeo, e molti oggetti d'artigianato provenienti dalla Cina o da altre parti dell'Asia orientale furono portati a Venezia. Penso che l'esperienza di Tiepolo guardando queste cose possa aver influenzato il modo in cui ha creato la sua arte.

Questa era la mia prima volta in Cina e ho acquisito una nuova comprensione delle ricche e diverse forme d'arte cinesi e mi sono reso conto che il concetto di "Belle Arti" in Cina era molto diverso da quello europeo con cui avevo familiarità. Quando ho visto bronzi, sculture di giada, ceramiche e altre forme d'arte al Museo di Shanghai, ho sentito che la portata di ciò che è considerata "arte" nella cultura cinese è molto più ampia. In Europa alcune forme d’arte sono tradizionalmente classificate come arti applicate (o arti e mestieri), ma in Cina godono di pari rispetto. Questa differenza di prospettiva sembrava aprirmi una nuova comprensione. Ho voluto approfondire la mia comprensione di questi, ma ho voluto anche rintracciare queste somiglianze a livello morfologico (non iconografico).

Damian Dombrowski ammira i dipinti cinesi a Pechino.

Naturalmente, non dobbiamo enfatizzare eccessivamente le somiglianze. Perché in queste due settimane ho imparato molte cose di cui prima non sapevo molto. Ad esempio, la Cina e l'Europa hanno modi molto diversi di intendere l'arte. Le tradizioni culturali europee non hanno il concetto di "poesia, calligrafia e pittura".

Tuttavia, una cosa simile tra la Cina e l’Europa occidentale è che entrambi hanno sistemi artistici, una chiara comprensione dell’arte e una riflessione sulla teoria, sul mondo accademico e sull’insegnamento. Quindi l’arte non riguarda solo la creazione di reliquie culturali, né ha solo scopi religiosi o sacrificali, ma è una forma di espressione autonoma, e penso che questo sia più evidente nell’arte cinese e dell’Europa occidentale. L’arte è l’espressione del pensiero umano, questa è una mia ferma convinzione.

Certo, è meraviglioso vedere l'arte africana, ma non hanno questo sistema. L'arte ha scopi diversi in Africa e le forme d'arte sono molto diverse (ad esempio, la danza è considerata più un'arte che l'intaglio di maschere). Esistono però alcune somiglianze generali tra la Cina e l’Europa occidentale che rendono le due regioni in qualche modo paragonabili, anche se non sempre si sono verificate nello stesso periodo.

The Paper: Nella tua ricerca, sosteni "l'arte comparata da una prospettiva globale". Che tipo di metodo di ricerca è questo? Come vedi la cultura di altre regioni da una prospettiva europea?

Dombrowski: Circa 15 anni fa ho provato a introdurre l'arte comparata, ma non ci sono riuscito. Forse il momento era sbagliato. Ho fatto domanda per una cattedra dedicata al confronto tra diverse civiltà artistiche, principalmente tra Cina ed Europa occidentale. Ma la posizione non è stata approvata. Ho quasi lasciato il campo.

Nel 2008 ho pubblicato "Confronta ora!" su "Süddeutsche Zeitung" (uno dei due giornali seri tedeschi). ", forse perché non fu pubblicato su una rivista accademica, attirò più attenzione e mi procurò una certa notorietà. Ho sempre desiderato approfondire questo campo, ma forse inizierà davvero solo dopo questa esperienza in Cina.

Nel 2008 Dombrowski ha pubblicato "Confronta adesso!" sulla "Süddeutsche Zeitung". 》

Quando ho iniziato a farlo, ho scoperto che le cose che sostenevo 15 o 16 anni fa erano già state realizzate presso il World Art History Institute (WAI). In un seminario alla China Academy of Art, due studenti hanno confrontato i diversi approcci all'arte in Cina e in Occidente. Anche se non ne sono stato coinvolto, è stato come se il mio sogno si fosse avverato e i metodi menzionati allora vengono ora sviluppati e sono molto felice, ma io stesso non ho contribuito molto a questo campo.

