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En parlant du film le plus performant de cet été, il s'agit sans aucun doute de "Inside Out 2" produit par Pixar Animation. (Ci-après dénommé « Esprit 2 »). Bien que le film ait reçu des critiques médiocres en Chine continentale, il a tout de même rapporté plus de 300 millions de yuans au box-office. Fin juillet, le box-office mondial du film atteignait 1,462 milliard de dollars. Cela fait du film non seulement le film le plus rentable en 2024, mais il surpasse également le précédent "La Reine des Neiges 2" le plus rentable de Disney et devient le film d'animation n°1 de l'histoire du cinéma.

Affiche "À l'envers 2"

Une première inattendue dans l’histoire du cinéma ?

Avant la sortie de cette animation, une série d'œuvres Pixar, qu'il s'agisse de "Transformation" qui a dû sortir en streaming en raison de l'épidémie, du muet "Half of Magic", ou du médiocre "Elemental City", soit critiqué pour être conservateur, ou critiqué pour être plein de créativité mais manquant de surprises dans l'histoire. Affecté par l'échec de la stratégie de diffusion en continu de la société mère Disney, le très attendu "L'histoire de l'Éclair" à l'origine a été considéré comme un projet désastreux qui a échoué tant au box-office que dans le bouche-à-oreille. En mai de cette année, la nouvelle est tombée que Pixar licenciait 14% de ses employés, soit près de 175 personnes, ce qui semblait faire perdre confiance à cette société pionnière de l'animation. L'énorme succès de "Inside 2" revêt évidemment une importance extraordinaire pour Pixar.

Il y a neuf ans, "Inside Out", écrit et réalisé par Pete Docter, a été présenté en avant-première au Festival de Cannes et a reçu les éloges des médias et du public. L'équipe créative a également tout remporté, de l'Oscar du meilleur long métrage d'animation à l'Annie Award de l'animation. .Une foule de récompenses. Aujourd'hui, quel genre de dessin animé est « Mind 2 » ?

En 2024, cette œuvre qui abandonnait le pluralisme, évitait les sujets brûlants et racontait simplement l'histoire de la croissance d'une petite fille a suscité un tel écho. En tant que film, comment remplit-il la fonction de « guérison » psychologique ? Est-ce la même chose quand on pleure sur un fauteuil massant dans une salle de cinéma que quand on pleure sur un canapé dans une clinique psychiatrique qui coûte 20 fois plus cher ? Le film dépeint avec précision les tempêtes émotionnelles et demande au public : l’anxiété est-elle l’arrière-plan inévitable de notre esprit du temps ? Comment Pixar guérit-il systématiquement nos blessures et intègre-t-il nos vies fracturées ?

Suis-je aimé inconditionnellement par mes émotions ?

La stratégie de production de Pixar encourage les créateurs à raconter « leurs propres expériences uniques ». Par exemple, "La Métamorphose" prend pour thème les premières règles d'une petite fille chinoise et explore avec délicatesse la relation entre mère et fille dans une famille chinoise ; "Crazy Elements" s'ancre également dans la réalité, faisant une évaluation réaliste des attentes familiales. et les conflits culturels dans la représentation des familles d'immigrants d'Asie de l'Est. Cependant, malgré la bonne production et la réputation de ces œuvres multiculturelles, elles n’ont pas réussi à devenir la clé ouvrant la porte à un nouveau monde pour Pixar en raison de la réponse médiocre du marché. "Inside 2" abandonne son caractère unique et revient à l'histoire familière de la croissance des enfants blancs de la classe moyenne en Amérique du Nord. Il évite la diversité et la complexité de la réalité, et place et place seulement les frustrations et les situations des gens dans un tableau psychologique de discussion.

L'intrigue de la série "Mind" n'est pas compliquée, et même un peu mince. L'intrigue principale de la première partie est le chaos psychologique provoqué par le changement d'emploi et le déménagement du père. Le deuxième volet est plus simple et se concentre sur une course pour faire partie de l'équipe de hockey sur glace. Quelques événements constituent la vision de l'histoire, mais en réalité Riley ne sert que de scène sur laquelle l'histoire se déroule - la véritable première héroïne n'est pas Riley, mais la méchante émotionnelle Lele. C'est elle qui doit compléter les leçons de croissance de l'histoire. Et "Lele" ne représente pas des enfants, mais un "cœur de parents" à la Pixar caché derrière les films pour enfants.

Images fixes de "Inside Out 2"

Il n'est pas difficile de voir que les petites personnes émotives qui se sont battues pour Riley dans "Inside" ne sont pas différentes du groupe de vieux jouets qui ont brisé le cœur d'Andy dans "Toy Story". Les protagonistes du film sont nés pour servir et aimer leurs maîtres. Tout tourne autour de leurs maîtres. Même s'ils sont abandonnés et endommagés, leur loyauté envers leur mission ne peut être ébranlée.

