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Apropos leistungsstärkster Film dieses Sommers: Es handelt sich zweifellos um „Inside Out 2“, produziert von Pixar Animation. (Im Folgenden als „Geist 2“ bezeichnet). Obwohl der Film auf dem chinesischen Festland mittelmäßige Kritiken erhielt, spielte er an den Kinokassen immer noch über 300 Millionen Yuan ein. Ende Juli belief sich der Gesamteinspielergebnis des Films weltweit auf 1,462 Milliarden US-Dollar. Damit ist der Film nicht nur mit Abstand der Film mit den höchsten Einspielzahlen im Jahr 2024, sondern übertrifft auch Disneys bisher erfolgreichsten Film „Die Eiskönigin 2“ und wird zum Animationsfilm Nr. 1 in der Filmgeschichte.

„Inside Out 2“-Plakat

Eine unerwartete Premiere in der Filmgeschichte?

Vor der Veröffentlichung dieser Animation wurde eine Reihe von Pixar-Arbeiten durchgeführt, sei es „Transformation“, das aufgrund der Epidemie gezwungenermaßen auf Streaming-Medien veröffentlicht werden musste, das stille „Half of Magic“ oder das mittelmäßige „Elemental City“. kritisiert, weil er konservativ ist, oder kritisiert, weil er voller Kreativität ist, aber in der Geschichte keine Überraschungen bietet. Das ursprünglich mit Spannung erwartete „The Story of Lightyear“ war vom Scheitern der Streaming-Media-Strategie der Muttergesellschaft Disney betroffen und galt als katastrophales Projekt, das sowohl an den Kinokassen als auch in der Mundpropaganda scheiterte. Im Mai dieses Jahres wurde bekannt, dass Pixar 14 % seiner Mitarbeiter, also fast 175 Personen, entlässt, was offenbar dazu führte, dass die Menschen kein Vertrauen mehr in dieses bahnbrechende Animationsunternehmen hatten. Der große Erfolg von „Inside 2“ ist für Pixar offensichtlich von außerordentlicher Bedeutung.

Vor neun Jahren wurde „Inside Out“, geschrieben und inszeniert von Pete Docter, auf den Filmfestspielen von Cannes uraufgeführt und erhielt Lob von den Medien und dem Publikum. Das Kreativteam gewann außerdem alles, vom Oscar für den besten animierten Spielfilm bis zum Annie Award für Animation . Eine Vielzahl von Auszeichnungen. Was für ein Zeichentrickfilm ist „Mind 2“ heute?

Im Jahr 2024 hat dieses Werk, das den Pluralismus aufgab, heiße Themen vermied und einfach die Geschichte des Heranwachsens eines kleinen Mädchens erzählte, so große Resonanz erregt. Wie erfüllt er als Film die Funktion der psychologischen „Heilung“? Ist es für uns das Gleiche, zu weinen, während wir im Kino auf einem Massagesessel sitzen, wie wenn wir auf dem Sofa in einer psychiatrischen Klinik liegen, die das Zwanzigfache kostet? Der Film schildert emotionale Stürme treffend und fragt das Publikum: Ist Angst der unvermeidliche Hintergrund unseres Zeitgeists? Wie heilt Pixar konsequent unsere Wunden und integriert unser zerbrochenes Leben?

Werde ich von meinen Gefühlen bedingungslos geliebt?

Die Produktionsstrategie von Pixar ermutigt die Schöpfer, „ihre eigenen einzigartigen Erlebnisse“ zu erzählen. „The Metamorphosis“ thematisiert beispielsweise die Menarche eines chinesischen Mädchens und erforscht einfühlsam die Beziehung zwischen Mutter und Tochter in einer chinesischen Familie und kulturelle Konflikte in ostasiatischen Einwandererfamilien. Doch trotz der guten Produktion und des guten Rufs dieser multikulturellen Werke konnten sie aufgrund der mittelmäßigen Marktresonanz nicht zum Schlüssel für Pixar werden, der die Tür zu einer neuen Welt öffnete. „Inside 2“ gibt seine kulturelle Einzigartigkeit auf und kehrt zur bekannten Wachstumsgeschichte weißer Mittelklassekinder in Nordamerika zurück. Es vermeidet die Vielfältigkeit und Komplexität der Realität und stellt die Frustrationen und Situationen der Menschen ausschließlich in ein psychologisches Bild zur Diskussion.

