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[Anmerkung des Herausgebers]

Federico Fellini, einer der einflussreichsten Regisseure in der Geschichte des Kinos, gilt weithin als rätselhafter Geschichtenerzähler und fantasievoller Träumer – in seinen Filmen ist „Alles kann passieren.“ In seiner künstlerischen Biografie „Die Filme von Fellini“ versucht Peter Bondanella, uns auf rationale und leidenschaftliche Weise in Fellinis Filmwelt voller Abenteuer und Illusionen zu führen. Der Bericht des Autors deckt Fellinis gesamte Karriere ab und verbindet seine Regieleistungen mit seiner Arbeit als Cartoonist und Witzeschreiber während der faschistischen Ära sowie mit seiner Erfahrung als Drehbuchautor für neorealistische Filme. Gleichzeitig erforscht Bondanella mit scharfsinniger Einsicht viele leicht übersehene Themen im Zusammenhang mit Fellinis Filmen, wie etwa Literatur, Politik und Feminismus. Obwohl Bondanella vor der Aufgabe stand, einen Künstler zu interpretieren, der sich der Konstruktion mysteriöser Träume und chaotischer Realitäten widmet, gelang es ihm, wie Fellini selbst sagte, „jeden Aspekt des künstlerischen Ausdrucks des Kinos nachzubilden“. Dieser Artikel ist das Vorwort zum Buch und wird von The Paper mit Genehmigung von Zhejiang University Press veröffentlicht.

Federico Fellini

Ich bin ein Lügner, aber ein ehrlicher. Die Leute werfen mir vor, dass ich die gleiche Geschichte nicht auf die gleiche Weise erzähle. Aber das liegt daran, dass ich mir die ganze Geschichte von Anfang an ausgedacht habe und es für mich langweilig und für andere unfreundlich erscheint, mich zu wiederholen.

Viele Leute geben sich die Mühe zu sagen, ich sei ein Lügner, aber andere Leute lügen auch und ich höre ständig große Lügen über mich von anderen Leuten. Ich hätte es leugnen können, und ich habe es versucht. Leider hat mir niemand geglaubt, weil ich eine Lügnerin war.

Ich bin jemand, der mit „Etikettierung“ nicht einverstanden ist. Soweit ich weiß, gehören Anhänger nur aufs Gepäck und haben in der Welt der Kunst keine Bedeutung.

Das Erstaunlichste an Filmkritikern ist, dass sie kritische Methoden von vor Hunderten von Jahren auf Werke anwenden, die es vor hundert Jahren noch nicht gegeben hätte.

Federico Fellinis kritischer Ruf wurde bereits durch den Erfolg seiner Filme in den 1950er und 1960er Jahren begründet. Die Veröffentlichung vieler seiner Werke wurde zu einem wichtigen Meilenstein im Aufstieg des europäischen Autorenfilms, der die Hegemonie Hollywoods in den letzten zehn Jahren nicht ersetzte, so doch zumindest herausforderte. In den Augen der Öffentlichkeit ist Fellinis Image als Regisseur das eines kreativen Superstars und eines fantasievollen Zauberers, was sich wohl von jedem anderen Filmregisseur der Nachkriegszeit unterscheidet. Sein Name wurde zum Synonym für Fantasie und überschäumende Kreativität, selbst für Menschen, die noch nie einen seiner Filme gesehen hatten. Viele von Fellinis Filmen, wie „La Strada“, „Nächte der Cabiria“, „La Dolce Vita“, „Achteinhalb“, „Der Mythos der Liebe“, „Amacord“ und andere Werke, machen es fast unmöglich eine Mischung aus originellem künstlerischem Talent und rekordverdächtigem Kassenerfolg.

Bei der Vorbereitung dieses Buches, an dem ich jahrelang gearbeitet habe, habe ich versucht, diese persönlichen Werke Fellinis angemessen in den ästhetischen und akademischen Kontext der italienischen Kultur einzuordnen. Obwohl Fellini von Kommentatoren und Kritikern oft als eine verführerische Persönlichkeit des öffentlichen Lebens beschrieben wird, ein arrogantes Latino-Genie, dem das für europäische Intellektuelle typische kritische Denken fehlt, gelingt es ihm, sein Talent in seinen Werken zum Ausdruck zu bringen. Er antizipiert kontinuierlich Veränderungen im Filmgeschmack und intellektuellen Trends. Wie Milan Kundera sagte, könnten die heutige Öffentlichkeit und Kritiker Fellini im Gegensatz zu vielen großen Künstlern, die erst nach ihrem Tod vollständig verstanden wurden, „nicht mehr“ vollständig verstehen. Kundera glaubt, dass der Grund dafür, dass Fellinis einzigartiger Filmstil von zeitgenössischen Kritikern ignoriert wurde, darin liegt, dass die persönliche Fantasiewelt des Regisseurs in einer Zeit, die von Kitschkultur und Massenmedien dominiert wird, nirgendwo hingehen kann. Fellinis Film zielt darauf ab, die Populärkultur zu entmystifizieren, von der das heutige Publikum abhängig ist – dieser kritische Operationsprozess zeigt nur, dass „die Stimme der Kultur immer schwieriger zu hören ist und den Menschen nach und nach die Fähigkeit zum Denken fehlt.“ Fragen, Fragen, den Sinn der Dinge zu untersuchen, Überraschungen zu erleben und originell zu sein, ist verloren gegangen.“