Imaginez que les relations interpersonnelles turbulentes et fragiles d'aujourd'hui soient remplies d'accusations d'égoïsme émotionnel et de plaintes concernant l'épuisement de la vie, mais dans les histoires animées, il y a toujours un groupe de personnes absolument altruistes qui mettent « vous » au premier plan dans leur cœur. Ils sont plus responsables que les parents, plus fidèles que les amis, plus passionnés que les amants, et resteront fidèles l'un à l'autre jusqu'à la mort. Non seulement cela, mais une fois que vous ne pourrez plus les voir ou n’en aurez plus besoin, ils disparaîtront sans vous plaindre. Tout comme le popsicle le plus déchirant du premier film, après que Riley n'ait plus besoin de cet ami imaginaire d'enfance, il a héroïquement choisi de « se suicider » et a sagement disparu pour toujours dans le cimetière de la mémoire. Ces protecteurs actifs et amants altruistes qui ne demandent rien en retour sont en réalité les clones et les projections des parents et amants idéaux dans l’esprit de chacun.

Le conseiller scientifique de la première partie du film était Paul Ekman, professeur à l'Université de Californie. Après la sortie du film, il a écrit un guide destiné aux parents sur son site Internet, en prenant comme exemple la famille Riley, permettant aux parents de le faire. mieux comprendre leurs propres émotions et celles de leurs enfants. Ce qu'Ekman a écrit est un guide pour les parents. Cela montre bien que le véritable public des animations Pixar n’est pas les enfants, mais les adultes qui souffrent de détresse émotionnelle et de torture, ainsi que les parents qui essaient de comprendre et de bien faire leur travail.

Il n'est donc pas difficile pour nous de voir que la joie, le chagrin et d'autres émotions ne sont pas seulement « mes émotions », mais aussi « mes parents et amants parfaits ». Ils sont l'incarnation de l'amour absolu, même si nous ne l'avons jamais rencontré. réalité, mais aspire toujours à la croyance en l'amour.

Et comment les films y parviennent-ils ? Dans la première partie, il y a une telle conception d'intrigue scientifiquement fondée : Popsicle et Lele ont accidentellement renversé deux boîtes contenant des cartes au cours de leur aventure, l'une d'elles était remplie de faits et l'autre était remplie de fiction, mélangeant nonchalamment les deux types. des cartes et les reconditionnant, il a déclaré : De toute façon, nous les mélangeons tout le temps.

Cette intrigue illustre parfaitement à quel point il est normal que les téléspectateurs confondent réalité et fiction. Bien que le film soit fictif, la réponse émotionnelle évoquée par l’histoire est réelle. Regarder un film d’horreur vous fera vraiment peur, et regarder une histoire réconfortante vous inspirera en conséquence. Ainsi, les croyances implantées à travers les histoires peuvent aussi être vraies. Bien que le mythe de l'amour éternel soit depuis longtemps en faillite, l'amour réinterprété sur la base de prémisses scientifiques a naturellement planté un arbre de croyance positif dans le cœur du public plein d'anxiété et de douleur. L’acceptation de l’amour est enfin résolue ici comme un problème épistémologique.

C’est donc précisément en observant simultanément comment nous sommes persuadés que nous acquérons la compréhension de l’amour. Grâce à une expérience fictive, la douleur déraisonnable peut être triée, expliquée, comprise et placée. En ce sens, ce que Pixar offre à notre réalité fragmentée n’est pas la promesse d’un bonheur terrestre illusoire, mais le service d’une intégration psychologique publique à grande échelle via l’écran. C'est aussi l'arme magique créative que Pixar n'a jamais perdue depuis "Toy Story".

Ce qui est plus intéressant, c’est que si nous y prêtons attention, nous constaterons que l’histoire semble n’avoir rien à voir avec des conflits réels et des idéologies pointues, mais révèle, intentionnellement ou non, une métaphore de la réalité bien plus cruelle que le soutien de l’amour.

Le destin ultime d’être travailleur ?

Si nous considérons le monde de l’esprit comme une image miroir du monde extérieur, nous constaterons qu’il présente un environnement médiatique semblable à celui du cinéma, un environnement social hiérarchique et un environnement culturel semblable à celui des migrants.

Par exemple : il existe d’innombrables médias d’écran dans le cerveau. Dans la salle de contrôle du cerveau, les émotions ont besoin de recevoir des informations externes et de donner leur avis via un grand écran doté d’un angle de vision ultra-large. Le contenu d'une boule de mémoire après l'autre est reproduit à nouveau grâce à un mécanisme de projection similaire à une machine cinématographique. Tout comme Musk tente de transformer le cerveau humain en un support d’écran grâce à Neuralink, ici, le cerveau est déjà le support d’imagerie lui-même. Ici, les créateurs utilisent leurs installations cinématographiques et théâtrales familières comme un excellent symbole du monde de l'esprit.