Die Handlung der „Mind“-Reihe ist nicht kompliziert und sogar etwas dürftig. Die Haupthandlung des ersten Teils ist das psychologische Chaos, das durch den Jobwechsel und Umzug des Vaters verursacht wird. Der zweite Teil ist schlanker und dreht sich um den Wettlauf um den Platz in der Eishockeymannschaft. Einige Ereignisse bilden die Vision der Geschichte, aber in Wirklichkeit dient Riley nur als Bühne, auf der die Geschichte spielt – die eigentliche erste Heldin ist nicht Riley, sondern die emotionale Bösewichtin Lele. Sie ist diejenige, die die Wachstumslektionen in der Geschichte abschließen muss. Und „Lele“ repräsentiert keine Kinder, sondern ein „Elternherz“ im Pixar-Stil, das sich hinter Kinderfilmen verbirgt.

Standbilder von „Inside Out 2“.

Es ist nicht schwer zu erkennen, dass sich die kleinen emotionalen Menschen, die in „Inside“ für Riley kämpften, nicht von der Gruppe alter Spielzeuge unterscheiden, die Andy in „Toy Story“ das Herz gebrochen haben. Die Protagonisten des Films wurden geboren, um ihren Herren zu dienen und sie zu lieben. Auch wenn sie verlassen und beschädigt sind, kann ihre Loyalität gegenüber ihrer Mission nicht erschüttert werden.

Stellen Sie sich vor, dass die heutigen turbulenten und fragilen zwischenmenschlichen Beziehungen voller Vorwürfe über emotionalen Egoismus und Klagen über die Erschöpfung des Lebens sind, aber in animierten Geschichten gibt es immer eine Gruppe absolut selbstloser Menschen, denen „Sie“ am Herzen liegt. Sie sind verantwortungsbewusster als ihre Eltern, loyaler als Freunde, leidenschaftlicher als Liebende und bleiben einander bis zum Tod treu. Und nicht nur das: Sobald Sie sie nicht mehr sehen oder brauchen, verschwinden sie ohne Beanstandung. Genau wie das tränenreichste Eis am Stiel im ersten Film entschied sich Riley, nachdem er diesen imaginären Freund aus Kindertagen nicht mehr brauchte, heldenhaft für „Selbstmord“ und verschwand klugerweise für immer auf dem Friedhof der Erinnerung. Diese aktiven Beschützer und selbstlosen Liebhaber, die keine Gegenleistung verlangen, sind in Wirklichkeit die Klone und Projektionen idealer Eltern und Liebhaber in aller Munde.

Der wissenschaftliche Berater für den ersten Teil des Films war Paul Ekman, ein Professor von der University of California. Nach der Veröffentlichung des Films verfasste er auf seiner Website einen Leitfaden für Eltern, der die Familie Riley als Beispiel verwendete ihre eigenen Gefühle und die ihrer Kinder besser verstehen. Was Ekman geschrieben hat, ist ein Leitfaden für Eltern. Dies zeigt nur, dass das eigentliche Publikum der Pixar-Animationen nicht Kinder sind, sondern Erwachsene, die unter emotionalem Stress und Folter leiden, sowie Eltern, die versuchen, ihre Arbeit zu verstehen und gut zu machen.

Es fällt uns also nicht schwer zu erkennen, dass Freude, Trauer und andere Emotionen nicht nur „meine Gefühle“ sind, sondern auch „meine perfekten Eltern und Liebhaber“. Sie sind die Verkörperung absoluter Liebe, auch wenn wir ihr noch nie begegnet sind Realität, sehnen sich aber immer noch nach dem Glauben an die Liebe.

Und wie erreichen Filme das? Im ersten Teil gibt es einen solchen wissenschaftlich fundierten Handlungsentwurf: Eis am Stiel und Lele haben während ihres Abenteuers versehentlich zwei Kisten mit Karten umgeworfen, die mit Fakten gefüllt waren, und die andere war voller Fiktion und vermischte die beiden Arten lässig Nachdem er die Karten sortiert und neu verpackt hatte, sagte er: „Wir verwechseln sowieso ständig.“

Diese Handlung veranschaulicht perfekt, wie normal es für den Zuschauer ist, Fakten und Fiktion zu verwechseln. Obwohl der Film fiktiv ist, ist die emotionale Reaktion, die die Geschichte hervorruft, real. Wenn Sie sich einen Horrorfilm ansehen, werden Sie wirklich erschreckt, und das Anschauen einer herzerwärmenden Geschichte wird Sie entsprechend inspirieren. Somit können auch durch Geschichten eingepflanzte Überzeugungen wahr sein. Obwohl der Mythos der ewigen Liebe längst bankrott ist, hat die Liebe, die auf der Grundlage wissenschaftlicher Prämissen neu interpretiert wurde, auf natürliche Weise einen positiven Baum des Glaubens in die Herzen des Publikums voller Angst und Schmerz gepflanzt. Die Akzeptanz der Liebe wird hier als erkenntnistheoretisches Problem endgültig gelöst.