Damian Dombrowski visita il Museo d'arte Dongyi di Shanghai.

So benissimo che lo studio dell'arte puramente europea è giunto al termine. Forse è perché abbiamo studiato certi periodi, in particolare il Rinascimento, in modo così approfondito. La storia dell’arte come disciplina esiste da 150 anni e si è concentrata su questo periodo, quindi non c’è molto di nuovo da dire sul Rinascimento. Ora, lo studio della storia dell’arte del XIX secolo attira l’interesse di sempre più giovani studiosi. Penso che potrebbe non essere più sufficiente continuare gli studi tradizionali sul Rinascimento. Naturalmente, la conoscenza del Rinascimento deve essere tramandata di generazione in generazione, ma forse la prospettiva eurocentrica dovrebbe essere abbattuta.

Damian Dombrowski ha visitato "A partire da Shanghai - Uno sguardo a un secolo di pittura a olio cinese" al Museo d'arte Liu Haisu di Shanghai

Credo quindi che l'arte comparata rappresenti una futura direzione di ricerca. Potrebbe non essere la nostra generazione, ma la prossima generazione a guidare lo sviluppo di questo campo. Sono abbastanza fiducioso su questo. Spero che le nuove generazioni studino non solo come critici (critici d'arte) o storici che studiano solo la cultura, ma come veri storici dell'arte, il che è molto importante.

The Paper: Sei anche il direttore del Museo Martin von Wagner dell'Università di Würzburg (il museo è diviso in parti antiche e moderne, e Dombrowski è responsabile della parte moderna. Le collezioni del museo sono vasi di ceramica dell'antica Grecia, famosi). , e generalmente crediamo che il Rinascimento abbia seguito la tradizione dell'antica Grecia, ma è possibile farla risalire all'antico Egitto?

Dombrovski: In effetti, il Museo Martin von Wagner è famoso non solo per la sua collezione di vasi greci antichi e manufatti antichi, ma anche per la sua sezione di pittura e la sua collezione di stampe e disegni. Sono il capo del dipartimento di pittura, incisione e disegno e non è facile rispondere alla parte antica.

Il Museo Martin von Wagner, situato dal 1963 nell'ala sud del Palazzo di Würzburg, è uno dei musei universitari più grandi d'Europa.

Ma la ricerca museale tocca questi aspetti. L'influenza dell'antico Egitto sull'arte greca è una questione storica. Anche durante il Rinascimento, si sapeva che l’antico Egitto aveva avuto una certa influenza sull’arte greca, ma questa influenza era generalmente riconosciuta nel contesto mediterraneo. L'antico Egitto era considerato la nazione più antica, quindi a quell'epoca l'antichità era ancora vista come un valore. L'antica Grecia era considerata portatrice dell'antica saggezza, ma fu solo nel XIX secolo che questa visione cominciò a diventare sistematica.

Europa su un toro, anfore, inizi del V secolo a.C., collezione del Museo Martin von Wagner

All'inizio del XIX secolo, le persone si resero conto per la prima volta che l'arte greca era qualcosa di più della semplice arte classica e, quando i manufatti appena scoperti vennero alla luce, le persone iniziarono a vedere strati più antichi di arte greca che presentavano chiare somiglianze con l'antica arte egiziana. Così, intorno al 1820 e al 1830, si cominciò a pensare al collegamento tra l'arte greca e l'arte egiziana. Prima di questo si parlava poco di questo tipo. Quindi questa influenza potrebbe aver avuto una certa influenza sulla collezione del nostro museo, poiché il nostro museo è stato fondato nel 1832. Da sempre, infatti, esiste una forte divisione tra arte moderna e arte antica.

