nouvelles

한어Русский языкEnglishFrançaisIndonesianSanskrit日本語DeutschPortuguêsΕλληνικάespañolItalianoSuomalainenLatina

L'atelier de Claire Basler

L'établi de Claire Baszler

1. La « chambre mansardée » de Léonard de Vinci

"Un atelier d'artiste doit occuper un petit espace, car un petit espace permet de se concentrer, tandis qu'un grand espace distrait."

Ce que Léonard de Vinci a dit ne semble pas s’appliquer aux artistes ultérieurs. En fait, les artistes d’aujourd’hui préfèrent les grands studios, ce qui semble les rendre plus engagés.

Ce petit « pavillon » est l'atelier de Léonard de Vinci restauré par les générations suivantes. Il est occupé depuis plus de 100 ans par un institut de géographie militaire.

On raconte que c'est ici qu'il créa la Joconde.

2. Le « Palais » de Picasso

À l'époque de Picasso, son atelier, riche en décorations classiques, était à la fois sa maison et un club social. Il était comme un « palais » dans le cœur de nombreux artistes pauvres.

3. La « Ferme fantôme » d’O’Keeffe

L'artiste O'Keeffe aime le plus sa « ferme fantôme ». Elle est très pratique pour les croquis en extérieur et la création en intérieur.

Avec un style de décoration blanc rafraîchissant, les gens qui ne le connaissent pas n’imagineraient jamais qu’un atelier d’artiste puisse être aussi propre et bien rangé ?

4. Le « Jardin » de Matisse

La vie de peintre de Matisse est née d'un accident survenu à l'âge de 21 ans. Ce tournant inattendu a complètement éveillé sa passion pour la peinture et il n'a pas pu l'arrêter.

"J'ai l'impression d'être convoqué. Désormais, cela ne me domine plus."

Dans « Notes d'un peintre », Matisse a déclaré : « L'art dont je rêve est plein d'équilibre, de pureté et de tranquillité, sans sujets dérangeants ou accrocheurs.

Pour tout travailleur spirituel, comme un artiste, l'art est un moyen d'apaisement et un moyen de réconfort spirituel, apaisant son âme.

Pour lui, cela signifie trouver la paix dans le labeur et le travail quotidiens. "

Ce qui est étonnant chez les artistes, c'est que pour eux, le travail est une sorte de plaisir.

prendre des vacances? Rien!

Dans leur propre studio, il est courant de passer toute la journée et toute la nuit, en oubliant de manger et de dormir. Pour leurs artistes inspirés, manger et dormir sont des vacances. Tous les artistes sont des bourreaux de travail.

Même si Matisse se reposait au lit, lorsque l'envie de créer émergeait, il prenait directement le « bâton de bambou » dans son lit et commençait à peindre sur le mur.

Plus tard, Matisse, malade, renonça à créer sur chevalet, mais en même temps il ouvrit la porte à un nouveau monde : le découpage du papier.

Assis sur son lit, ou dans un fauteuil roulant, Matisse poursuit sa création artistique avec une paire de gros ciseaux.

Dans un hôtel face à la mer à Nice, en France, les murs de la pièce étaient presque recouverts d’œuvres découpées en papier de Matisse.

Il disait joyeusement aux autres : « Chaque jour, j'ai envie de me promener dans un jardin. Vous voyez, il y a des feuilles, des fleurs et des oiseaux ici.

5.Le paradis créatif de Calder

Calder est surtout connu pour ses sculptures cinétiques.

Lui, sa femme et ses enfants ont fait plusieurs allers-retours entre les États-Unis et la France, pour finalement s'installer à Roxburgh, dans le Connecticut.

Sa maison est immédiatement reconnaissable car tout ce que vous voyez sont ses couleurs emblématiques : rouge, jaune, bleu et noir, et tout dans la maison est constitué de « sculptures de Calder, grandes et petites ».

On estime que les enfants deviendront fous en venant ici, des sculptures dynamiques accrochées au plafond, à la vaisselle de la cuisine, en passant par les tapis au sol...

Ce sont toutes des œuvres d’art, grandes et petites, qu’il a réalisées lui-même.

"L'art de Calder est la sublimation des arbres et du vent." Bien que les éléments métalliques suspendus ou debout soient la forme la plus simple, ils se balancent en raison du flux d'air ou de la manipulation du spectateur, tout comme les feuilles au vent devant la fenêtre du studio.

"Pourquoi tout art doit être statique ? La prochaine étape de la sculpture est de bouger." Les futures créations artistiques de Calder contiennent toujours le concept de "l'immobilité en mouvement et le mouvement dans l'immobilité".

De plus, le studio de Calder possède de fascinantes baies vitrées et de grandes étendues d'arbres devant la fenêtre.

Il y a aussi des peintures sur le mur que Miro lui a offertes. Les avez-vous vues ?

6. Le « Jardin du château » de Claire Basler

L'atelier de Claire Basler caché dans le vieux château fait rêver tout le monde.

Dans ses souvenirs d'enfance, son père avait un magnifique jardin. Aujourd'hui, elle installe ces fleurs dans son atelier, aime les fleurs et peint, et réaliser ses œuvres artistiques dans la nature est ce à quoi elle se consacre le plus dans sa vie.

Dans le jardin de Claire, les trente ou quarante sortes de fleurs qui fleurissent toute l'année sont comme un cadeau des lutins pour elle.

"Je vis dans la nature et je chéris aussi ma vie. Je reste à l'écart du chaos du monde et je garde ma passion dans ce pays. C'est très paisible et confortable. Par conséquent, je ne suis pas un ermite. Ce sont juste mes peintures qui donnent moi une compréhension de la vie. Un autre type de réalisation, me donnant autant de langage créatif que possible.