Deshalb gewinnen wir gerade im Prozess der gleichzeitigen Beobachtung, wie wir überzeugt werden, das Verständnis von Liebe. Durch fiktive Erfahrung kann der unvernünftige Schmerz geklärt, erklärt, verstanden und platziert werden. In diesem Sinne ist das, was Pixar unserer fragmentierten Realität bietet, nicht das Versprechen eines illusorischen irdischen Glücks, sondern der Dienst einer umfassenden öffentlichen psychologischen Integration über den Bildschirm. Dies ist auch die kreative Zauberwaffe, die Pixar seit „Toy Story“ nie verloren hat.

Interessanter ist, dass wir, wenn wir aufmerksam sind, feststellen werden, dass die Geschichte nichts mit echten Konflikten und scharfen Ideologien zu tun zu haben scheint, sondern absichtlich oder unabsichtlich eine Metapher für die Realität offenbart, die weitaus grausamer ist als die Unterstützung der Liebe.

Das ultimative Schicksal, ein Arbeiter zu sein?

Wenn wir die Welt des Geistes als Spiegelbild der Außenwelt betrachten, werden wir feststellen, dass sie über ein filmähnliches Medienumfeld, ein hierarchisches soziales Umfeld und ein kulturelles Umfeld der Arbeiterklasse verfügt.

Beispielsweise gibt es im Gehirn unzählige Bildschirmmedien. Im Gehirnkontrollraum müssen Emotionen externe Informationen empfangen und über einen großen Bildschirm mit einem extrem weiten Betrachtungswinkel Feedback geben. Der Inhalt einer Erinnerungskugel nach der anderen wird durch einen Projektionsmechanismus ähnlich einer Filmmaschine erneut reproduziert. So wie Musk versucht, das menschliche Gehirn durch Neuralink in ein Bildschirmmedium zu verwandeln, ist hier das Gehirn bereits das Bildmedium selbst. Hier nutzen die Macher ihre bekannten Film- und Theaterinstallationen als hervorragendes Symbol für die Welt des Geistes.

Und man kann sagen, dass der Bildschirm in dieser inneren Welt eine große Macht ausübt. Es gibt eine solche Szene im Film, die sehr bedeutungsvoll ist, aber etwas außerhalb der Handlung liegt: Die Emo Five werden von Jiaojiao aus dem Kontrollraum geworfen, und auf dem Rückweg treffen sie auf den Vergnügungspark House of Cards, in dem Riley ein Kind war Lele sah zunächst „Ich bin sehr glücklich, in einem vertrauten Paradies zu sein“ und sagte, dass dieser Ort nicht nur nicht verschwunden sei, sondern sich auch vergrößert habe. Doch als sie hineinstürmte, stellte sie fest, dass sich der Spielplatz in ein durch Spielkarten getrenntes Kabinenbüro verwandelt hatte, eine typische moderne Bürolandschaft und eine Form der visuellen Sklaverei.

Die Objekte, denen diese versklavten Maler gehorchen, sind die verbrannten Gesichter, die überall auf der großen Leinwand erscheinen. Jiao Jiao selbst war und musste nicht anwesend sein, indem er durch moderne Medien einfach nur „aus der Ferne präsent“ war, um die Menschen dazu zu bringen, ständig wichtige Gemälde zu zeichnen, die Angst hervorrufen können. Der Grund, warum diese Malszene eine besondere Bedeutung hat, liegt darin, dass die Animatoren ihre vertrauteste Berufserfahrung nutzten, um das manipulierte kreative Umfeld der Animatoren zu symbolisieren. Es ist auch schwierig, die Menschen nicht an die Manipulation der Kreationen der Muttergesellschaft Disney zu erinnern. Die Kissenschlacht und der zerschmetterte Bildschirm am Ende dieser Szene erinnern zweifellos an den berühmten Apple-Werbespot – das zerschmetterte Gesicht des Großen Bruders hinter dem Bildschirm.