Et on peut dire que l’écran exerce un grand pouvoir dans ce monde intérieur. Il y a une telle scène dans le film qui est très significative mais légèrement hors de l'intrigue : les Emo Five sont expulsés de la salle de contrôle par Jiao Jiao. Sur le chemin du retour, ils rencontrent le parc d'attractions House of Cards où Riley était. enfant. Lele a d'abord regardé Je suis très heureux d'être dans un paradis familier, disant que non seulement cet endroit n'a pas disparu, mais qu'il s'est également agrandi. Mais lorsqu'elle y est entrée, elle a découvert que le terrain de jeu s'était transformé en un bureau séparé par des cartes à jouer, un paysage de bureau moderne typique et une forme d'esclavage visuel.

Les objets auxquels obéissent ces peintres esclaves sont les visages brûlés qui apparaissent partout sur grand écran. Jiao Jiao lui-même n'avait pas et n'avait pas besoin d'être présent. Le simple fait d'être « présent à distance » par les moyens médiatiques modernes suffit à pousser les gens à dessiner continuellement des tableaux clés qui peuvent provoquer de l'anxiété. La raison pour laquelle cette scène de peinture a une signification particulière est que les animateurs ont utilisé leur expérience de travail la plus familière pour métaphore de l'environnement créatif manipulé des animateurs. Il est également difficile de ne pas rappeler aux gens la manipulation de la société mère Disney influencée par les créations Pixar. La bataille d'oreillers et l'écran brisé à la fin de cette scène rappellent sans aucun doute la célèbre publicité Apple - le visage brisé de Big Brother derrière l'écran.

Images fixes de "Inside Out 2"

Contrairement à l'espace sombre du théâtre, dans le film, l'intérieur sombre de nos corps et de nos esprits invisibles se transforme en un extérieur lumineux, qui est le « dedans vers l'extérieur » exprimé dans le titre du film.

Cependant, en devenant visible de l’invisible, l’esprit perd son mystère et sa poésie. Sous le puissant pouvoir explicatif de la psychologie, tout dans l’âme est réduit au mental. Si nous regardons les caractéristiques topographiques de notre monde mental, nous saurons que le mécanisme correspondant entre ce monde psychologique et le monde extérieur est en réalité le résultat de l’herméneutique. Ce monde a des rivières, des canyons, des abîmes et des transports modernes électrifiés, mais il n'y a pas de fleurs, de plantes, d'arbres ou d'objets naturels mystérieux qui n'ont jamais existé pour les humains. En d’autres termes, il n’y a rien ici que Riley n’ait ressenti. C’est un monde qui a été filtré et tout peut s’expliquer. Dans ce monde, sa forme sociale et sa division du travail sont symbolisées par une société hiérarchique semblable aux « Cellules de Travail ». Par exemple, les émotions ont des formes et des personnalités humaines de base, et elles s'engagent dans des travaux relativement « avancés », mais d'autres nettoyeurs, ouvriers du bâtiment, etc. sont distribués dans le cerveau. Ces ouvriers ont tout simplement perdu leur forme humaine fondamentale et n'ont plus qu'un contour géométrique général.

Mais comment les « seniors » comme Lele et Youyou survivent-ils ? Dès leur naissance, ils ont été « jetés » dans un environnement de travail 24 heures sur 24, 7 jours sur 7, où ils ne pouvaient pas démissionner (de peur qu'une fois qu'ils envisageaient de démissionner, on leur rappelle qu'ils ne pourraient pas démissionner toute leur vie). un environnement de travail rempli de boutons et de shakers. Sur l'établi du pôle, il y a des piles de manuels d'application à lire (même si seule une inquiétude refoulée a réussi à se retrouver dans les documents officiels). Mais ils ne semblent pas se soucier du fonctionnement réel de ces boutons et joysticks, et ils ne comprennent pas non plus : après l'apparition de Jiaojiao, il a sorti son propre petit panneau de commande de la grande console, et Lele a en fait pensé que c'était un porte-café—— Un monde typiquement kafkaïen.

En d'autres termes, c'est la même chose que le monde électrifié dominé par le modernisme décrit dans les « Temps modernes » de Chaplin. L'homme n'est qu'une existence étrange dans un monde mécanique immense et complexe. Il ne comprend pas sa propre situation et ne peut pas lui poser de questions. sens de son œuvre. Il ne connaissait aucune autre possibilité de survie que de travailler assidûment au niveau de la direction pour achever son travail. Bien qu'ils vivent dans l'esprit d'un enfant, ils n'ont jamais une minute de jeu. Le travail non-stop est tout ce qu'ils ont de la naissance à la mort.