Um die Komplexität von Fellinis langer Karriere vollständig zu verstehen, müssen wir kurz Fellinis künstlerische Anfänge und die Quellen der Vorstellungskraft untersuchen, die ihm die italienische Populärkultur während der faschistischen Zeit bot. Darüber hinaus macht ein genauerer Blick auf die Jahre, die Fellini als Drehbuchautor verbrachte, bevor er sich der Regie zuwandte, viele wichtige ästhetische Einflüsse auf seine späteren Regiearbeiten deutlich. Bis zu „La Dolce Vita“ wurden Fellinis Filmkreationen in einem relativ traditionellen Modus entwickelt. Als ursprünglicher Entdecker des italienischen Neorealismus war er auch als Drehbuchautor mit vielen Beiträgen bestens vertraut Die Ressource war vollständig erforscht, aber letztendlich erschöpft. Ich werde Fellinis frühe Karriere in chronologischer Reihenfolge sortieren. Nach „Achteinhalb“ werde ich die spätere Karriere des Regisseurs rund um Schlüsselthemen integrieren. Ein solcher induktiver Ansatz zur Untersuchung von Fellinis Filmen kann aufschlussreicher sein als ein traditioneller chronologischer Ansatz, da er die originellsten Aspekte von Fellinis jüngsten Filmen hervorhebt. Kapitel 5 wird sich auf Fellinis einzigartige Verwendung literarischer Quellen konzentrieren „Love Myth“ und „Toby Damn“, beides kann nicht als konventionelle „Adaption“ in „Amarcord“ definiert werden; einige Kommentatoren glauben, dass Fellini kein Interesse an sozialen und politischen Themen hat, eine Binsenweisheit, die in Kapitel 3 auf den Prüfstand gestellt wird Die Diskussion von „Amacord“ und „Probe für das Orchester“ in Kapitel 6 analysiert „Juliet und der Teufel“, „Casanova“ und „Stadt der Frauen“, um zu untersuchen, wie Fellini das komplexe Thema Sex und Frauen darstellt konzentriert sich auf Fellinis neuesten Film „La Luna“ „Yan“ und zeigt dessen Verbindung zu den Konzepten und Bildern von Fellinis frühem „poetischem Kino“ auf. Alle meine Beobachtungen und Rezensionen basieren auf der italienischen Originalfassung des Films, obwohl ich mich auch auf außerhalb Italiens veröffentlichte, untertitelte oder anderweitig synchronisierte Fassungen beziehe.

Als amüsierter, aber unvoreingenommener Beobachter des Lebens predigte oder bevormundete Fellini nie und nahm nie die Geste an, die Ezra Pound „auf einem Ast stehen“ nannte. Noch wichtiger ist, dass Fellini sich eher als Entertainer und Geschichtenerzähler denn als Intellektueller betrachtete und seine Arbeit danach beurteilte, inwieweit das visuelle Erlebnis des Films eine emotionale Reaktion beim Publikum auslösen konnte, anstatt ein spezifisches Wie als logisches oder rationales Argument zu berücksichtigen Die Ausarbeitung einer ideologischen Position kann das Verständnis des Publikums erfolgreich verbessern. Fellinis Filme ermöglichen es uns, dem Regisseur zu seinem wahren Selbst zu folgen und die von ihm geschaffene Welt mit der überraschenden und frischen kindlichen Vision zu schätzen, die in den Herzen jedes erwachsenen Publikums verborgen ist. Doch trotz Fellinis Wunsch, die Jugend seiner Fantasie fortzusetzen, muss die Komplexität der in seinen Werken konstruierten filmischen Erzählungen als eine der schönsten „intellektuellen“ Errungenschaften der zeitgenössischen italienischen Kultur angesehen werden. Dieses Paradoxon wird in diesem Buch ebenfalls ausführlich untersucht.

„The Films of Fellini“, [Amerikaner] Peter Bondanella, übersetzt von Yang Liu und Jia Jing, Qizhenkan |.