Standbilder von „Inside Out 2“.

Im Gegensatz zum dunklen Theaterraum wird im Film das dunkle Innere unseres Körpers und unsichtbaren Geistes in ein helles Äußeres verwandelt, das im Titel des Films zum Ausdruck kommt.

Indem der Geist jedoch aus dem Unsichtbaren sichtbar wird, verliert er sein Geheimnis und seine Poesie. Unter der starken Erklärungskraft der Psychologie wird alles in der Seele auf das Mentale reduziert. Wenn wir uns die topografischen Merkmale unserer mentalen Welt ansehen, werden wir erkennen, dass der entsprechende Mechanismus zwischen dieser psychologischen Welt und der Außenwelt tatsächlich das Ergebnis der Hermeneutik ist. Diese Welt hat Flüsse, Schluchten, Abgründe und elektrifizierte moderne Transportmittel, aber es gibt keine Blumen, Pflanzen, Bäume, die für Menschen nie existiert haben, oder Projektionen mysteriöser Naturobjekte. Mit anderen Worten, es gibt hier nichts, was Riley nicht gefühlt hat. Dies ist eine Welt, die gefiltert wurde und alles erklärt werden kann. In dieser Welt werden ihre soziale Form und Arbeitsteilung als eine hierarchische Gesellschaft ähnlich den „Arbeitszellen“ symbolisiert. Emotionen haben beispielsweise grundlegende menschliche Formen und Persönlichkeiten und werden in relativ „fortgeschrittenen“ Berufen eingesetzt, während andere Reinigungskräfte, Bauarbeiter usw. im Gehirn verteilt sind. Diese Arbeiter haben einfach ihre menschliche Grundform verloren und haben nur noch einen allgemeinen geometrischen Umriss.

Doch wie überleben „leitende Arbeiter“ wie Lele und Youyou? Sobald sie geboren wurden, wurden sie in ein 24/7-Arbeitsumfeld „geworfen“, in dem sie nicht zurücktreten konnten (aus Angst, dass sie ihr ganzes Leben lang daran erinnert wurden, dass sie nicht zurücktreten könnten). Eine Arbeitsumgebung voller Knöpfe und Shaker. Auf der Werkbank der Stange liegen Stapel von Anwendungshandbüchern zum Lesen (obwohl es nur aufgestaute Sorgen in die offiziellen Dokumente geschafft haben). Aber es scheint ihnen egal zu sein, wie diese Tasten und Joysticks tatsächlich funktionieren, und sie verstehen auch nicht: Nachdem Jiaojiao aufgetaucht war, zog er sein kleines Bedienfeld aus der großen Konsole, und Lele dachte tatsächlich, es sei ein Kaffeehalter – A typische kafkaeske Welt.

Mit anderen Worten, hier ist es dasselbe wie in der elektrifizierten Welt, die in Chaplins „Modern Times“ beschrieben wird. Er ist nur eine seltsame Existenz in einer riesigen und komplexen mechanischen Welt. Er versteht seine eigene Situation nicht und kann ihn nicht danach fragen Bedeutung seiner Arbeit. Er kannte keine andere Möglichkeit zu überleben, als fleißig auf der Führungsebene zu arbeiten, um seine Arbeit zu vollenden. Obwohl sie im Kopf eines Kindes leben, haben sie von der Geburt bis zum Tod nie eine Minute Zeit zum Spielen.

Als Lele aufgrund eines mechanischen Unfalls oder eines Misserfolgs in einem Machtkampf aus dem „Büro“ geworfen wurde, bestand ihre Reaktion nicht darin, diese neue Welt zu erkunden, die sie noch nie betreten hatte, sondern tatsächlich: Ich muss wieder arbeiten! Ich muss sofort zurück ins Büro! Lele arbeitet nicht für Lohn. Tatsächlich erhalten Emotionen keinen Lohn. Arbeit ist ihr „Schicksal“, ihr Überleben ist ihr Leben und ihr Leben ist ihre Arbeit. Das Gleiche gilt für den scheinbaren Bösewicht Jiao Jiao. Die Unterschiede zwischen ihm und Lele waren nur technische Unterschiede in den Arbeitsideen. Am Ende wurde alles im Namen der Liebe zu Riley vergeben, gelöst und sublimiert. Diese Art von Arbeit voller Liebe hat uns zweifellos zu Lohnsklaven des modernen kapitalistischen Systems gemacht, die von der Arbeit bis zur Trennung von Seele und Körper gequält werden und ein längst verlorenes Gefühl für Sinn und Mission erfahren.