"Pour moi, la beauté n'est pas inutile, c'est une nécessité qui change l'existence, renforce le goût de la vie et donne de la force aux gens. Mes peintures sont l'expression de mon quotidien. Chaque élément de couleur et de forme s'entoure dans le peinture. Fleurs Les branches et les vignes sont également enchevêtrées. J'aime la beauté et j'observe la beauté.

La passion de Claire Basler pour la vie et la beauté est palpable.

7. La « Salle d’exposition d’art » de Morandi

Morandi vit ici depuis 54 ans et c'est à la fois sa maison et son studio.

Diverses bouteilles et pots de ses peintures sont encore dispersés dans la pièce dans leur aspect d'origine, comme si Morandi n'était jamais parti.

Ses meubles et collections sont toujours dans la pièce, et chaque coin est si beau qu'il peut être directement intégré dans le cadre.

8. La « Grande maison » de De Kooning

L'artiste de Kooning dispose d'un espace de création très spacieux. Son atelier est presque complètement transparent, avec d'un côté des fenêtres allant du sol au plafond.

Il est l'un des représentants du Mouvement Action Nouvelle.

Plusieurs tables simples sont placées au hasard dans l'espace, remplies de peintures et d'outils à utiliser, et les sols et les murs sont recouverts de multiples œuvres qu'il crée.

9. Le « cottage » de Pollock

L'essence de l'art de Pollock réside dans l'espace de son atelier, condensé dans chaque trait de sa peinture.

Si quelqu'un suivait la « théorie étroite » de l'atelier de Léonard de Vinci, c'était bien Pollock.

Ses œuvres sont de grande taille, mais l’espace global de son atelier ne l’est pas. Les outils et les peintures sont inhabituellement denses et facilement accessibles.

L'espace global de la structure en bois avec des fenêtres de taille normale semble particulièrement mystérieux.

10. L'atelier de Rothko

Comparé à ses peintres expressionnistes abstraits contemporains Pollock et de Kooning, l'artiste Rothko n'était qu'un second rôle.

Il avait un studio à Provincetown. Mais sa dépression avait déjà éclaté à ce moment-là et il devenait de plus en plus nerveux et déprimé. Il avait besoin d'une concentration totale pour peindre ces grandes œuvres qui semblaient calmes et tranquilles.

Pour lui, le processus de peinture s’apparente à une cérémonie religieuse. Il gardait le processus de peinture strictement secret et ne le montrait à personne jusqu'à ce que le travail soit terminé. Il restait souvent éveillé toute la nuit, travaillant de 17 heures à 10 heures le lendemain matin.

11. La « salle Mash-Up » de Cy Twombly

Cy Twombly est un artiste américain basé à Rome.

Par rapport à ses œuvres, son atelier est un peu étrange : de telles peintures modernes côtoient des meubles rétro dorés et des sculptures classiques, et ce n'est que lui.

12. «La salle Wia» de James Nares

Afin de rendre l'image plus efficace, l'artiste James Nares0 a ​​même accroché des fils dans l'atelier car son travail était rempli de mouvements difficiles.

Habituellement, il fera délibérément attention à sa condition physique pour s'assurer qu'il pourra encore créer des œuvres à grande échelle lorsqu'il sera vieux. En fait, la peinture est vraiment une activité physique.

13. « Atelier de peinture chinoise » de Fabienne Verdier

Fabienne Verdier est une rare artiste européenne contemporaine qui crée sous forme de calligraphie.

Elle admire et admire beaucoup la peinture et la calligraphie chinoises et étudie en Chine depuis des décennies. Ses œuvres créent un style de peinture unique basé sur les techniques de calligraphie traditionnelle chinoise.

Fabienne Verdier fabrique elle-même des outils de peinture spéciaux et elle crée souvent avec d'énormes « stylos ».

Un tel stylo est comparable à une machine lourde, et tout le monde ne peut pas bien le manipuler. N'est-ce pas amusant de la regarder travailler ?

Fabienne Verdier disait : « J'explore l'origine de la vie pensante, la naissance des structures, des mouvements, des virages et des formes dynamiques qui émergent spontanément.

Le grand pinceau qui se déplace sur la toile devient le corps à travers lequel nous regardons le monde. La caractéristique de la peinture n'est pas de copier l'apparence de ces montagnes et rivières, mais de provoquer un sentiment dans le cœur du public, lui permettant de se plonger dans un processus méditatif de paysages réalistes. "

14. La « Salle des graffitis » de Keith Haring

Keith Haring est un street artiste typiquement new-yorkais et peut être considéré comme le père du graffiti.

Il étala le papier à dessin à plat sur le sol, presque à la même surface que ce coin. Il a d'abord dessiné une plage sur le bord du papier à dessin, et il y avait un coin concave du papier à dessin.

Tout en continuant à créer, il a continué à reculer, jusqu'à ce qu'après avoir terminé, Keith Haring se soit assis recroquevillé dans l'espace concave qui avait été séparé au début, se sentant complètement naturel.

15. La « salle élévatrice » de Lichtenstein

L'atelier de Lichtenstein était lumineux et propre, comme ses peintures.

Il y a plusieurs ascenseurs et échelles dans l'atelier pour faciliter la création d'œuvres à grande échelle. De nombreux artistes possèdent également cette capacité à grimper plus haut et à créer davantage.

Que signifie la peur des hauteurs en matière de création ?

Et ça ? Après avoir vu ces ateliers d’artistes, vous pensez : je ferais mieux de me faufiler dans le métro et de prendre le bus pour aller travailler !

À notre avis, les ateliers de ces artistes sont pleins de liberté et de joie, mais pour les artistes, les ateliers sont leurs œuvres les plus grandes et les plus parfaites.

Source丨Art et design, etc., le droit d'auteur appartient à l'auteur original