Lorsque Lele a été expulsée du « bureau » à cause d'un accident mécanique ou d'une panne dans une lutte de pouvoir, sa réaction n'a pas été d'explorer ce nouveau monde dans lequel elle n'avait jamais mis les pieds, mais en fait, je dois retourner au travail ! Je dois retourner au bureau immédiatement ! Lele ne travaille pas pour un salaire. En fait, les émotions ne reçoivent aucun salaire. Le travail est son « destin », sa survie est sa vie et sa vie est son travail. Il en va de même pour Jiao Jiao, apparemment méchant. Les différences entre lui et Lele ne sont que des différences techniques dans les idées de travail. En fin de compte, tout est pardonné, résolu et sublimé au nom de l'amour pour Riley. Ce genre de travail rempli de sens et d'amour a sans aucun doute fait de nous, esclaves salariés du système capitaliste moderne, torturés par le travail au point de séparer l'âme et le corps, un sentiment de sens et de mission perdu depuis longtemps.

La grand-mère nostalgique est-elle celle qui peut vraiment vaincre Jiao Jiao ?

Quoi qu'il en soit, le deuxième film montre Riley entrant dans la puberté, mais évite en réalité les véritables troubles d'une adolescence troublée, comme le fait que Riley, qui vient de développer un bouton au menton, n'a pas encore connu son illumination sexuelle, et son La salle de contrôle du cerveau devra peut-être être agrandie plusieurs fois pour s'adapter à plus de 20 émotions différentes dans la réalité. La culpabilité plus négative, l'auto-accusation, la honte, l'infériorité, etc. sortent également du cadre de la discussion dans le film. Quant à la question spéculative en spirale de savoir si mes émotions me contrôlent ou si je contrôle mes émotions, j'ai peur de ne pas pouvoir donner de réponse avant un moment. Les créateurs ont contourné les autres émotions liées à l'adolescence qui peuvent faire grand bruit, et ont choisi très judicieusement d'utiliser « l'anxiété » comme thème de cet épisode. C'est en effet un choix très dans l'air du temps.

À une époque où la concurrence est de plus en plus mise en avant, où l'efficacité est primordiale et où la vie est jugée en gagnant ou en perdant, chacun a un travail à accomplir et des dettes à supporter, ce qui est en compétition, ce n'est pas seulement le progrès et la régression, mais aussi la rapidité et l'efficacité. progrès. Tout est comme naviguer à contre-courant, et il est difficile de se tenir droit et même de s'allonger à plat. Dans un tel environnement, ce que nous connaissons le plus est la tempête émotionnelle anxieuse, et seule l'anxiété est l'émotion la plus réaliste.

Cependant, il n'y a pas de vrais méchants dans l'histoire. Même les mauvaises émotions ont bon cœur. En substance, comme Lele, il donnera tout pour Riley. Et, en réponse à cette anxiété, Pixar a le soutien réconfortant suivant : lorsque l'objet initial de la passion (dans le cas de Riley, le hockey) n'est plus ce qu'il était, l'enfance s'efface et Riley veut toujours devenir un être humain qualifié. Il y a un long chemin à parcourir avant l'adolescence, mais les créateurs ont choisi de faire apparaître la nostalgie au bon moment.

Images fixes de "Inside Out 2"

La grand-mère nostalgique qui n’apparaît pas beaucoup est l’une des rares voies de fuite que nous avons dans ce monde, où nous reculerons si nous n’avançons pas. La nostalgie semble être la plus inutile, mais comme l’anxiété, elle est pour nous un puissant moteur psychologique. Chaque fois que nous entrons dans le théâtre, nous revivons des choses qui se sont produites des milliers de fois et nous rappelons des souvenirs oubliés depuis longtemps. Pixar a fait attendre le public pendant 9 ans avant de voir la suite. Le public qui est déjà entré dans différentes étapes de sa vie en a une profonde nostalgie. La grand-mère nostalgique est aussi importante que Jiao Jiao et constitue l'autre moitié de l'importante force motrice derrière les 1,4 milliards de box-office.

"Inside 2" est l'utilisation par Pixar d'une solide théorie psychologique de la thérapie cognitivo-comportementale (TCC) pour compléter une nostalgie du passé, un réconfort pour le présent et un appel au futur imaginé. Il n'est pas difficile d'imaginer que lorsque nous écoutons les « Je ne suis pas assez bien » répétés au théâtre et reconnaissons nos propres expressions sur les visages raides et anxieux, tout le monde aura probablement l'impression qu'il y a une paire de petites mains mélancoliques. , doucement posé sur nos cœurs criblés.