Ist die nostalgische Oma diejenige, die Jiao Jiao wirklich besiegen kann?

Auf jeden Fall zeigt der zweite Film, wie Riley in die Pubertät eintritt, vermeidet aber tatsächlich die wirklichen Probleme einer schwierigen Jugend, wie zum Beispiel die Tatsache, dass Riley, die gerade einen Pickel am Kinn bekommen hat, ihre sexuelle Erleuchtung noch nicht erlebt hat, und ihr Das Der Kontrollraum des Gehirns muss möglicherweise mehrmals erweitert werden, um in der Realität mehr als 20 verschiedene Emotionen unterzubringen. Weitere negative Schuldgefühle, Selbstvorwürfe, Scham, Minderwertigkeit usw. werden im Film ebenfalls nicht thematisiert. Was die sich immer weiter aufdrängende spekulative Frage angeht, ob mich meine Emotionen kontrollieren oder ob ich meine Emotionen kontrolliere, fürchte ich, dass ich für eine Weile keine Antwort darauf geben kann. Die Macher haben andere Emotionen im Zusammenhang mit der Pubertät, die viel Aufsehen erregen können, außer Acht gelassen und sich bewusst dafür entschieden, „Angst“ als Thema dieser Episode zu verwenden. Es ist in der Tat eine Entscheidung, die sehr dem Zeitgeist entspricht.

In einer Zeit, in der der Wettbewerb immer stärker betont wird, Effizienz an erster Stelle steht und das Leben nach Sieg oder Niederlage beurteilt wird, hat jeder einen Job zu erledigen und Schulden zu tragen. Im Wettbewerb stehen nicht nur Fortschritt und Rückschritt, sondern auch die Geschwindigkeit und Effizienz Fortschritt. Alles ist wie ein Segeln gegen den Strom, und es ist schwierig, gerade zu stehen und sogar flach zu liegen. In einer solchen Umgebung kennen wir am besten den ängstlichen emotionalen Sturm, und nur Angst ist das realistischste Gefühl.

Allerdings gibt es in der Geschichte keine echten Bösewichte. Selbst die schlechten Gefühle haben ein gutes Herz. Im Wesentlichen wird er, wie Lele, alles für Riley geben. Und als Reaktion auf die Angst hat Pixar den beruhigenden Hintergrund, dass die Kindheit verblasst und Riley ein qualifizierter Mensch werden möchte, wenn das ursprüngliche Objekt der Leidenschaft (für Riley: Eishockey) nicht mehr das ist, was es war Bis zur Pubertät ist es noch ein langer Weg, aber die Macher haben sich dafür entschieden, die Nostalgie zum richtigen Zeitpunkt zum Vorschein zu bringen.

Standbilder von „Inside Out 2“.

Die nostalgische Oma, die nicht oft auftaucht, ist einer der wenigen Fluchtwege auf dieser Welt, auf die wir uns zurückziehen, wenn wir nicht vorankommen. Nostalgie scheint am nutzlosesten zu sein, aber wie Angst ist sie für uns ein starker psychologischer Treiber. Jedes Mal, wenn wir das Theater betreten, erleben wir Dinge, die tausende Male passiert sind, und erinnern uns an längst vergessene Erinnerungen. Pixar ließ das Publikum ganze 9 Jahre warten, bevor es die Fortsetzung sah. Zuschauer, die bereits verschiedene Phasen ihres Lebens durchlaufen haben, hegen tiefe Sehnsucht danach. „Nostalgic Grandma“ ist genauso wichtig wie Jiao Jiao und die andere Hälfte der wichtigen treibenden Kraft hinter den 1,4-Milliarden-Einspielergebnissen.

„Inside 2“ ist Pixars Einsatz einer soliden psychologischen Theorie der kognitiven Verhaltenstherapie (CBT), um eine Nostalgie für die Vergangenheit, Trost für die Gegenwart und einen Ruf in die imaginäre Zukunft zu vervollständigen. Es ist nicht schwer, sich vorzustellen, dass, wenn wir im Theater das wiederholte „Ich bin nicht gut genug“ hören und unseren eigenen Ausdruck in den steifen und ängstlichen Gesichtern erkennen, jeder wahrscheinlich das Gefühl haben wird, dass da ein paar melancholische kleine blaue Augen sind. Hände, sanft auf unsere verwirrten Herzen gelegt.