The Paper: In qualità di direttore della parte moderna del museo (sala pittura e reparto stampa), se è prevista una mostra in Cina sull'"era da Giotto al Tiepolo" (o su un certo artista o una certa sezione di quest'epoca) , cosa accadrà in Cina partendo dal presupposto che le opere classiche non possono essere prestate, da quale prospettiva ti avvicinerai?

Dombrowski: Innanzitutto mi fa piacere che tu abbia usato il termine "da Giotto a Tiepolo" che copre grosso modo il periodo di quella che i cinesi chiamano "Arte Rinascimentale", mentre Giotto e Tiepolo Polo, questi due artisti creativi, hanno davvero segnato; l'inizio e la fine di questo periodo. La maggior parte del mio lavoro accademico si concentra su questi cinquecento anni creativi (dal 1300 al 1800 circa).

Federico Barocchi, Studio per il ritratto del duca Federico Bonaventura, 1602, Museo Martin von Wagner

Se avessi l’opportunità di curare una mostra in Cina, la mia scelta ricadrebbe senza dubbio su Tiepolo, l’artista del Settecento più famoso in Europa. È stato oggetto del mio studio più intenso negli ultimi dieci anni, quindi so che la sua opera riassume le tradizioni dell'arte europea del periodo in questione e che il suo esempio può essere utilizzato per illustrare le leggi generali dell'arte europea.

Durante la conferenza a Pechino mi sono reso conto che il pubblico cinese non conosce molto il nome "Tiepolo"; spero di dare qualche contributo in questo senso, perché ha illustrato "Tiepolo" meglio di tanti altri artisti europei della prima modernità dell’arte significa soltanto l’arte stessa”.

Tiepolo dipinse sul grande soffitto del Palazzo di Würzburg "L'Allegoria dei Pianeti e dei Continenti", che raffigura il dio del sole Apollo che si muove nel cielo, circondato da quattro direzioni che simboleggiano i quattro continenti Europa, Asia, Africa e Stati Uniti.

Se potessi approfondire quest'idea, mi concentrerei sul rapporto di Tiepolo con l'Estremo Oriente, soprattutto per quanto riguarda l'ispirazione cinese. È stato durante il mio soggiorno in Cina che ho preso coscienza della possibile esistenza di questo rapporto ispiratore. Questa scoperta è stata per me come una scossa elettrica: all'improvviso ho scoperto le forme rococò sui manufatti cinesi esposti nel museo, che era lo stile decorativo dominante in Europa a metà del XVIII secolo, dal ricamo su seta alla pittura di paesaggi Niente di meno .

Tiepolo, I Satiri (Pan e la sua famiglia), 1743-1750 circa, acquaforte

Spero di continuare a esplorare questa connessione, poiché il mio prossimo grande progetto si concentrerà sull’apertura di Tiepolo al mondo (non europeo). Non dimentichiamolo: il pittore era originario e visse gran parte della sua vita a Venezia, con legami di lunga data con la Cina. Lasciare che i dipinti e soprattutto i disegni di Tiepolo entrino in dialogo con le opere d'arte cinesi per tracciare i ritmi del mondo: questo sarebbe il sogno di una mostra che sia allo stesso tempo educativa e poetica.

Tiepolo, Parte asiatica dell'affresco sulle scale del Palazzo di Würzburg, 1752/1753

Nota: vorremmo ringraziare Lu Jia (candidato Ph.D. al WAI), Wang Lianming (professore associato presso il Dipartimento di Cinese e Storia, City University di Hong Kong) e il World Art History Institute della Shanghai International Studies University (WAI ) per il loro grande aiuto in questo articolo. Le "Lezioni per studiosi eccezionali di storia dell'arte mondiale" saranno lanciate nel settembre 2023. Il tema del 2023-2024 è "Arte e cultura del Rinascimento". 12 studiosi di prim'ordine provenienti da sei paesi saranno invitati in Cina per condividere la ricerca in questo campo.